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Ethel Waters 1896

31/10/2020

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Cantante e attrice statunitense(Chester, Pennsylvania, 31.10.1896 – Los Angeles, California, 1.9.1977). Esordisce ancora bambina con il nome di <<Baby Star>>, e debutta nel vaudeville come <<Sweet Mama Stringbean>>. Canta al Lincoln Theatre di New York (1917) e parte in tournée con i Black Swan Troubadours di Fletcher Henderson (1921-22), incide poi qualche disco per la Black Swan, La Paramount e la Columbia.

Viene in Europa (1930) e registra con Duke Ellington (1932). A New York sul finire degli anni ’20, nonostante la sua notorietà, trova lavoro solo in una bettola, l’Edmond Cellar. La sua consacrazione avverrà, invece, al Cotton Club, con Stormy Weather (1933).

A Broadway, Irving Berlin le affida un ruolo in As Thousands Cheer (1933), quindi in At Home Abroad (1935-36). Ormai una star, canta con i Dorsey Brothers, Benny Goodman, Bing Crosby, Dick Powell, Guy Lombardo, i Mills Brothers, la Casa Loma Orchestra; recita nei film Cabin In The Sky, Tales Of Manhattan, Pinky; Mamba’s Daughter (1939) e A Member Of The Wedding (1952) a teatro. Compare in television al fianco di Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Jo Jones. Nel 1971 canta per Richard Nixon alla Casa Bianca. Fu, sul finire della vita, una vera militante religiosa.

Fra le molte cantanti che alla Water si sono ispirate: Mildred Bailey, Lee Wiley, Lena Horne, Ella Fitzgerald e persino Billie Holiday. La Waters ha dato vita a canzoni come Dinah, Am I Blue, Stormy Weather. È autrice di un’autobiografia: His Eye Is On The Sparrow (1951).

Fedele alla tradizione del vaudeville, Ethel Waters interpreta ritornelli e strofe al tempo stesso, lasciando poco spazio all’improvvisazione. Del suo successo è responsabile l’efficace combinazione fra dizione perfetta, registro esteso e ricco di sfumature e una certa dose di ironia. Il senso della teatralità, derivatole direttamente dalle sue attitudini di attrice, ha fatto il resto.
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[C. B.]
American singer and actress (Chester, Pennsylvania, 31.10.1896 - Los Angeles, California, 1.9.1977). She still made her debut as a child with the name of << Baby Star >>, and made her debut in vaudeville as << Sweet Mama Stringbean >>. He sings at the Lincoln Theater in New York (1917) and goes on tour with Fletcher Henderson's Black Swan Troubadours (1921-22), then makes a few records for Black Swan, Paramount, and Columbia.

She comes to Europe (1930) and records with Duke Ellington (1932). In New York in the late 1920s, despite his notoriety, he found work only in a tavern, the Edmond Cellar. However, his consecration will take place at the Cotton Club, with Stormy Weather (1933).

On Broadway, Irving Berlin entrusted her with a role in As Thousands Cheer (1933), then in At Home Abroad (1935-36). Now a star, he sings with the Dorsey Brothers, Benny Goodman, Bing Crosby, Dick Powell, Guy Lombardo, the Mills Brothers, the Casa Loma Orchestra; stars in Cabin In The Sky, Tales Of Manhattan, Pinky; Mamba's Daughter (1939) and A Member Of The Wedding (1952) at the theater. She appears on television alongside Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Jo Jones. In 1971 he sang for Richard Nixon at the White House. At the end of her life, she was a real religious militant.

Among the many singers inspired by Water: Mildred Bailey, Lee Wiley, Lena Horne, Ella Fitzgerald, and even Billie Holiday. Waters has given birth to songs like Dinah, Am I Blue, Stormy Weather. She is the author of an autobiography: His Eye Is On The Sparrow (1951).
 
Faithful to the vaudeville tradition, Ethel Waters interprets choruses and verses simultaneously, leaving little room for improvisation. The effective combination of perfect diction, extensive and nuanced register, and a specific dose of irony is responsible for its success. The sense of theatricality derived directly from her aptitudes as an actress did the rest.
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[C. B.]
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Teo Attilio Joseph Macero 1925

30/10/2020

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Compositore, arrangiatore, sassofonista (alto, tenore, baritono) e produttore statunitense 8Glen Falls, New York, 30.10.1925 – New York, 19.2.2008). Dopo il servizio militare in marina (di cui un anno alla Scuola di musica dell’US Navy, a Washington, 1943-44), insegna e suona nella sua città natale., poi si stabilisce a New York per studiare alla Jiulliard School (1949-53). In seguito fa parte del Jazz Composer Workshop di Charles Mingus e compone numerose opere atonali influenzate dal jazz, che gli procurano, in particolare, la vittoria di un concorso della Fondazione Guggenheim (1957-59).

Entra quindi alla Columbia come editore musicale, poi come produttore discografico promuovendo dischi di notevole importanza di Miles Davis, Thelonious Monk, Charles Mingus e Oliver Nelson. Lascia la Columbia nel 1975 per fondare una sua etichetta; tuttavia, produrrà ancora per la Columbia l’album <<Star People>> di Miles Davis (1982). Produce anche il primo disco dei Lounge Lizards di John Lurie (1980).

