Pianista e direttore d’orchestra statunitense (Paducah, Kentucky, 2.12.1880 – St Louis, Missouri, 1947). Sua madre gli insegna a suonare il pianoforte. A diciassette anni si imbarca per suonare su una riverboat. A bordo di questi grandi battelli a ruote in navigazione nel Mississippi si svilupperà la maggior parte della sua carriera; dal 1917 e per numerosi anni egli dirige, per il divertimento dei passeggeri della Streckfus Line, la sua Kentucky Jazz Band. Numerosi musicisti che saranno famosi in seguito hanno fatto parte di una delle sue formazioni: Louis Armstrong, Red Allen, Gene Sedric, Zutty Singleton, Johnny e Baby Dodds, Pops Foster e Jimmy Blanton. Nel 1940 torna a terra e suona a St Louis.
Ha registrato solo due dischi a New Orleans con, fra gli altri, il batterista Zutty Singleton e il trombettista Sidney Desvignes. [A. C.]
American pianist and conductor (Paducah, Kentucky, 2.12.1880 - St Louis, Missouri, 1947). His mother teaches him to play the piano. At seventeen, he embarks to play on a riverboat. Onboard these large-wheeled boats sailing in Mississippi, he will develop most of his career; from 1917 and for many years, he conducted his Kentucky Jazz Band to amuse the passengers of the Streckfus Line. Numerous musicians who will later be famous have been part of one of his formations: Louis Armstrong, Red Allen, Gene Sedric, Zutty Singleton, Johnny, Baby Dodds, Pops Foster, and Jimmy Blanton. In 1940 he returned to land and played in St Louis. He recorded only two records in New Orleans with drummer Zutty Singleton and trumpeter Sidney Desvignes among others.
[A. C.] 
Clarinettista statunitense (new York, 1.12.1904 – King Point, Long Island, 26.11.1972). Di origine italiana, prende come nome d’arte quello di un attore del cinema, Bert Lytell. Il suo debutto in un’orchestra risale al 1916, ma è solo nel 1921 che diventa un musicista professionista negli Original Indiana Five.
All’inizio del 1922 suona per breve tempo con la Original Dixieland Jazz Band, dove sostituisce John Costello. L’orchestra si esibisce a New York alla Balconades Ballroom. Nel marzo dello stesso anno lascia la ODJB per gli Original Memphis Five e ne farà parte fino al 1925. Entra allora nell’orchestra del Capitol Theatre, diretta da Eugène Ormandy. È l’inizio di una serie di lunghi ingaggi in orchestre, in gruppi da studio e per la radio, particolarmente quello della NBC di cui diventa direttore artistico nel 1940. Lo si trova anche nel gruppo diretto da Phil Napoleon, che tenta di ricreare, nel 1949, gli Original Memphis Five. Fino al suo ritiro dalla scena musicale , Lytell ha partecipato a numerose sedute di registrazione pur esibendosi nei club. Un anno prima di morire dirigeva la sua orchestra a Long Island. Suona il clarinetto in modo brioso e piroettante elaborando il classico contrappunto delle formazioni arcaiche; per questo Jimmy Lytell si inserisce bene fra gli specialisti bianchi (Larry Shields, Leon Roppolo), forse più tecnici ma più freddi dei clarinettisti neri (Johnny Dodds, Jimmie Noone). [A. C.]
American clarinetist (new York, 1.12.1904 - King Point, Long Island, 26.11.1972). Of Italian origin, it takes as its stage name that of a film actor, Bert Lytell. His debut in an orchestra dates back to 1916, but it was only in 1921 that he became a professional musician in the Original Indiana Five.
