Trombonista e contrabbassista statunitense (New Orleans, Louisiana, 20.4.1895 – 3.12.1973). Emile Christian appartiene a una famiglia di musicisti: i due fratelli, Frank e Charles, suonano la cornetta e il trombone. Anch’egli suona questi due strumenti, oltre alla tuba e al contrabbasso.

Nel 1912, suona la cornetta con Ernst Giardina e partecipa alle parate nelle strade della sua città natale. Contattato dal batterista Johnny Stein, preferisce lasciare il posto a Nick LaRocca e raggiungere a Chicago la formazione di Bert Kelly (1916). Nel 1918 sostituisce Eddie Edwards nell’Original Dixieland Jazz Band a New York. Partecipa alla tournée dell’orchestra in Inghilterra (1919-20).

Resta a Londtra dove si produce con alcuni musicisti statunitensi e con il pianista britannico Tom Waltham (1920-22), che segue a Parigi nel 1923. In Francia e in Germania, Christian suona durante gli anni ’20 con Eric Borchard, Waltham, Monty H. Lyle, Ray Ventura e alcuni altri statunitensi di passaggio: Albert Wynn (1928), Leslie Sterling (1928 e 1930), Lud Gluskin (1928-29).

Durante gli anni ’30 lo troviamo di nuovo con Gluskin, Billy Arnold, Bennie Peyton (in Svizzera, 1935), Jo Bouillon (1936), Bennie French (1936) e Leon Abbey (in India, in Francia e in Danimarca, 1936-39). Rientra all’ovile solo nell’autunno 1939 e suona un periodo a New York.

Dopo la guerra ritrova New Orleans dove, come trombonista e bassista, si esibisce negli anni ’50 e 60 con Armand Hug, George Girard, Leon Prima, Sharkey Bonano. Partecipa a una tournée con Louis Prima nel 1957, suona al festival di Disneyland dieci anni dopo, così come a quello di New Orleans nel 1968 e 1969.

Emile Christian appartiene alla generazione dei trombonisti bianchi del sud che fece elevare lo strumento a livello solistico. Meno agile dei musicisti del Nord (come Miff Mole), sa regalare però degli assolo più focosi e caldi, costruiti semplicemente e impostati in maniera esemplare per l’epoca. Come bassista ama dare una maggiore mobilità ritmica e per questo usa a volte il sassofono basso.

[D.N.]

Batterista statunitense (Charleston, Virginia, 19.4.1905 – Mount Vernon, Virginia, 24.3.1944). Con suo fratello Bill (1903 – 1970), suonatore di tuba che registra al suo fianco con i Red Hot Peppers di Jelly Roll Morton tra il 1928 e il 1930, riceve un inizio di educazione musicale in un orfanotrofio, il Jenkins’ Orphanage, in South Carolina. Con l’orchestra dell’istituto parte in tournée e si reca persino in Inghilterra.

Avendo approfondito lo studio della batteria, debutta nel 1920 con il Green River Minstrel Show, passando poi in diverse orchestre newyorkesi: Elmer Snowden, Charlie Skeet, Jelly Roll Morton, Edgard Hayes. Gli anni ’30 lo vedono sbarcare in Europa dove accompagna per diverse stagioni Eddie South, Freddy Johnson, Garland Wilson, Freddy Taylor, partecipando a numerose sedute di registrazione per swing, in particolare con Bill Coleman, accanto a Django Reinhardt e Stéphane Grappelli (1938). Lo stesso anno entra nell’orchestra di Willie Lewis col quale resta in Europa, malgrado la guerra, fino al 1941.

Di ritorno negli Stati Uniti, è ingaggiato da Noble Sissle (1943), poi da Snub Mosley (1946-48), Bob Wilber (1950-52), Rex Stewart (1953), Muggsy Spanier, George Lewis (1955). Ritorna in Europa in seno alla rivista Jazz Train (1960) e riprende la sua attività a New York col trombettista Joe Thomas (1963), Ed Hall (1963), Danny Barker (1963), The Saints And Sinners. Benché abbia rallentato l’attività durante gli anni ’70, effettua varie tournée con l’orchestra di Clyde Bernhardt, la Harlem Blues Jazz Band (1981) e Bob Greene, che lo porta di nuovo in Europa (1982).