Assume la direzione d’orchestra e fa una parte degli arrangiamenti per l’album <<Charles Mingus And Friends>>, registrato durante un concerto alla Town Hall di New York nel 1972, e rende omaggio al contrabbassista nell’album intitolato <<Impression Of Charles Mingus>> (1983). Ha registrato, in particolare, con Mingus, Don Butterfield, la Manhattan Jazz All Stars, Charlie Byrd, Kip Hanrahan e sotto il suo nome dal 1953.
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Fortemente influenzato al sax da Lee Konitz, Teo Macero ha contribuito, come compositore, dal 1953, a stabilire l’atonalità come un possibile dato del jazz (Explorations, 1953, con Mingus).
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[X. P.]
Composer, arranger, saxophonist (alto, tenor, baritone) and American producer 8Glen Falls, New York, 30.10.1925 - New York, 19.2.2008). After military service in the Navy (including one year at the US Navy School of Music, Washington, 1943-44), he teaches and plays in his hometown, then settles in New York to study at the Juilliard School (1949 -53). Later he was part of Charles Mingus' Jazz Composer Workshop and composed numerous atonal works influenced by jazz, which won him, in particular, the victory of a Guggenheim Foundation competition (1957-59).

He then entered Columbia as a music publisher, then as a record producer promoting records of considerable importance by Miles Davis, Thelonious Monk, Charles Mingus, and Oliver Nelson. He left Columbia in 1975 to found his label; however, he will again produce Miles Davis' album << Star People >> (1982) for Columbia. He also has the first album of John Lurie's Lounge Lizards (1980).

He assumes the conduct of the orchestra and is a part of the arrangements for the album << Charles Mingus And Friends >>, recorded during a concert at the Town Hall in New York in 1972, and pays homage to the double bass player in the album entitled << Impression Of Charles Mingus >> (1983). He has recorded, in particular, with Mingus, Don Butterfield, the Manhattan Jazz All Stars, Charlie Byrd, Kip Hanrahan, and under his name since 1953.

Strongly influenced on sax by Lee Konitz, Teo Macero has contributed, as a composer, since 1953, to establishing atonality as a possible datum of jazz (Explorations, 1953, with Mingus).
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[X. P.]
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Neal Hefti 1922

29/10/2020

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Trombettista (a volte pianista), arrangiatore e compositore statunitense (Hastings, Nebraska, 29.10.1922 - Toluca Lake, 11 ottobre 2008). Esordisce come trombettista all’età di undici anni e, quattro anni più tardi, scrive già i suoi primi arrangiamenti. Dopo essersi esibito nel ruolo di trombettista in orchestre di rumba a Cuba, e successivamente col le big band di Charlie Barnet, Earl Hines e Harry James, viene scritturato da Woody Herman per cui compone i suoi due primi successi: The Good Earth e Wildroot (1944), e di cui sposa fra l’altro la cantante Frances Wayne.

A questi seguiranno altri arrangiamenti non meno riusciti, e in particolare Repetition (1948), una composizione più ambiziosa richiesta da Norman Granz, che ebbe per solista Charlie Parker. È questo il periodo in cui inizia la sua esemplare collaborazione con Count Basie, durata più di trent’anni. Stabilitosi in California, con grandissima abilità compone musiche per il cinema e la televisione, per alcuni show di varietà con Frank Sinatra e una serie come Batman.

Per gli appassionati di jazz, il meglio della produzione di Neal Hefti risiede senz’altro nelle opere composte per Basie. E sebbene il suo capolavoro sia indubbiamente Lil’ Darlin’, la cui apparente semplicità affonda le radici in una cultura sottile capace di economizzare meravigliosamente le proprie forze, vi sono almeno altri venti temi (Girl Talk, Dinner With Friends, Lolly Pop, Why Not, Two For The Blues, Two Franks, Softly With Feeling, Cherry Point, Little Pony, The Kid From Red Bank, Duet, Cute, Whirly Bird,  I’m Shoutin’ Again, Ain’t That Right, Flight Of The Right Foo Birds), che, dinamici e lucenti contenitori d’assolo apparentemente semplici, tanto ben segnato è iò cammino, hanno oltrepassato il repertorio di Basie per ergersi a esemplari opere di riferimento per qualunque big band che voglia swingare.

[A. F.]
Trumpeter (sometimes pianist), arranger, and American composer (Hastings, Nebraska, 29.10.1922 - Toluca Lake, 11 October 2008). He made his debut as a trumpet player at the age of eleven and, four years later, he already wrote his first arrangements. He performed in the role of a trumpet player in rumba orchestras in Cuba. Later with the big bands of Charlie Barnet, Earl Hines, and Harry James, Woody Herman was hired to composed his first two hits: The Good Earth and Wildroot (1944); he marries the singer Frances Wayne.

These will be followed by another no less successful arrangements, particularly Repetition (1948), a more ambitious composition requested by Norman Granz, who had Charlie Parker as a soloist. These are the years in which he begins his exemplary collaboration with Count Basie, which lasted more than thirty years. Settled in California, with great skill, he composes music for cinema and television, for some variety shows with Frank Sinatra and a series like Batman.