At the beginning of 1922, he played briefly with the Original Dixieland Jazz Band, replacing John Costello. The orchestra performs in New York at the Balconades Ballroom. In March of the same year, he left the ODJB for the Original Memphis Five and was part of it until 1925. Then he joined the Capitol Theater Orchestra, conducted by Eugène Ormandy. It is the beginning of a series of long engagements in orchestras, in-studio groups, and radio, particularly that of NBC, of which he became artistic director in 1940. In the group directed by Phil Napoleon, he is also found to recreate, in 1949, the Original Memphis Five. Until he retired from the music scene, Lytell participated in numerous recording sessions while performing in clubs. A year before he died, he was conducting his orchestra on Long Island. He plays the clarinet in a lively and pivoting way, elaborating the ancient formations' classic counterpoint. For this reason, Jimmy Lytell fits well among the white specialists (Larry Shields, Leon Roppolo), perhaps more technical but colder than the black clarinetists (Johnny Dodds, Jimmie Noone). [A. C.] 
Clarinettista, sassofonista, trombettista, compositore e direttore d’orchestra statunitense (Lyons, Nebraska, 30.11.1899 – Oscoda, Michigan, giugno 1982). Figlio di un cantante e di un direttore d’orchestra, impara a suonare il violino e la batteria all’età di nove anni. Nel 1920 fa parte di un’orchestra di sassofoni e, nel 1923, della Chicago De Luxe Orchestra.
Nel 1924, a Chicago, incide alcuni brani alla Paramount (tra cui almeno uno con Jelly Roll Morton). A capo del suo piccolo gruppo o da solista, incide anche per la Pathé (1925-26), la Okeh (1927-28) e la Victor (1929). Molto attivo a detroit negli anni ’30, si stabilisce in seguito a Mio (Michigan) dove continua a suonare fino all’inizio degli anni ’70. Clarinettista eccentrico, dal lirismo spesso eccessivo, alla maniera di Ted Lewis, Boyd Senter interpreta un interessante repertorio di Blues e jazz, spesso contornato da eccellenti musicisti, come i fratelli Dorsey. Nelle sue rare esibizioni alla tromba, si dimostra più sobrio. [I. D.]
American clarinetist, saxophonist, trumpeter, composer, and conductor (Lyons, Nebraska, 30.11.1899 - Oscoda, Michigan, June 1982). The son of a singer and an orchestra conductor learned to play the violin and drums at the age of nine. In 1920 he was part of a saxophone orchestra and, in 1923, of the Chicago De Luxe Orchestra.
In 1924, in Chicago, he recorded some songs at Paramount (including at least one with Jelly Roll Morton). At the head of his small group or as a soloist, he also records for Pathé (1925-26), Okeh (1927-28), and Victor (1929). In Detroit in the 1930s, he later settled in Mio (Michigan), where he continued to play until the early 1970s. An eccentric clarinetist, with often excessive lyricism, in the manner of Ted Lewis, Boyd Senter interprets an exciting repertoire of Blues and jazz, often surrounded by excellent musicians, such as the Dorsey brothers. In his rare trumpet performances, he proves soberer. [I. D.] 
"High as a Kite" (oil on canvas) G. Wettling 1952
Batterista statunitense (Topeka, Kansas, 28.11.1907 – New York, 6.6.1968). Trascorre la giovinezza a Chicago, impara a suonare la batteria con Earl Wiley e subisce l’influenza di Baby Dodds. Negli anni ’20 suona nelle orchestre di Jack Chapman, nei Seattle Harmony King e con vari musicisti di stile Chicago.
Negli anni ’30 fa parte della formazione riunita dal britannico Jack Hylton all’epoca del suosoggirno negli Stati Uniti. Viene in seguito scritturato da Artie Shaw, Red Norvo, Paul Whiteman, Muggsy Spanier e Ben Pollak. Negli anni ’50, accompagna numerose formazioni dixieland. Batterista valido e sottile, capace di fornire un accompagnamento allo stesso tempo vario e robusro, notevole soprattutto nell’utilizzo dei piatti., Wettling può passare senza problema da una piccola formazione dixieland a una big band. È stato anche un pittore ben quotato, che ha esposto a New York. [I. D.]