La sua esecuzione, tipica di New Orleans, piuttosto logora al tempo dei Red Hot Peppers, è andata affinandosi, guadagnando in scioltezza e varietà.
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[A.C.]

Banjoista e chitarrista statunitense (New Orleans, Louisiana, 17.4.1890 – Los Angeles, California, 17.6.1966). Suo padre, flautista e chitarrista, è il suo primo insegnante. Fa il suo debutto a quindici anni, lavorando come intonacatore di giorno e suonando la notte in un trio di strumenti a corda che dirige per quattro anni.

In seguito, si esibisce a tempo pieno nelle formazioni di Armand Piron (1909), nella Tuxedo Jazz Band di Kid Ory (1914-16) e sulle riverboats, con Fate Marable (1917-19), Ed Allen (1920-22), Charlie Creath, poi, di ritorno nella sua città natale, con Manuel Perez.

Nel 1923, a Chicago, entra nella formazione di King Oliver, passa poi in quelle di Jimmie Noone (1924) e Doc Cook (1925-29). Partecipa alle leggendarie sedute degli Hot Seven di Louis Armstrong (1925-27) e dei Red Hot Peppers di Jelly Roll Morton (1926) prima di ritirarsi a New Orleans (1930) per riprendere il mestiere di intonacatore e suonare episodicamente con delle orchestre locali.

Dal 1954 vive in California dove si esibisce in particolare con Paul Barbarin (1955), The New Orleans Creole Jazz Band (1959) e The Young Men Of New Orleans (1960). Nel 1965 un incidente automobilistico lo costringe ad interrompere la sua attività. Muore di leucemia. Ha ricevuto il premio All Time All Stars, categoria banjo, conferito dal periodico Record Changer.

Il sostegno ritmico di St. Cyr è caratterizzato da un tempo di un’estrema sicurezza e una pienezza armonica eccezionale, dovuti al modo in cui batte gli accordi e fa suonare le corde del suo strumento. Il suo drive si comunica a tutta l’orchestra.

[C.O.]

Direttore d’orchestra, pianista, compositore e arrangiatore francese (Parigi, 16.4.1908 – Palma di Maiorca, 30.3.1979). Nato in una famiglia benestante, dopo aver imparato a suonare il piano si appassiona al jazz dall’inizio degli anni ’20, fa arrivare dei dischi e delle partiture dall’America, e forma, nel 1924, una piccola orchestra di dilettanti con i suoi compagni del liceo Janson de Sailly, The Collegians. Il nome viene francesizzato agli inizi degli anni ’30 e lo conserveranno fino alla guerra, ormai professionisti da molto tempo.

Ispirandosi alle grandi orchestre statunitensi (Paul Whiteman) o inglesi (Jack Hylton) ma anche ad alcuni musicisti e gruppi neri (Armstrong, Ellington), animano le feste da ballo del XVI arrondissement, invitando dei musicisti statunitensi e francesi a suonare e a registrare con loro (Danny Polo, Eddie Ritten, Arthur Briggs, Léo Vauchant, Philippe Brun, Philippe Montaigu, Alex Renard, Guy Paquinet, Andy Foster ecc.). Incidono i loro primi dischi per la Columbia nel 1928; l’anno seguente passano alla Odeon. In seguito, registrano per la Decca (1931-35) e la Pathé (1935-40).

Fra i Collegians troviamo: il trombettista Ray Binder, il sassofonista Edouard-Stanton Foy, il trombonista André Cauzard, il pianista, compositore e arrangiatore Paul Misraki, il violinista (arrivato nel 1932) Georges Effrosse e, naturalmente, i due fratelli Arslanian, John (clarinetto, sax) e Krikor, conosciuto poi con il nome di <<Coco Aslan>> (percussioni e voce). La scelta di diventare professionisti modifica l’estetica del gruppo: il suo repertorio si arricchisce di canzoni e sketch pensati per attirare il pubblico. Il gruppo compie delle tournée in Francia e all’estero (Belgio, Gran Bretagna, Spagna, Paesi Bassi), partecipa a numerose riviste, trasmissioni radio e film (L’amour à l’américaine, 1932; Feux de joie, 1938; Tourbillon de Paris, 1939) e diventa famoso. Ray Ventura fonda una casa editrice.