For jazz fans, the best of Neal Hefti's production undoubtedly lies in the works he composed for Basie. And although his masterpiece is indeed Lil 'Darlin' - whose apparent simplicity is rooted in a subtle culture capable of marvelously economizing its strength. Dynamic and bright, simple solo containers, so well marked is the path, have gone beyond Basie's repertoire to rise to exemplary reference works. There are at least twenty other themes for any big band that wants to swing, including Girl Talk, Dinner With Friends, Lolly Pop, Why Not, Two For The Blues, Two Franks, Softly With Feeling, Cherry Point, Little Pony, The Kid From Red Bank, Duet, Cute, Whirly Bird, I'm Shoutin 'Again, Ain't That Right, Flight Of The Right Foo Birds.
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[A. F.]
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Rudy Powell (Everard Stephen) 1907

28/10/2020

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Clarinettista e sassofonista alto statunitense (New York, 28.10.1907 – 30.10.1976). Studia prima piano, poi violino e, infine, sassofono; dalla seconda metà degli anni ’20 lavora con June Clark, Gene Rodgers e, soprattutto, con Cliff Jackson (1928-31). Lo si ritrova, poi, con Billy Kato, Elmer Snowden, Dave Nelson, Sam Wooding, Rex Stewart (1933), Dave Martin (1934).

Dal 1934 al 1937 suona regolarmente nel Rhythm di Fats Waller, poi con la grande orchestra del pianista Edgard Hayes (1937-38). In seguito si esibisce con la maggior parte delle formazioni del momento: Claude Hopkins (1938-39 e 1944-45), Teddy Wilson (1939-40), Andy Kirk (1940-41), Fletcher Henderson (1941-42), Don Redman (1943-44), Cab Calloway (1945-48), LuckyMillinder (1948-51).

Gli capita di suonare anche in piccole formazioni, specialmente con il violinista Eddie South (1942-43), i Kansas City Seven di Jimmy Rushing (1951-52), Buddy Tate (1953) e soprattutto il New Garden Ballroom del pianista Benton Heath (1953-61). In seguito lo si ritrova con Ray Charles (1961-62), Buddy Johnson, Bobby Green, Joe Marshall (196265). Dal 1965 partecipa regolarmente allo spettacolo The Saints And Sinners. La sua saluto lo costringe ad allontanarsi dalla scena a partire dal 1969. Suonerà di nuovo occasionalmente negli anni ’70.

A volte un po’ duro al clarinetto, Rudy Powell, seguace di Willie Smith, ha nell’alto uno stile molto orecchiabile che si adatta perfettamente allo spirito della piccola formazione di Fats Waller. Ha suonato anche il tenore e il baritono.

[D.N.]
American clarinetist and alto saxophonist (New York, 28.10.1907 - 30.10.1976). He studies first piano, then violin and, finally, saxophone; since the second half of the 1920s, he has worked with June Clark, Gene Rodgers, and, above all, with Cliff Jackson (1928-31). Powell then plays with Billy Kato, Elmer Snowden, Dave Nelson, Sam Wooding, Rex Stewart (1933), Dave Martin (1934).
 
From 1934 to 1937, he regularly played in Fats Waller's Rhythm, then with the great orchestra of pianist Edgard Hayes (1937-38). Later he performed with most of the ensembles of the moment:
Claude Hopkins (1938-39 and 1944-45)Teddy Wilson (1939-40)
Andy Kirk (1940-41)
Fletcher Henderson (1941-42)
Don Redman (1943-44)
Cab Calloway (1945-48)
LuckyMillinder (1948-51)
 
He also happens to play in small ensembles, especially with violinist Eddie South (1942-43), Jimmy Rushing's Kansas City Seven (1951-52), Buddy Tate (1953), and especially pianist Benton Heath's New Garden Ballroom ( 1953-61). Later he is found with Ray Charles (1961-62), Buddy Johnson, Bobby Green, Joe Marshall (196265). Since 1965 he regularly participates in the show The Saints And Sinners. His greeting forced him to leave the scene starting in 1969. He will play again occasionally in the 70s.

Sometimes a bit hard on the clarinet, Rudy Powell, a follower of Willie Smith, has a very catchy style on alto that fits perfectly with Fats Waller's small band's spirit. He also played tenor and baritone.
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[D.N.]
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Boyd Albert Raeburn (Boyde Raben) 1913

27/10/2020

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Sassofonista (tenore, baritone, basso), arrangiatore, compositore e direttore d’orchestra statunitense (Faith, South Dakota, 27.10.1913 – Lafayette, Indiana, 2.8.1966). Durante gli studi si medicina presso l’università di Chicago dirige un’orchestra e, nel 1933, ottiene un premio che gli permette di esibirsi al ristorante dell’Esposizione Universale di Chicago. In seguito suona come sassofonista e forma un’orchestra di varietà (1934-36), che poi trasforma in swing band (1937).

Paul Whiteman gli procura una scrittura presso Paree’s, che gli assicura una buona diffusione radiofonica (1940-43, Chicago). Nel 1944 s’interessa al jazz moderno e, alla testa di un complesso di ottimi musicisti, fa una tournée nei grandi alberghi dell’Est. Alla fine del 1944 l’orchestra perde strumenti ed arrangiamenti in un incendio.

Stabilitosi in California, Raeburn dirige un complesso rinnovato (1945-46). Nel 1946 sposa la cantante Ginnie Powell. Tornato a New York, nell’agosto 1947 scioglie la sua orchestra, poco tempo dopo aver ottenuto una scrittura al Vanity Fair che annunziava nei suoi programmi The Surrealistic Music of Boyd Raeburn.