American drummer (Topeka, Kansas, 28.11.1907 - New York, 6.6.1968). He spent his youth in Chicago, learned to play drums with Earl Wiley, and was influenced by Baby Dodds. In the 1920s, he played in Jack Chapman's orchestras, in Seattle Harmony King, and various Chicago-style musicians.
In the 1930s, he was part of the formation brought together by the British Jack Hylton during his stay in the United States. He was later cast by Artie Shaw, Red Norvo, Paul Whiteman, Muggsy Spanier, and Ben Pollak. In the 1950s, it accompanied numerous Dixieland formations. He was an excellent and subtle drummer, capable of providing a varied and robust accompaniment, notably, notable especially in the use of cymbals. Wettling can smoothly go from a small Dixieland formation to a big band. He was also a well-regarded painter who exhibited in New York. [I. D.] 
Violinista, direttore d’orchestra e compositore statunitense (Louisiana, Missouri, 27.11.1904 – Chicago, Illinois, 25.4.1962). Enfant prodige del violino, cresce a Chicago. Avrebbe voluto intraprendere una carriera di concertista classico ma, all’epoca, non era molto facile per un nero. Si volge quindi al jazz, i cui elementi fondamentali gli vengono insegnati da Darnell Howard (in seguito da Charles Elgar e T. Powers).
A Chicago, lavora con Elgar, Erskine Tate e Mae Brady, prima di diventare direttore musicale dei Syncopators del trombettista Jimmy Wade al Moulin Rouge Café (1924-27). In loro compagnia, incide, i suoi primi dischi per la Paramount (1924). Nel 1927 costituisce gli Alabamians, piccolo gruppo che non includeva ottoni. Lavora anche, per poco (inizio 1928), per Erskine Tate e nel quartetto di Gilbert McKendrick. Dopo aver inciso alcuni brani per la Victor con il suo piccolo gruppo (1927-28), viene in Europa (Ungheria e Francia) a studiare la musica zigana che lo affascina. Suona a Parigi con la propria orchestra, dove incide (1929). Nel 1930 si reca in tournée anche in Inghilterra. Di ritorno a Chicago nel 1931, riprende le attività con gli Alabamians (di cui fa parte Everett Barksdale), che conduce fino in California (1932). Per diversi anni, South si dedica all’accompagnamento di cantanti, quindi ritorna in Europa nel 1937, invitato all’esposizione universale. Si esibisce al Pavillon des Oiseaux, a Parigi, e incide per la Swing, in compagnia di Django Reinhardt, Stéphane Grappelli e Michel Warlop. Dopo un breve soggiorno nei Paesi Bassi (1938), ritorna negli Stati Uniti, lavorando soprattutto con proprie formazioni a Chicago, New York e Los Angeles, negli anni ’40 e ’50. Si esibisce regolarmente in alcune serie di trasmissioni radiofoniche e televisive. Nonostante le sue precarie condizioni di salute, continuerà a lavorare fino alla morte. Eddie South rimane senza dubbio il più sottile virtuoso del violino jazz. La sua formazione classica lo induce a sviluppare uno swing estremamente leggero. Grande melodista dalla sonorità pura e tenera, gli interessa innanzitutto far cantare lo strumento. Lungi dal guastare il suo stile – come è stato detto – l’influenza della musica zigana lo ha, in un certo senso, arricchito di lirismo. “L’angelo nero del violino” non è stato tuttavia sempre seguito dalla critica, la quale gli rimprovera una certa vaghezza, troppo manierismo e mancanza di swing. Affermazioni smentite dalla maggior parte delle sue incisioni. [D. N.]
American violinist, conductor, and composer (Louisiana, Missouri, 27.11.1904 - Chicago, Illinois, 25.4.1962). Enfant prodige of the violin, he grew up in Chicago. He would have liked to pursue a career as a classical concert player, but, at the time, it was not very easy for a black man. He then turned to jazz, the fundamental elements taught to him by Darnell Howard (later by Charles Elgar and T. Powers).