La guerra interrompe questo momento di celebrità (al quale hanno contribuito, dal 1936, alcuni grandi del jazz belga e francese: Gus Deloof, Josse Breyre, Noël Chiboust, Philippe Brun, Alix Combelle, André Ekyan, Louis Vola, Jerry Mengo, Loulou Gasté, Maurice Chaillou, Guy Paquinet ecc.), e il direttore, accompagnato da parecchi suoi orchestrali (Misraki, i fratelli Arslanian ecc.) si ritira prima in Svizzera (1940-41), poi in Brasile (1941-42) e in Argentina (1942-44). In questa orchestra in trasferta ci sono alcune figure importanti del jazz francese: Pierre Allier, Eugène d’Hellemmes, Alain Romans, Louis Vola e il giovane Henri Salvador. Nel 1942-43, registrano numerosi dischi a Buenos Aires.

Alla Liberazione, dopo un passaggio negli Stati Uniti e un ritorno in Belgio, Ventura forma una nuova orchestra (in particolare, con Salvador, Guy Paquinet, Gérard Lévecque, Marcel Coestier, Max Hugot, Max Elloy). Nonostante i cambiamenti sopraggiunti nei gusti del pubblico, la nuova formazione rinnova il successo parigino e gira dei nuovi film: Mademoiselle s’amuse (1947), Nousirons à Paris (1949), Nous irons à Monte-Carlo (1951), tutti prodotti da Ventura. Quest’ultimo sempre più attratto dal cinema, abbandona quasi completamente la musica dal 1954, formando delle orchestre solo per dei gala e delle registrazioni (per la sua casa discografica, la Versaille). Malgrado la produzione di buoni film, Ventura non otterrà il successo sperato.

Ray Ventura non ha inventato il “jazz di scena” (gli statunitensi, gli inglesi e Gregor ci avevano pensato prima di lui), ma ha portato questo genere a un assoluto grado di perfezione. Il jazz occupava un posto di qualità nella maggior parte dei suoi spettacoli, anche se i dischi (soprattutto dopo il 1935) non lo dimostrano. Ma tutto questo è testimoniato dal nome dei musicisti ingaggiati. Altri si sono distinti in questo campo – Fred Adison, Roland Dorsay, Jo Bouillon, Raymond Legrand e Jacques Hélian (due ex Collegians) – senza mai, però, eguagliare Ventura, i suoi Collegians e i suoi arrangiatori.
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[D.N.]

Cantante statunitense (Chattanooga, Tennessee, 15.4.1894 – Clarksdale, Mississippi, 26.9.1937). Orfana fin dall’età di otto anni, canta e balla per la strada, lavora con Ma Rainey e suona nelle tournée dei minstrel (i Rabbit Foot di Fat Chapelle, 1915; i Florida Cotton Blossom di Pete Werley e Silas Green). Partecipa inoltre alle riviste Park’s Big Revue, Liberty Belles(1918), How Come (con Sidney Bechet). Spesso ingaggiata nei circuiti TOBA, sale dal Sud e dal Middle West alla conquista del pubblico dei teatri della East Coast e di New York: il Lincoln, l’Apollo e il Lafayette.

Nel 1923, spinta da Frank Walker, direttore artistico della Columbia, incide a New York Down Hearted Blues con cui si assicura una popolarità nazionale presso il pubblico nero. Da allora fino al 1930, l’”Imperatrice del blues” incide 160 titoli, pubblicati dalla Columbia, e partecipa a diverse riviste, fra cui Tunes And Topics (1923), Harlem Frolics  (1925), Yellow Girls (1927), Mississippi Days (1928), Steamboat Days (1928).