L’anno seguente, crea un nuovo complesso, poi, durante gli anni ’50, si esibisce occasionalmente alla testa di diverse orchestre. Nel 1952, con un gruppo di soci, apre un negozio nella 5a Avenue di New York, e pratica la musica soltanto in qualità di arrangiatore per vari editori musicali.

Boyd Raeburn è uno dei più stupendi creatori di forme sonore nella storia delle big band. Il suo gusto per gli arrangiamenti complessi, le associazioni di timbri particolari, le rotture di tono, gli accostamenti insoliti (<<Boyd Meets Stravinsky>>), le variazioni del tempo, suspense e sorpresa, hanno prodotto all’inizio degli anni ’40 un jazz eccessivo nel quale molte delle variazioni del decennio trovarono la propria fonte o il proprio slancio.

Con musicisti quali Dizzy Gillespie, Earl Swope, Frank Socolow, Al Cohn, Serge Chalof, Hal McKusick, Oscar Pettiford (tra tanti altri), con arrangiatori quali George Handy, Ed Finckel, Johnny Richards, come mai l’orchestra di Boyd Raeburn è così dimenticata?

Rivaleggiando con Woody Herman e Stan Kenton (che non avevano nulla da insegnargli sul piano dell’innovazione) durante gli anni ’40, Raeburn non ebbe occasione di esibirsi come i suoi concorrenti nelle sale da concerto, che sono quelle che danno fama. E gli incoraggiamenti e la stima di Duke Ellington non bastarono!

L’esistenza relativamente breve del complesso spiega, ma non giustifica assolutamente, il fatto he sia stato cancellato dai ricordi. Peccato.
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[A. T.]
y​Saxophonist (tenor, baritone, bass), arranger, composer, and American conductor (Faith, South Dakota, 10.27.1913 - Lafayette, Indiana, 8.2.1966). While studying medicine at the University of Chicago, he conducted an orchestra and, in 1933, obtained an award that allowed him to perform at the restaurant of the Universal Exposition in Chicago. He later plays as a saxophonist and forms various orchestra (1934-36), which he then turns into a swing band (1937).
 
Paul Whiteman gets him writing at Paree's, which ensures him a sound radio broadcasting (1940-43, Chicago). In 1944 he became interested in modern jazz, and, at the head of a group of excellent musicians, he went on tour in the grand hotels of the East. At the end of 1944, the orchestra lost its instruments and arrangements in a fire.
 
Settled in California, Raeburn runs a renovated complex (1945-46). In 1946 he married singer, Ginnie Powell. In New York, he disbanded his orchestra in August 1947, shortly after obtaining writing at the Vanity Fair that announced The Surrealistic Music of Boyd Raeburn in his programs.
 
The following year, he created a new ensemble, then, during the 1950s, he occasionally performed at the head of various orchestras. In 1952, with a group of associates, he opened a shop on New York's 5th Avenue, and practices music only as an arranger for various music publishers.
 
Boyd Raeburn is one of the most fantastic sound form makers of significant band history. His taste for complex arrangements, the associations of particular timbres, the breaks in tone, the unusual combinations (<< Boyd Meets Stravinsky>>), the variations of tempo, suspense, and surprise, produced in the early 40s excessive jazz in which many of the variations of the decade found their source of momentum.
 
With musicians such as Dizzy Gillespie, Earl Swope, Frank Socolow, Al Cohn, Serge Chalof, Hal McKusick, Oscar Pettiford (among many others), such as George Handy, Ed Finckel, Johnny Richards, how come Boyd Raeburn's orchestra is so forgotten?
 
Rivaling Woody Herman and Stan Kenton (who had nothing to teach him about innovation) during the 1940s, Raeburn had no opportunity to perform like his competitors in concert halls, which are the ones that give fame. And Duke Ellington's encouragement and esteem were not enough!
 
The complex explains the relatively short existence but does not justify that it has been erased from memories; this is a real shame.
 
[A. T.]
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Hank (Henry) Duncan 1894

26/10/2020

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Pianista statunitense (Bowling Green, Kentucky, 26.10.1894 – Long Island, New York, 7.6.1968). Dopo aver studiato alla Fisk University di Nashville, dirige un gruppo a Louisville (1928), poi anche a Detroit (1919) e Buffalo (1921). A New York è assunto da Fess Williams nella Royal Flush Orchestra, dove resterà parecchi anni.

All’inizio degli anni ’30 lo troviamo con King Oliver, col duo Bechet-Ladnier e con gli Arcadians di Charlie Turner, gruppo in cui ha il ruolo di secondo pianista, in sostituzione di Fats Waller. Come solista si esibisce nei locali newyorkesi, in trio con Zutty Singleton (1939) e con formazioni diverse, prima di diventare il pianista stabile al Nick’s (1947-55), trascorrere un anno al Café Metropole e tornare al Nick’s fino al 1963.

Il suo assolo su I Got Rhythm (1935), che precede quello di Waller, lo mostra vigoroso specialista dello stride piano.
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[A. C.]
American pianist (Bowling Green, Kentucky, 26.10.1894 - Long Island, New York, 7.6.1968). After studying at Fisk University in Nashville, he headed a group in Louisville (1928), then also in Detroit (1919) and Buffalo (1921). In New York, he is hired by Fess Williams in the Royal Flush Orchestra, where he will remain for several years.
 