In Chicago, he worked with Elgar, Erskine Tate, and Mae Brady, before becoming music director of the trumpeter Jimmy Wade's Syncopators at the Moulin Rouge Café (1924-27). In their company, he recorded his first records for Paramount (1924). In 1927 he formed the Alabamians, a small group that did not include brass. He also works, briefly (early 1928), for Erskine Tate and in the Gilbert McKendrick quartet. After having recorded some pieces for Victor with his small group (1927-28), he comes to Europe (Hungary and France) to study the gypsy music that fascinates him. He plays in Paris with his orchestra, where he records (1929). In 1930 he also went on tour in England. Returning to Chicago in 1931, he resumed activities with the Alabamians (which included Everett Barksdale), leading to California (1932). For several years, South dedicated himself to singers' accompaniment, then returned to Europe in 1937, invited to the universal exhibition. In Paris, he performs at the Pavillon des Oiseaux and records for Swing, in Django Reinhardt, Stéphane Grappelli, and Michel Warlop. After a short stay in the Netherlands (1938), he returned to the United States, working mainly with his training groups in Chicago, New York, and Los Angeles in the 1940s and 1950s. He regularly performs in some series of radio and television broadcasts. Despite his poor health, he will continue to work until his death. Eddie South remains arguably the most subtle jazz violin virtuoso. His classical training causes him to develop a too light swing. Great melodist with a pure and tender sonority, he is first interested in making the instrument sing. Far from spoiling his style - as has been said - the influence of Gypsy music has, in a certain sense, enriched him with lyricism. However, "The black angel of the violin" was not always followed by critics. Who criticizes him for a certain vagueness, too much mannerism, and lack of Swing. Claims were disproved by most of his etchings. [D. N.] 
Pianista compositore e cantante statunitense (Goshen, New York, 25.111897 – New York, 18.4.973). Cresciuto a Newark (New Jersey), dove la madre suona il pianoforte e l’organo, studia i due strumenti dall’età di sei anni, e si dedica l pianoforte. Debutta nel 1912 nei club di New York e di Atlantic City.
Arruolato nel 1916, partecipa in Francia alla prima guerra mondiale (dove avrebbe acquisito, per il suo coraggio, il soprannome <<The Lion>>). A partire dal 1920, suona nei club di New York, partecipa a molte incisioni e a commedie musicali. Effettua tournée in Europa (1949-50, 1965, 1966) e si esibisce in numerosi festival, fra cui quello di Newport (1971). A Duke Ellington, che gli aveva dedicato Portrait Of The Lion, Smith dedica a sua volta Portrait Of The Duke (1957). Con la collaborazione di George Hoefer pubblica, nel 1965, <<Music On My Mind>. Ha inciso in particolare con Mamie Smith (1920), Thomas Morris (1923), la Blue Rhythm Orchestra (1925), i Georgia Strutters (1926), i Seven Gallon Jug Band (1929), Clarence Williams (1933-35), Mezz Mezzrow (1934-36), Milt Herth (1937-39), Sidney Bechet (1939-41), Max Kaminsky (1944), Don Ewell (duo di pianoforti, 1937) e col proprio nome a partire dal 1934. Adepto dello stile stride dei pianisti di Harlem, Willie Smith si distingue da essi per un uso frequente di otto crome, o Ancora quattro accordi, ogni battuta, con la mano sinistra, e anche per un gusto delle composizioni ispirate alla musica europea, come Passionnette ed Echoes Of Spring (1939). Le note suonate con la mano destra sono ricche di abbellimenti e l’insieme manifesta uno swing e una vitalità irreprensibili. Joe Bushkin, Mel Powell, Howard Smith e Artie Shaw hanno studiato con lui. [X. P.]
American pianist, composer, and singer (Goshen, New York, 25.111897 - New York, 18.4.973). Raised in Newark (New Jersey), where his mother plays the piano and the organ, he has studied the two instruments since the age of six and devoted himself to the piano. He made his debut in 1912 in clubs in New York and Atlantic City.
