Batterista e caporchestra statunitense (New York, 30.6.1917 – Los Angeles, California, 2.4.1987). Dopo il precoce debutto come ballerino di tip tap con il nome di <<Baby Taps>>, comincia una carriera di batterista nell’orchestra di Joe Marsala (1938) e si unisce lo stesso anno a quella di Bunny Berigans. Si esibisce poi nell’orchestra di Artie Shaw (1939), Tommy Dorsey (1939-42) e Benny Carter (1942).
Al ritorno dall’esercito ritrova Tommy Dorsey (1944-46)e forma la sua prima big band. Dal 1947 al 1950, Norman Granz lo ingaggia nel JATP dove predilige il confronto tumultuoso con Gene Krupa e Louise Bellson. Nel 1951 costituisce il gruppo dei Big Four con Charlie Ventura e Chubby Jackson. Lavora dal 1953 al 1954 presso Harry James, ritrova Tommy Dorsey (1954-55). Nel 1957 James lo sollecita per una tournée in Europa. Prende in seguito la testa di un quintetto (1958). Nel 1966 fonda una big band; la crisi delle grandi formazioni non gli impedisce di mantenere la sua attività grazie a un professionismo severissimo. Ritroviamo periodicamente la sua orchestra in tournée europee o festival rinomati. Questa carriera di percussionista divo e di leader non impedisce al batterista di accompagnare solisti prestigiosi del calibro di Charlie Parker o Art Tatum, e soprattutto cantanti di Frank Sinatra, Tony Bennett, Sammy Davis Jr. e Mel Tormé. Tecnico della battuta particolarmente energica ma sempre netta, precisa, e dalla velocità impressionante, Buddy Rich sa essere un accompagnatore premuroso ed efficace, ma si esprime pienamente allorquando ricorre al suo talento di 2picchiatore”. Batterista imperativo, la sua esecuzione riesce, in ogni occasione a sollecitare l’insieme delle possibilità del suo strumento. Libero di agire, privilegia non senza una certa compiacenza il lato spettacolare della batteria e le sue prestazioni esuberanti hanno talvolta la tendenza a trasformarsi in dimostrazioni a discapito della musicalità. [J.L.A., C.B.]
American drummer and orchestra leader (New York, 30.6.1917 - Los Angeles, California, 2.4.1987). After his early debut as a tap dancer under the name of << Baby Taps >>, he began a career as a drummer in the Joe Marsala orchestra (1938) and joined that of Bunny Berigans the same year. He then performed in the orchestra of Artie Shaw (1939), Tommy Dorsey (1939-42), and Benny Carter (1942).
Upon returning from the army, he found Tommy Dorsey (1944-46) and formed his first big band. From 1947 to 1950, Norman Granz hires him in JATP, where he prefers the explosive confrontation with Gene Krupa and Louise Bellson. In 1951 he formed the Big Four group with Charlie Ventura and Chubby Jackson. He works from 1953 to 1954 at Harry James, meets Tommy Dorsey (1954-55). In 1957 James solicited him for a tour of Europe. He later takes the lead of a quintet (1958). In 1966 he founded a big band; the big formations' crisis does not prevent him from keeping his business thanks to very extreme professionalism. We periodically find his orchestra on European tours or renowned festivals. This career as a star percussionist and leader does not prevent the drummer from accompanying prestigious soloists of the caliber of Charlie Parker or Art Tatum, and above all, singers of Frank Sinatra, Tony Bennett, Sammy Davis Jr., and Mel Tormé. Incredibly energetic but always clear, precise, and with impressive speed, Buddy Rich knows how to be a thoughtful and practical accompanist, but he expresses himself fully when he resorts to his talent as a “beater ". An imperative drummer, his performance succeeds, on every occasion, in soliciting all the possibilities of his instrument. Free to act, he favors not without a certain complacency. The spectacular side of the drums and his exuberant performances sometimes tend to turn into demonstrations at musicality expense. [J.L.A., C.B.] 
Violinista, tastierista e compositore francese (Avranches, Francia, 29.9.1942). Figlio di insegnanti di musica (il padre insegnava violino, la madre il piano), prende le sue prime lezioni di violino e di armonia a cinque anni. Nel 1955 lascia la scuola per dedicarsi allo studio del suo strumento e diventare concertista.