In the early 1930s, we find him with King Oliver, with the Bechet-Ladnier duo and Charlie Turner's Arcadians, a group in which he has the second pianist, replacing Fats Waller. As a soloist, he performed in New York clubs, in trio with Zutty Singleton (1939) and with different ensembles, before becoming the permanent pianist at Nick's (1947-55), spending a year at Café Metropole and returning to Nick's until 1963.
 
His solo on I Got Rhythm (1935), which precedes Waller's, shows him a vigorous piano stride specialist.
 
[A. C.]
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Lawrence Henry Marrero 1900

24/10/2020

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Chitarrista statunitense (New Orleans, Louisiana, 24.10.1900 – 6.6.1959). Prende giovanissimo lezioni di chitarra dal fratello maggiore John, ma studia soprattutto con Clay Jiles. Verso il 1920 suona la grancassa con la Young Tuxedo, e lavora in seguito con svariate formazioni, tra cui quelle di Frankie Dusen e Peter Bocage. A partire dal 1942 partecipa attivamente al New Orleans Revival, suonando nei gruppi di Bunk Johnson (col quale si reca a New York nel 1945) e George Lewis, che lascia nel 1955 per motivi di salute.

Solista di medio livello, si è imposto soprattutto come valido accompagnatore, dallo stile più solido che sfaccettato.
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[G. C.]
American guitarist (New Orleans, Louisiana, 10.24.1900 - 6.6.1959). He takes guitar lessons from his older brother John at a very young age, but he mainly studies with Clay Jiles. Around 1920 he played the bass drum with the Young Tuxedo and later worked with various ensembles, including Frankie Dusen and Peter Bocage. From 1942 he actively participated in the New Orleans Revival, playing in Bunk Johnson (with whom he went to New York in 1945) and George Lewis, which he left in 1955 for health reasons.
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A mid-level soloist has established himself above all as a valid accompanist, with a more reliable than multifaceted style.
 
[G. C.]
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Bernard Peiffer 1922

23/10/2020

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Pianista e compositore francese (Épinal, 23.10.1922 – Filadelfia, Pennsylvania, 8.9.1976). Nel 1940 con la famiglia si trasferisce a Marsiglia, dove frequenta il conservatorio e vince un primo premio per il piano. Consigliato da Samson François, si iscrive a un corso di armonia presso la Scuola Normale di Musica di Parigi.
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Un disco di Fats Waller sentito alla radio gli fa scoprire il jazz. Esordisce professionalmente nel 1943 ed è ingaggiato da André Ekyan. Suona nel 1944 con Django Reinhardt, quindi con Hubert Rostaing.

Dopo la guerra accompagna Josephine Baker durante il servizio militare, quindi, dopo il congedo nel 1946, Jean Sablon all’ABC nell’orchestra di André Ekyan. Nell’estate del 1947 è a Nizza, quindi assume la direzione di una formazione a Juan-les-Pins. Soggiorna in Svizzera e Tunisia, quindi gira in tournée e incide con Rex Stewart nel 1948.

Si esibisce regolarmente nelle Jazz Parades al teatro Edoardo VI con solisti statunitensi. In dicembre fa parte della Edward’s Jazz Band (Bill Coleman, Don Byas, ecc.). Nel 1949 appare nel film Rendez-vous de juillet di Jacques Becker e ottiene il Grand Prix del disco. Sarà consacrato miglior pianista francese da tutti i referendum prima della sua partenza per gli Stati Uniti.

Dal 1950 al 1954 lavora in club, soprattutto al Club Saint-Germain con Reinhardt e Hubert Fol. Dopo aver ricevuto per la seconda volta il Grand Prix del disco jazz, emigra negli Stati Uniti (1954). Nel 1955 esordisce all’Embers di New York e partecipa al Memorial Concert organizzato per la morte di Charlie Parker; incide a partire dal 1956. Suona al Birdland e al festival di Newport nel 1957 e 1958.

Lavora soprattutto a Filadelfia, dove risiede durante gli anni ’60. Percorre 30000 chilometri e 30 stati degli USA in una tournée per le università nel 1960, in trio con Gus Nemeth e Jerry Segal. Nel 1965 ottiene la cittadinanza statunitense.
Si esibisce in festival europei, fra cui quello di Antibes. Nel 1970 riprende a suonare dopo una grave malattia renale e ottiene un ingaggio a Los Angeles. Si dedica maggiormente alla composizione e all’insegnamento, senza comunque rinunciare ai concerti, cui torna fra il 1973 e il luglio 1976, quando entra in clinica per sottoporsi inutilmente a due operazioni.

Scandalosamente dimenticato nel suo pase di origine – dove fu una specie di precursore di Martial Solal – Bernard Peiffer è stato lodato dai migliori critici statunitensi (Barry Ulanov, Leonard Feather). Tecnico brillante alla stregua di Art Tatum, dotato di un’ottima cultura classica, si è reso conto fin dalla fine degli anni ’40, come ebbe a dire lui stesso, <<che nuove forme potevano essere introdotte nel jazz, nel tentativo di ampliarne il materiale e giungere a quella che oggi e definita la Third Stream>>. Dato che le sue idee erano mal accette dai musicisti e dalla critica francese, riuscirà a metterle in pratica solo negli Stati Uniti, dopo essersi liberato delle sue prime influenze, Fats Waller ed Erroll Garner.