Enlisted in 1916, he took part in the First World War in France (where he acquired the nickname << The Lion >> for his courage). Starting in 1920, he plays in New York clubs, participates in many recordings and musical comedies. He toured Europe (1949-50, 1965, 1966) and performed in numerous festivals, including Newport (1971). To Duke Ellington, who had dedicated Portrait Of The Lion to him, Smith, in turn, saved Portrait Of The Duke (1957). With the collaboration of George Hoefer, he published << Music On My Mind> in 1965. He has recorded in particular with Mamie Smith (1920), Thomas Morris (1923), the Blue Rhythm Orchestra (1925), the Georgia Strutters (1926), the Seven Gallon Jug Band (1929), Clarence Williams (1933-35), Mezz Mezzrow (1934-36), Milt Herth (1937-39), Sidney Bechet (1939-41), Max Kaminsky (1944), Don Ewell (piano duo, 1937) and with his name from 1934. Adept of the stride style of Harlem pianists, Willie Smith is distinguished from them by frequent use of eight eighth notes, or Four more chords, each bar, with his left hand, and also by a taste for compositions inspired by European music, such as Passionnette and Echoes Of Spring (1939). The notes played with the right hand are rich in embellishments, and the whole manifest an irreproachable swing and vitality. Joe Bushkin, Mel Powell, Howard Smith, and Artie Shaw studied with him. [X. P.] 
Scott Joplin painting by Sidney Holmes
Pianista e compositore statunitense (Linden, Texas, 24.11.1868 – New York, 1.4.1917). Verso il 1871 la famiglia si sposta a Texarkana. Dopo la sua formazione musicale (gratuita) a opera di un professore tedesco, comincia ben presto a girare da un paese all’altro.
Pianista di saloon a St Louis (1885), suona nella regione per una decina d’anni, crea dei gruppi vocali e strumentali e si mette a comporre. In tournée nel 1895, suona nella regione per una decina d’anni, crea dei gruppi vocali e strumentali e si mette a comporre. In tournée nel 1895 interpreta la sua musica. Si stabilisce a Sedalia (Missouri) nel 1896 e pubblica una prima raccolta, Original Rags (1898). Dopo il successo di Maple Leaf Rag, Joplin compone e insegna. Nel 1903 suona nell’opera scomparsa, A Guest Of Honor, e in un balletto folkloristico The Ragtime Dance. Nel 1907 va a New York. Dopo un periodo movimentato, pubblica la partitura per piano della sua seconda opera: Treemonisha, prima opera nera, in cui si fondono ragtime, black folk music e operetta europea. Aiutato da Sam Petterson, dedica il suo tempo all’orchestrazione dell’opera e riesce a dare una rappresentazione (1915) a Harlem senza scene né costumi: lo spettacolo è un fiasco. Ci rimette la salute; viene ricoverato, agli inizi del 1917, al Ward’s Island Hospital dove muore poco dopo. Inaugurata da una creazione di Gunther Schuller (1973), la riscoperta tardiva del Red Back Book raccolta di orchestrazioni dei suoi ragtime, favorisce il riavvicinamento all’opera di Joplin. Musicisti jazz e interpreti classici si interessano alle sue composizioni (la parte essenziale della sua musica scritta si trova in: Scott Joplin, Collected Piano Works, Rags, Waltzes, Marches, 1971). Le orchestrazioni di alcuni dei rag di Joplin, raccolte nel Red Back Book e rivalutate in maniera superba da Gunther Schuller, danno l’idea migliore della vastità della sua opera: quella di uno dei più grandi musicisti neri, di un’inesauribile modernità. Compiuto in quanto opera maggiore in Joplin, il ragtime nella sua scrittura diventa molto più che capolavoro di precisione, di concatenazione e combinazione di figure di ripetizione-variazione che rendono magica la sua logica. Portato al suo punto della perfezione, le sue energie tese all’estremo, il ragtime trascende la dimensione meccanica alla quale lo riduce in un ascolto superficiale e raggiunge una specie di ebbrezza, di esaltazione del rigore formale, di estasi sobria della rima e del tempo che attenua e svuota la tradizione europea che reinterpreta. Falsamente brioso, il ricamo infinito attorno a questo vuoto tesse un’emozione contenuta, leggera, di una grazia nuova e fresca in cui si percepisce qualcosa dell’innocenza del jazz nascente, danza sulle rovine. [J. L. C.]