Il suo gruppo è diretto dal pianista Fred Longshaw, ma durante le sedute di incisione Bessie si avvale anche dell’accompagnamento dei pianisti Clarence Williams, Fletcher Henderson, Irving Johns, Jimmy Jones, James P. Johnson, Porter Grainger, di Louis Armstrong (1925) e dei migliori strumentisti dell’orchestra di Fletcher Henderson (Charlie Green, Joe Smith, Jimmy Harrison, Coleman Hawkins, Tommy Ladnier, Buster Bailey), nonché di Don Redman, Louis Bacon e Eddie Lang.

Dopo il 1930 cercherà inutilmente di risalire la china, dopo una caduta dovuta, da un lato, a fattori esterni come la grande crisi economica e il declino del blues, dall’altro, ai suoi problemi personali derivati da abuso di alcolici. Nel 1933, comunque, John Hammond la convoca per una seduta storica destinata più al pubblico europeo he a quello statunitense. In quell’occasione sarà accompagnata da Buck Washington, Frankie Newton, Chu Berry, Jack Teagarden e Benny Goodman (solo nel brano Gimmie A Pigfoot. Ma la qualità di tale prestazione non le permette di superare la crisi. Dopo essersi esibita in spettacoli indegni del suo talento (Broadway Rastus), Bessie muore per le conseguenze di un incidente stradale.

Appare nel cortrometraggio Saint Louis Blues (Dudley Murphy, 1929, direzione musicale di W.C. Handy e James P. Johnson). Da leggere: B.S. Empress Of The Blues (Chris Albertson, Walter Kam And Son, 1975) e The B.S. Companion (Edward Brooks, Cavendish, Gran Bretagna, Da Capo, 1982).

Bessie Smith non è stata solo la più grande cantante di blues, ma anche l’artista nella cui opera si è espletata la transizione fra l’arte rurale e folkloristica degli anni ’20 e l’arte delle cantanti degli anni ’30 (Ella Fitzgerald, Mildred Bailey, Maxine Sullivan e Billie Holiday). Cantante realista, ha cantato la miseria la nostalgia, la superstizione, la prigionia, l’inebriamento procurato dall’alcol (di contrabbando l tempo del Proibizionismo)., la morte le catastrofi naturali (inondazioni e distruzione dei raccolti) nonché, e soprattutto, gli amori infelici e venali, ricorrendo ad allusioni spesso salaci e senza quasi mai far riferimento a problemi politici e razziali.

Grazie a un’ampia voce da contralto e a una dizione sempre perfetta, lo swing nasce da un’oscillazione ampia, ma sempre sotto controllo. Anche quando interpreta temi popolari, Bessie finisce per trasformarli in blues, con le sue intonazioni, il suo growl, gli slittamenti modali: è proprio questa sua caratteristica che ne ha sancito il declino, in un’epoca in cui l’evoluzione del jazz favoriva chi si adattava allo show business di Broadway. Le sue incisioni la impongono come una delle più grandi figure del jazz vocale.
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[F.T.]

Compositore e arrangiatore statunitense (Los Angeles, California, 14.4.1920 – 26.5.1994). Studia a New York, poi si stabilisce in California dove lavora per la cantante Nina Mae McKinney, Les Hite e Floyd Ray (1940-42). Di nuovo a New York dopo un periodo trascorso nell’esercito, è ingaggiato da Jimmie Lunceford e Tiny Bradshaw.

Dopo un soggiorno di qualche mese presso Billy Eckstine, nel 1946 aiuta Dizzy Gillespie a organizzare la sua grande orchestra e scrive gli arrangiamenti di One Bass Hit, Ray’s Idea, Things To Come, That’s Earl Brother, Manteca. Nel 1948 fornisce i temi di Oh Henry, The Fuller Bop Man e Tropicana a James Moody, prima di registrare, per la Discovery, le sue prime facciate da leader (1949). A partire dal 1951 si ritira dalla scena, ma ritorna nel 1955 come arrangiatore di Stan Kenton.

Stabilitosi nuovamente in California nel 1957, fonda la propria casa discografica, Orovox, e fornisce alcune orchestrazioni a Ray Charles (1962). Registra nel 1965 un Love Theme per il film The Sandpiper (Vincente Minnelli).