Senza rinnegare Tatum, suo padre spirituale, prende una strada abbastanza vicina a quella di Lennie Tristano, Phineas Newborn, Solal o anche alle sintesi classiche di John Lewis. Anche se a volte si fa trasportare dal flusso delle sue idee e da un certo nervosismo, i tratti geniali che traspaiono dal suo stile fiammeggiante sono ammirevoli almeno quanto il suo rifiuto per i compromessi.
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[Ph. B.]
​French pianist and composer (Épinal, 10.23.1922 - Filadelfia, Pennsylvania, 9.8.1976). In 1940 he moved with his family to Marseille, where he attended the conservatory and won a first prize for the piano. Recommended by Samson François, he enrolled in a harmony course at the Normal School of Music in Paris.
 
A Fats Waller record heard on the radio makes him discover jazz. He made his professional debut in 1943 and was hired by André Ekyan. He plays in 1944 with Django Reinhardt, then with Hubert Rostaing.
 
After the war, he accompanied Josephine Baker during her military service, then, after her discharge in 1946, Jean Sablon at ABC in the André Ekyan orchestra. In the summer of 1947, he was in Nice; then, he took over the training direction in Juan-les-Pins. He stayed in Switzerland and Tunisia, then toured and recorded with Rex Stewart in 1948.
 
He regularly performs in the Jazz Parades at the Edward VI theater with US soloists. In December, he is part of Edward's Jazz Band (Bill Coleman, Don Byas, etc.). In 1949 he appeared in Jacques Becker's film Rendez-vous de Juillet and obtained the disc's Grand Prix. He will be consecrated best French pianist by all the referendums before his departure for the United States.
 
From 1950 to 1954, he worked in clubs, especially at Club Saint-Germain with Reinhardt and Hubert Fol. After receiving the Jazz Disco Grand Prix for the second time, he emigrated to the United States (1954). In 1955 he made his debut at the Embers in New York and participated in the Memorial Concert organized for the death of Charlie Parker; he records since 1956. He plays at Birdland and the Newport festival in 1957 and 1958.
 
He mainly works in Philadelphia, where he lived during the 1960s. He traveled 30,000 kilometers and 30 US states on a university tour in 1960, in a trio with Gus Nemeth and Jerry Segal. In 1965 he obtained US citizenship.
 
He performs in European festivals, including that of Antibes. In 1970 he resumed playing after a severe kidney disease and got a gig in Los Angeles. He devoted himself more to composition and teaching, without however renouncing concerts, to which he returned between 1973 and July 1976, when he entered the clinic to undergo two operations in vain.
 
Scandalously forgotten in his home country - where he was a kind of forerunner of Martial Solal - Bernard Peiffer has been praised by the best US critics (Barry Ulanov, Leonard Feather). A brilliant technician like Art Tatum, endowed with an excellent classical culture, he realized since the end of the 1940s, as he said, << that new forms could be introduced in jazz, in an attempt to expand the material and reach what is now called the Third Stream >>. Since French musicians and critics badly accepted his ideas, he will only be able to put them into practice in the United States after getting rid of his first influences, Fats Waller and Erroll Garner.
 
Without denying Tatum, his spiritual father, he takes a path quite close to Lennie Tristano, Phineas Newborn, Solal, or even to the classic syntheses of John Lewis. Although he gets carried away at times by the flow of his ideas and a certain nervousness, the genius traits that shine through his flamboyant style are at least as admirable as his refusal to compromise.
 
[Ph. B.]
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Peck Kelley (John Dickson) 1898

22/10/2020

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Pianista e direttore d’orchestra statunitense (Huston, Texsas, 22.10.1898 – 26.12.1980). Agli inizi degli anni ’20 mette su un’orchestra, i Peck’s Bad Boys, che, esibendosi soprattutto in texas, riunisce artisti eccellenti come Jack Teagarden (che vi suona per due anni), Pee Wee Russell, Leon Prima, Leon Roppolo ecc. Tranne dei brevi soggiorni a St Louis (1925) e a New Orleans con l’orchestra di Joe Gill verso il 1934, lavora sempre in Texas, poi, dagli anni ’40, solo nella sua città natale. Disturbi alla vista lo obbligano a ritirarsi tra il 1946 e il 1948. Poi suona di nuovo al Dixie Bar di Houston. Dalla metà degli anni ’50 si esibisce raramente.

Peck Kelley è un personaggio leggendario la cui esecuzione al piano è stata spesso paragagonata (tra gli altri da Jack Teagarden, Pee Wee Russell o John Hammond) a quella di Art Tatum per la modernità, la tecnica e l’originalità. Frankie Trumbauer, Ben Pollak e perfino Bix Beiderbecke furono stupefatti dalle sue qualità.