American pianist and composer (Linden, Texas, 24.11.1868 - New York, 1.4.1917). Around 1871 the family moved to Texarkana. After his (free) musical training by a German professor, he soon traveled from one country to another.
Saloon pianist in St Louis (1885) played in the region for about ten years, created vocal and instrumental groups, and began composing. On tour in 1895, he played in the area for almost ten years, started vocal and instrumental groups, and began writing. On tour in 1895, he interprets his music. He settled in Sedalia (Missouri) in 1896 and published a first collection, Original Rags (1898). After the success of Maple Leaf Rag, Joplin composes and teaches. In 1903 he played in the late opera, A Guest Of Honor, and in a folkloric ballet, The Ragtime Dance. In 1907 he went to New York. After an eventful period, he publishes the piano score of his second opera: Treemonisha, his first black opera, which combines ragtime, black folk music, and European operetta. Helped by Sam Petterson, he devotes his time to orchestrating the opera and manages to perform (1915) in Harlem without sets or costumes: the show is a flop. Health is lost; he was admitted, in early 1917, to Ward's Island Hospital, where he died shortly after. The Red Back Book's late rediscovery (a collection of orchestrations of his ragtime), inaugurated by a creation by Gunther Schuller (1973), favors the rapprochement with Joplin's work. Jazz musicians and classical performers are interested in his compositions (the essential part of his written music is found in Scott Joplin, Collected Piano Works, Rags, Waltzes, Marches, 1971). The orchestrations of some of Joplin's rag, collected in the Red Back Book and superbly re-evaluated by Gunther Schuller, give the best idea of his work's vastness: one of the most excellent black musicians, of inexhaustible modernity. Done as a significant work in Joplin, ragtime in his writing becomes much more than a masterpiece of precision, concatenation, and a combination of repetition-variation figures that make his logic magical. Taken to its point of perfection, its energies stretched to the extreme, and ragtime transcends the mechanical dimension to which it reduces it to a superficial listening and reaches a kind of intoxication, of the exaltation of formal rigor, of sober ecstasy of rhyme and time. Cushioning and empties the European tradition that reinterprets. Falsely lively, the infinite embroidery around this void weaves a contained, light emotion, of a new and fresh grace in which you perceive something of the innocence of nascent jazz, dancing on the ruins. [J. L. C.] 
Trombonista, vibrafonista e cantante statunitense (Corsicana, Texas, 23.11.1912 – New York, 18.5.1974). Sin dalla fine degli anni ’20 suona nelle orchestre texane, poi si esibisce in Virginia e sulla West Cost (1933-36) nel gruppo del batterista Tommy Myles. Nel corso degli anni ’30-’40 lo si trova presso Charlie Echols (1936), Eddie Barefield (1937-38), Ethel Waters e Eddie Mallory (1939), Benny Carter (1939), Cab Calloway (1939-46), Don Redman (1946-47). Giunge in Europa con quest’ultimo e vi resta quasi un anno.
Di ritorno a New York, lavora regolarmente da Duke Ellington dal 1947 al 1951, quindi si reca in Scandinavia. In Europa avrà diverse occasioni di ritornare come membro dell’All Stars di Louis Armstrong (1965-71), dopo aver molto lavorato come capo delle sue formazioni (1952-65 e 19369). Ha anche suonato di nuovo, anche se occasionalmente , con Duke Ellington negli anni ’70. Dotato di una sonorità ampia, Tyree Glenn, capace di suonare con la potenza i un J.C. Higginbotham (che l’ha influenzato nei suoi inizi) si è forgiato poco a poco uno stile più sfumato, morbido e melodico, integrandosi perfettamente nell’insieme ellingtoniano (dove egli sostituì il delicato Lawrence Brown) e modificando un po’ l’equilibrio di All Stars di Armstrong. Senza imporsi al vibrafono con la presenza di un Lionel Hampton, egli seppe ugualmente, su questo strumento, dar prova di una certa originalità, apportando ad alcune esecuzioni un tocco strano. [D. N.]