Pioniere della scrittura bop, Gil Fuller ha adottato le idee di Gillespie e Charlie Parker al linguaggio delle grandi orchestre. I suoi arrangiamenti di questo periodo (quello della big band di Gillespie, 1946-49) organizzano in modo insieme logico e atipico le masse orchestrali intorno alla sezione delle trombe, costruendo i riff come un sistema di echi dalle spinte veementi della tromba solista (One Bass Hit).

In un altro genere, la sua riscrittura di blues cantati (Good Dues Blues, 1946) sfocia in una curiosa deformazione della materia blues, decomposta, disarticolata, come sospesa e portata così a un massimo di sofisticazione. Ha scritto ancora dialoghi scat tra orchestra e cantanti, molto comici e addirittura burleschi (Oll-ya-koo, 1948).

Componendo per Machito e Tito Puente negli anni ’40, è stato uno dei primi a metter mano agli innesti della musica afrocubana sul jazz.
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[A.To., J.L.C.]

Clarinettista, sassofonista tenore e compositore statunitense (Chicago, Illinois, 13.4.1906 – 15.3.1991). Dopo qualche lezione impartita dal padre di Jimmy McPartland e sei mesi di studio con Duke Real, Bud Freeman debutta nel 1923 con un sassofono in do.

All’inizio degli anni ’20 gravita attorno alla Austin School Gang di Chicago. Con Frank Teschemacher, Dick e Jimmy McPartland e Dave Tough, fa parte dei Blue Friars (diventati successivamente gli Husk O Hare’s Red Dragons, 1924, poi, Husk O Hare’s Wolverines).

Nel 1926 va in tournée con il clarinettista Art Kassel e suona a Chicago prima di raggiungere, alla fine del 1927, Ben Pollack in partenza per New York. Qui l’abbandona per esibirsi su un transatlantico diretto in Francia (fine 1928). Di ritorno a New York lo si ritrova in compagnia, tra gli altri, di Zez Confrey e Red Nichols.

Per quindici anni le sue attività si divideranno tra il jazz e la musica da ballo (Roger Wolf Kahn, Gene Kardos). Fa parte dell’orchestra riunita negli Stati Uniti per il direttore britannico Ray Noble (1935), poi di quelle dirette da Tommy Dorsey (1936-38) e Benny Goodman (1938). Nel 1939 registra a capo del proprio gruppo, il Summa Cum Laude Orchestra, suonando poi in diverse piccole formazioni.

Trascorre gli anni di guerra (1943-45) nelle isole Aleutine nell’esercito e, ritornato alla vita civile, si esibisce come solista indipendente; in quartetto presso Eddie Condon (fine 1946-inizio 1947), in trio al Copacabana Hotel di Rio de Janeiro (1947). Nel 1952-53, soggiorna in Cile e in Perù.

Ritornato negli Stati Uniti, studia per un breve periodo con Lennie Tristano (anni ’50). A partire dagli anni ’60, Bud Freeman si reca spesso in Inghilterra, a volte in Francia, come solista. È uno dei membri fondatori del World’s Greatest Jazz Band. Ha scritto due opere autobiografiche: You Don’t Look Like A Musician (1974) e If You Know Of A Better Life (1976).

Bud Freeman, uno dei padri del sassofono nel jazz, sfugge all’egemonia di Coleman Hawkins. Partito da un uso del tenore, nelle formazioni di stile Chicago, come sostituto del trombone, si è forgiato un discorso molto personale: sonorità ovattata, vibrato quasi impercettibile salvo in fine di frase, attacco deciso.

Ha influenzato Lester Young? Solo un rigetto di ogni espressionismo esacerbato accomuna i due musicisti: i chorus di Bud Freeman, angolosi, spesso suonati in staccato, non possiedono l’aspetto lineare che costituisce l’essenza del linguaggio lesteriano.
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[A.T.]

Clarinettista e sassofonista statunitense (New Orleans, Louisiana, 12.4.1892 – Chicago, Illinois, 8.8.1940). Fratello maggiore del batterista Baby Dodds. Dopo aver preso delle lezioni di clarinetto accanto a Lorenzo Tio Jr. e Charlie McCurdy debutta nell’orchestra di Kid Ory (1911-18).