Ma il mitico Peck Kelly era un saggio che rifiutò le offerte delle migliori orchestre degli Stati Uniti così come le proposte di incisione di John Hammond al solo scopo di potersene restare tranquillamente a casa, cosa che contribuì alla sua leggenda e fece scorrere molto inchiostro nelle riviste di jazz (Peck Kelly-Jazz Legend, Down Beat del 14.1.1965). Rendono ancora meglio l’idea le parole di uno dei grandi successi degli anni ’40: Beat Me Daddy Eight To The Bar.

Sebbene non abbia mai messo piede in uno studio di registrazione, due dischi postumi, editi da Commodore, ci fanno ascoltare Peck Kelley durante una jam session radiofonica nel 1957, n un periodo in cui si era ritirato quasi del tutto.
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[Ph. B.]
​American pianist and conductor (Huston, Texas, 10.22.1898 – 12.26.1980). At the beginning of the 1920s, he set up an orchestra, the Peck's Bad Boys, which, performing mainly in Texas, brought together excellent artists such as Jack Teagarden (who played there for two years), Pee Wee Russell, Leon Prima, Leon Roppolo, etc. Apart from short stays in St Louis (1925) and New Orleans with Joe Gill's orchestra around 1934, he always worked in Texas, then, from the 1940s, only in his hometown. Disturbed vision forced him to retire between 1946 and 1948. Then he plays again at the Dixie Bar in Houston. Since the mid-1950s, he has rarely performed.
 
Peck Kelley is a legendary character whose piano performance has often been compared (among others by Jack Teagarden, Pee Wee Russell, or John Hammond) to Art Tatum for modernity, technique, and originality. Frankie Trumbauer, Ben Pollak, and even Bix Beiderbecke were blown away by his qualities.
 
But the legendary Peck Kelly was a sage. He turned down offers from the best orchestras in the United States as well as John Hammond's proposals. For engraving for the sole purpose of being able to stay safely at home, which contributed to his legend and made a lot of ink flow in jazz magazines (Peck Kelly-Jazz Legend, Down Beat of 1.14.1965). The words of one of the great hits of the 1940s make it even better: Beat Me Daddy Eight To The Bar.
 
Although he has never set foot in a recording studio, two posthumous records, released by Commodore, play Peck Kelley during a radio jam session in 1957, when he was almost wholly retired.
 
[Ph. B.]
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Don Byas (Carlos Wesley) 1912

21/10/2020

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Sassofonista tenore statunitense (Muskogee, Oklahoma, 21.10.1912 – Amsterdam, 24.8.1972). Sua madre, indiana cherokee, suona il piano e suo padre, di origine spagnola, il clarinetto: inizia con il violino, passa poi al sax alto, che suona alla fine degli anni ’20, nelle orchestre di Bennie Moten, Terrence Holder e con i Blues Devils di Walter Page che vanno in tournée nel Middle West.

All’inizio degli anni ’30 fonda il suo Don Carlos And His Collegians Ramblers; nel 1933 adotta il sassofono tenore e si reca in California. Nel 1935 lo scrittura Lionel Hampton e successivamente l’ingaggiano Eddie Barefield, Buck Clayton (1936), Lorenzo Flennoy e Charlie Echols. Nel 1937 suona a New York nell’orchestra di Eddie Malory che accompagna Ethel Waters.

Nel 1938 è per un breve tempo con Don Redman e quindi con Lucky Millinder, ma nel 1938 è scritturato da Andy Kirk con il quale suona per più di un anno, per passare poi a lavorare con Edgard Hayes e quindi con Benny Carter. Count Basie lo chiama a occupare il leggio lasciato da Lester Young. Rimane con Count Basie fino al 1943 e fa della 52a Strada, in piena ebollizione, il suo quartier generale.

Dapprima suona con Coleman Hawkins (allo Yacht Club) poi con il gruppo che per primo storicamente può rivendicare l’appellativo “bebop” (la definizione di bebop non era ancora apparsa): Dizzy Gillespie (nato lo stesso giorno, ma più giovane di cinque anni), George Wallington, Oscar Pettiford e Max Roach all’Onyx Club, nei primi giorni del 1944. Questi musicisti, eccezion fatta per il pianista, si ritroveranno alla fine di febbraio per registrare sotto la direzione di Coleman Hawkins (anche lui molto interessato al nuovo movimento musicale e ai nuovi musicisti) dei dischi che si possono ben considerare le prime eseguzioni registrate di bebop (Woody’n You, 16 e 22 febbraio). Partecipa a queste due sedute anche Don Byas.

La sua formazione musicale, fatta alla scuola di Benny carter e di Coleman Hawkins, non si accorderà mai veramente con le concezioni del nuovo jazz; comunque, anche se suona di buon grado con questi innovatori, Don Byas rimane fondamentalmente un musicista swing. Prende parte ad un’altra registrazione sotto la direzione di Gillespie (Good Bait, Salt Peanuts, gennaio 1945), ma chiaramente Byas non parla la stessa lingua di Gillespie, come d’altra parte Trummy Young, anche lui nel gruppo. La formazione dell’Onyx si scioglie nella primavera del 1944; Byas suona con diversi gruppi a New York, soprattutto con Hawkins, poi costituisce una formazione che presenta al Three Deuces (1945).