American trombonist, vibraphonist, and singer (Corsicana, Texas, 23.11.1912 - New York, 18.5.1974). Since the late 1920s, he has played in Texan orchestras, then performed in Virginia and on West Cost (1933-36) in the group of drummer Tommy Myles. During the 1930s and 1940s, he was found with Charlie Echols (1936), Eddie Barefield (1937-38), Ethel Waters and Eddie Mallory (1939), Benny Carter (1939), Cab Calloway (1939-46), Don Redman (1946-47). He arrives in Europe with the latter and remains there for almost a year.
Back in New York, he regularly worked at Duke Ellington from 1947 to 1951, then went to Scandinavia. In Europe, he will have several opportunities to return as a member of Louis Armstrong's All Stars (1965-71), after having worked extensively as head of his formations (1952-65 and 19369). He also played again, albeit occasionally, with Duke Ellington in the 1970s. Gifted with a broad sonority, Tyree Glenn, able to play with the power of a J.C. Higginbotham (who influenced him in his beginnings), gradually forged a more nuanced, soft, and melodic style. Integrating perfectly into the Ellingtonian ensemble (where he replaced the delicate Lawrence Brown) and modifying a little the balance of Armstrong All Stars. Without imposing himself on the vibraphone with the presence of a Lionel Hampton, he was equally able, on this instrument, to show absolute originality, adding a strange touch to some performances. [D. N.]  Pianista, direttore d’orchestra e arrangiatore statunitense (Filadelfia, Pennsylvania, 21.11.1891 – New York, 13.12.1959). Appassionato di ragtime, Charlie Johnson passa la sua infanzia a Lowell (Massachusetts), suonando il trombone da autodidatta. Viene ingaggiato nelle orchestre sincopate newyorkesi fin dal 1914-15. Mentre lavora ad Atlantic City, prende a studiare il piano e costituisce la sua formazione nel 1918. Le grandi orchestre di neri dell’epoca (Jim Europe, Tim Brymn, Ford Dabney, William Grant Still), così come Paul Whiteman, lo influenzano (così come questi influenzarono Fletcher Henderson e Sam Wooding). Il 22 ottobre 1925 l’orchestra inaugura lo Small’s Paradise di New York e vi resta per una buona decina d’anni, ritornando ad Atlantic City lo per le stagioni estive. È sempre nel 1925 che Johnson registra i primi dischi (per la casa Emerson). Dal 1927 al 1929 registra il grosso della sua produzione per la Victor, mentre la sua orchestra conta nelle sue fila i trombettisti Sidney DeParis, Jabbo Smith e Leonard Davis, il trombonista Jimmy Harrison, i sassofonisti-arrangiatori Benny Carter e Benny Waters, i bassisti Cyrus St-Clair e Billy Taylor. Charlie Johnson malato, deve abbandonare la direzione dell’orchestra nel 1938. Lo si rivede tuttavia sporadicamente, nel corso degli anni ’40, ma il decennio seguente è solo una lunga serie di sofferenze e remissioni, fino alla morte, nell’ospedale di Harlem. Stretto fra Fletcher Henderson e Duke Ellington, non avendo avuto, come Sam Wooding, la chance di portare la buona parola al vecchio continente, Charlie Johnson è il parente povero, il dimenticato sistematico degli inventori della grande orchestra jazz. Il numero ridotto di registrazioni che fece dal 1925 al 1929, per di più, non aiuta assolutamente a conoscere il suo contributo. Eppure tutto porta a pensare che non ebbe niente da invidiare al debuttante Ellington e che poteva trattare da pari a pari con il veterano Henderson (dal quale a volte prese in prestito certi musicisti, scelti tra i migliori). [D. N.] American pianist, conductor, and arranger (Philadelphia, Pennsylvania, 21.11.1891 - New York, 13.12.1959). Passionate about ragtime, Charlie Johnson spent his childhood in Lowell (Massachusetts), playing the trombone as a self-taught. He was hired in the New York syncopated orchestras