Suonerà brevemente nell’orchestra di Fate Marable sul battello Capitol, quindi andrà in tournée con il Billy And Mary Mack’s Merrymakers Show. Ritorna da Ory nel 1919; poi viene ingaggiato a Chicago da King Oliver (1920) e in seguito da Honoré Dutrey (1924). Dirige il suo primo gruppo al Kelly’s Stable. Registra con le Hot Five e Hot Seven di Louis Armstrong (1925-27) e con i più grandi musicisti di passaggio in Città: Oliver, Jimmy Bertrand, Jasper Taylor, Jelly Roll Morton, come con diversi cantanti di blues.

Negli anni ’30 continua a dirigere dei piccoli gruppi in diversi cabaret della città. Soggiorna a New York per alcune sedute di registrazione, soprattutto con Charlie Shavers (1938). Di ritorno a Chicago è vittima di un attacco cardiaco; continua però ad esibirsi con suo fratello Baby Dodds. Poco prima di morire, partecipa a una registrazione con Natty Dominique (1940).

Ottimo suonatore di blues, Johnny Dodds è anche un notevole clarinettista d’improvvisazione collettiva. Sa tracciare magistralmente un contrappunto alle parti di tromba e trombone. La sua esecuzione aspra, violenta, il suo “vibrato” soffocato, “cattivo” in qualche modo, contrasta però con quello di Jimmie Noone o di un Sidney Bechet che dividono con lui il primo posto fra i clarinettisti di New Orleans. Mezz Mezzrow, Buster Bailey i annoverano fra i suoi discepoli, tra i quali il più brillante è incontestabilmente il francese Claude Luter.
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[M.L.]

Clarinettista, sassofonista e direttore d’orchestra statunitense (Danville, Kentucky, 10.4.1894 – New York, 17.12.1975). Venuto da una famiglia di musicisti, zio di Charles Mingus, impara a suonare il violino a quindici anni. Nel 1919 forma la sua orchestra, che nel 1926 diventa la Royal Flush Orchestra e suona al Savoy di New York. Dal 1925 al 1930 incide per la Gennett, la Vocalion, la Brunswick e la Victor. Si ritira, ma senza abbandonare del tutto l’attività musicale. Nel 1960 fa da supervisore al gruppo vocale The Goldenairs.

<<Fess>> (il professore) Williams fa parte con Bob Fuller, Wilton Crawley, Wilbur Sweatman e George McClennon della schiera di clarinettisti neridi stile eccentrico e barocco. La sua orchestra include buoni musicisti come il trombettista George Temple e il trombonista David Jelly James.
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[I.D.]

Trombettista statunitense (Charleston, South Carolina, 9.4.1899 – Chantilly, Francia, 15.7.1991). Arriva in Europa insieme a Sidney Bechet nel giugno 1919 con la Southern Syncopated Orchestra di Will Marion Cook che si esibisce in Francia e in Inghilterra.

Ritorna a New York nel 1921 presso il violinista Leslie Howard ma l’anno seguente si reca di nuovo in Europa dove fonda a Bruxelles la Savoy Syncopated Orchestra, che dirige in Austria e Germania (1926-28). Dal 1928 al 1931 è nell’orchestra di Noble Sissle per una tournée nel sud. Nel 1931 ritorna in Europa dove forma un’orchestra con Freddy Johnson, suona ancora con la Cuban Orchestra di Don Barretto (1934) prima di costituire un proprio gruppo e di diventare uno dei musicisti più attivi sulla scena del jazz parigino dell’anteguerra, dove viene a contatto con Coleman Hawkins, Benny Carter, Django Reinhardt, Stéphane Grappelli ecc.

Prigioniero in un campo di concentramento durante l’Occupazione tedesca, dal 1945 torna a capo dell’orchestra che dirige fino agli inizi degli anni ’60. In seguito, si dedica all’insegnamento. Arthur Briggs si collega alla scuola di Armstrong a cui si è ispirato. Nei suoi momenti migliori dà prova di una vera potenza espressiva, sostenuta da una sonorità chiara e vibrante e una tecnica strumentale rara a quell’epoca.
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[A.C.]