Durante questo periodo incide per delle piccole case discografiche (Savoy, Jamboree, National, Dic, Arista, Super, American, Hub, Gotham) moltissimi dischi, spesso di grande qualità. In questo periodo compone la prima versione della ballad Laura per il film omonimo di Otto Preminger. Nel settembre del 1946 si imbarca per l’Europa con Don Redman e la sua orchestra, prima formazione del dopoguerra a sbarcare sul vecchio continente. Non partirà più: risiede all’inizio a Parigi, ove presto diviene il punto di riferimento per i musicisti francesi, suona nei club della capitale e realizza numerose tournée in tutta Europa. Dopo un soggiorno in Spagna si stabilisce nei Paesi Bassi.

Nei club, nelle sale da concerto e nei festival ritrova alcuni compagni, emigrati o di passaggio; suona con Duke Ellington (1950), Quincy Jones, nel JATP (1961). Si esibisce ancora in Gran Bretagna (1965) e ritorna temporaneamente negli Stati Uniti per il festival di Newport nel 1970. L’anno successivo effettua una tournée in Giappone con Art Blakey. Muore  sessant’anni per un cancro al polmone.

Della generazione di Coleman Hawkins, Don Byas è il più impressionante sassofonista di tutta la storia del jazz. Sono stati ammirati il virtuosismo della sua tecnica, il suo fraseggio impeccabile, il lirismo, la carica emotiva, il senso armonico, la sonorità inebriante. Sebbene contenuto e meditativo, ha dimostrato un supremo abbandono all’interpretazione delle ballads, per poi meglio esprimere la volubilità, l’audacia e la foga sui tempi vivaci. Molti fra i sax tenori della generazione di John Coltrane, Lucky Thompson, Sonny Rollins, Benny Golson e Johnny Griffin hanno sentito la sua influenza.
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[A. C.]
​American tenor saxophonist (Muskogee, Oklahoma, 21.10.1912 - Amsterdam, 24.8.1972). His mother, an Indian Cherokee, plays the piano and his father, of Spanish origin, the clarinet: he starts with the violin, then moves on to the alto sax, which he plays in the late 1920s, in the orchestras of Bennie Moten, Terrence Holder and with Walter Page's Blues Devils touring the Middle West.
 
In the early 1930s, he founded his Don Carlos And His Collegians Ramblers; in 1933, he adopted the tenor saxophone and went to California. In 1935, Lionel Hampton wrote it and subsequently by Eddie Barefield, Buck Clayton (1936), Lorenzo Flennoy, and Charlie Echols. In 1937 he played in New York in the Eddie Malory orchestra accompanying Ethel Waters.

In 1938 he was briefly with Don Redman and then with Lucky Millinder, but in 1938 he was hired by Andy Kirk with whom he played for more than a year before moving on to work with Edgard Hayes and then with Benny Carter. Count Basie calls him to occupy the pulpit left by Lester Young. He remained with Count Basie until 1943 and made 52nd Street, in full boiling, his headquarters.
 
First, he plays with Coleman Hawkins (at the Yacht Club) then with the group that historically can claim the nickname "bebop" (the definition of bebop had not yet appeared): Dizzy Gillespie (born the same day, but younger than five years), George Wallington, Oscar Pettiford, and Max Roach at the Onyx Club, in the early days of 1944. These musicians, except for the pianist, will meet at the end of February to record under the direction of Coleman Hawkins (also very interested in the new musical movement and to the latest musicians) of the records that can well be considered the first recorded performances of bebop (Woody'n You, February 16 and 22). Don Byas also participates in these two sessions.
 
His musical training, done at the school of Benny Carter and Coleman Hawkins, will never really accord with the new jazz; however, even though he plays well with these innovators, Don Byas remains fundamentally a swing musician. He takes part in another recording under Gillespie's direction (Good Bait, Salt Peanuts, January 1945). Still, Byas does not speak the same language as Gillespie, as on the other hand Trummy Young, also in the group. The Onyx dissolves' formation in the spring of 1944; Byas plays with several groups in New York, especially with Hawkins, then forms a line-up which he presents at Three Deuces (1945).
 
During this period, he recorded many records, often of excellent quality, for small record companies (Savoy, Jamboree, National, Dic, Arista, Super, American, Hub, Gotham). In this period, he composed the first version of the ballad Laura for the homonymous film by Otto Preminger. In September 1946, he embarked for Europe with Don Redman and his orchestra, the first post-war formation to land on the old continent. He will never leave: he initially resides in Paris, where he soon becomes the reference point for French musicians, plays in the clubs of the capital, and carries out numerous tours throughout Europe. After a stay in Spain, he settled in the Netherlands.
 
In clubs, concert halls, and festivals, he finds some companions, emigrants, or passing through; plays with Duke Ellington (1950), Quincy Jones, in JATP (1961). He still performed in Great Britain (1965) and temporarily returned to the United States for the Newport festival in 1970. The following year he toured Japan with Art Blakey. He dies sixty years of lung cancer.
 
Of the Coleman Hawkins generation, Don Byas is the most impressive saxophonist in all of jazz history. His technique's virtuosity, impeccable phrasing, lyricism, emotional charge, harmonic sense, and intoxicating sonority were admired.  Although content and meditative, he demonstrated a supreme abandonment of ballads' interpretation to better express his volubility, audacity, and enthusiasm for lively times. Many of the tenor saxophones of John Coltrane, Lucky Thompson, Sonny Rollins, Benny Golson, and Johnny Griffin have felt his influence.
 
[A. C.]
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