from 1914-15. While working in Atlantic City, he began studying the piano and formed his training in 1918. The great black orchestras of the time (Jim Europe, Tim Brymn, Ford Dabney, William Grant Still) and Paul Whiteman influenced him ( as well as these influenced Fletcher Henderson and Sam Wooding). On October 22, 1925, the orchestra inaugurated the Small's Paradise in New York and stayed there for a good ten years, returning to Atlantic City for the summer seasons. It is also in 1925 that Johnson records his first records (for the Emerson house). From 1927 to 1929, he recorded the bulk of Victor's production. While his orchestra counts trumpet players Sidney DeParis, Jabbo Smith and Leonard Davis, trombonist Jimmy Harrison saxophonists-arrangers Benny Carter and Benny Waters, bassists Cyrus St-Clair and Billy Taylor. Charlie Johnson sick. He had to leave the direction of the orchestra in 1938. However, he was seen sporadically during the 1940s, but the following decade was only a long series of sufferings and remissions, until his death, in the Harlem Hospital. Squeezed between Fletcher Henderson and Duke Ellington, having not had, like Sam Wooding, the chance to bring the right word to the old continent, Charlie Johnson is the poor relative, the systematic forgotten of the inventors of the great jazz orchestra. Moreover, the small number of recordings he made from 1925 to 1929 does not help us know his contribution. Yet everything leads one to think that he had nothing to envy to the debutante Ellington. He could deal as an equal with the veteran Henderson (from whom he sometimes borrowed specific musicians, chosen among the best). [D. N.]  Chitarrista ed arrangiatore statunitense (Kinston, North Carolina, 0.11.1914 – New York, 29.5.985). Sua madre, insegnante di pianoforte, gli impartisce le prime lezioni di musica. Impara la chitarra e debutta nella sua città natale con l’orchestra di Abe Dunn agli inizi degli anni ’30. A Filadelfia suona con Slim Marshall poi, a New York, con Erskine Hawkins, Earl Hines (1942) e il sassofonista Bill Johnson. Effettua una tournée in Estremo Oriente accanto a Oscar Pettiford (1951-52). Al suo ritorno forma un trio che si esibisce nei club di New York. Suona con Charles Thompson, nel quintetto di Mel Power (1955) e nel Modern Jazz Sextet (Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, John Lewis, 1956). Ritrova Charles Thompson agli inizi degli anni ’60 e continua la sua carriera come solista, passando da un gruppo all’altro. La musica di Skeeter Best richiama quella di Charlie Christian e di Jimmy Raney. È chiara, precisa, non cerca l’exploit, ma piuttosto l’emozione, che Best riproduce meravigliosamente quando suona il blues. [A. C.] American guitarist and arranger (Kinston, North Carolina, 0.11.1914 - New York, 29.5.985). His mother, a piano teacher, gives him his first music lessons. He learned the guitar and made his debut in his hometown with Abe Dunn's orchestra in the early 1930s. In Philadelphia, he plays with Slim Marshall then, in New York, with Erskine Hawkins, Earl Hines (1942), and saxophonist Bill Johnson. He tours the Far East alongside Oscar Pettiford (1951-52). On his return, he forms a trio that performs in New York clubs. He plays with Charles Thompson in the Mel Power quintet (1955) and the Modern Jazz Sextet (Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, John Lewis, 1956). He meets Charles Thompson in the early 1960s and continues his career as a soloist, moving from one group to another. Skeeter Best's music recalls that of Charlie Christian and Jimmy Raney. He is clear, precise; he does not seek exploit, but rather an emotion, which Best reproduces wonderfully when he plays the blues. [A. C.] |
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