È studente al conservatorio superiore di musica di Parigi a partire dal 1958: è l’epoca in cui scopre il jazz attraverso Clifford Brown, Miles Davis e John Coltrane che ascolta in disco, Kenny Clarke e Bud Powell in concerto. Prova anche il sassofono. Nel 1960 vince un premio di violino al conservatorio. Lavora poi per due anni nell’Orchestra dei Concerti Lamoureux, ma si interessa sempre più al jazz a partire dal 1959, grazie a Stéphane Grappelli. Dal 1961 al 1964 suona nella formazione di Jef Gilson. Nel 1964, dopo un trionfo ad Antibes, si dedica a tempo pieno al jazz e gira in tutta Europa. Lo si ascolta a Parigi, al Blue Note oppure al Caméléon, insieme a Eddie Louiss e Daniel Humair. Partecipa a tutti i grandi festival e lavora da professionista indipendente un po’ dappertutto. Tre anni dopo, John Lewis l’invita a un “Violin Workshop”, organizzato in occasione del festival di Monterey, Ponty riscuote grande successo. Nello stesso tempo scopre il rock. Nel 1969 parte per gli Stati Uniti, registra e lavora con Frank Zappa e con il proprio gruppo, l’Experience (George Duke, John Heard, Dick Berk). La sua collaborazione con Zappa lo porta a interessarsi all’elettronica e ai sistemi di amplificazione. Ritorna in Francia nel 1970 dove fa tournée con il suo gruppo fino al 1972. L’anno seguente si stabilisce negli Stati Uniti e lavora con i Mothers Of Invention di Zappa. Nel 1974 entra a far parte della Mahavishnu Orchestra di John McLaughlin. A partire dal 1975 si esibisce solo come leader. Nel frattempo la sua produzione discografica prende una dimensione sinfonico-elettrica che diventa dominante nella sua musica con l’introduzione, negli anni ’80, di sintetizzatori e di tutta la strumentazione elettronica. Negli anni ’90 si dedica a quello che battezza il suo <<progetto africano>>, ma i risultati artistici sono modesti. Nel 1995 incide un disco acustico con Stanley Clarke e Al di Meola (<<The Rite Of Strings>>), trio che si è poi riunito nel 2007 per il festival di Marciac. Jean-Luc Ponty si è presto allontanato dalla grande tradizione classica francese del violino jazz, per affermarsi negli Stati Uniti come capofila del movimento jazz-rock. Si è rivelato, con il violino elettrico, un esperto nelle mescolanze di sonorità. Il suo virtuosismo gli permette di introdurre semicrome anche su ritmi molto veloci; il fraseggio rimbalzante, una grande morbidezza di suono e una predisposizione all’inventiva e al rinnovamento melodico lo rendono immediatamente riconoscibile. Manipolatore di suoni (“sequencer”, “harmonizer”, “octaver”) e nello stesso tempo sperimentatore che utilizza le nuove tecnologie con parsimonia, ha scoperto sonorità sintetiche che resistono bene alla prova del tempo. [P.B., C.G]
French violinist, keyboardist, and composer (Avranches, France, 29.9.1942). Son of music teachers (his father taught violin, his mother the piano), he took his first violin and harmony lessons at five. In 1955 he left school to devote himself to studying his instrument and becoming a concert performer.
He has been a student at the Paris Conservatory of Music since 1958: this is when he discovers jazz through Clifford Brown, Miles Davis, and John Coltrane, whom he listens to on record, Kenny Clarke and Bud Powell in concert. Also, try the saxophone. In 1960 he won a violin prize at the conservatory. He then worked for two years in the Lamoureux Concert Orchestra, but became increasingly interested in jazz starting in 1959, thanks to Stéphane Grappelli. From 1961 to 1964, he plays in Jef Gilson's band. In 1964, after a triumph in Antibes, he devoted himself full time to jazz and toured Europe. It is heard in Paris, at the Blue Note or the Caméléon, together with Eddie Louiss and Daniel Humair. He participates in all the big festivals and works as an independent professional a little everywhere. Three years later, John Lewis invited her to a "Violin Workshop", organized on the Monterey festival's occasion. Ponty was a great success. At the same time, he discovers rock. In 1969 he left for the United States, recorded and worked with Frank Zappa and his group, The Experience (George Duke, John Heard, Dick Berk). His collaboration with Zappa led him to take an interest in electronics and amplification systems. He returned to France in 1970, where he toured with his group until 1972. The following year he settled in the United States and worked with Zappa's Mothers Of Invention. In 1974 he joined John McLaughlin's Mahavishnu Orchestra. Since 1975 he performs only as a leader. In the meantime, his record production takes on a symphonic-electric dimension that becomes dominant in his music with the introduction, in the 1980s, of synthesizers and all electronic instrumentation. In the 90s, he dedicated himself to what he called his << African project >>, but the artistic results were modest. In 1995 he recorded an acoustic album with Stanley Clarke and Al di Meola (<< The Rite Of Strings >>), a trio that then reunited in 2007 for the Marciac festival. Jean-Luc Ponty soon moved away from the great French classical tradition of the jazz violin to establish himself in the United States as the jazz-rock movement leader. With the electric violin, he turned out to be an expert in mixing sounds. His virtuosity allows him to introduce sixteenth notes even on fast rhythms; the bouncy phrasing, an extraordinary softness of sound, and a predisposition to inventiveness and melodic renewal make it immediately recognizable. He's a sound manipulator ("sequencer," "harmonizer," "octaver"), and at the same time, an experimenter who uses new technologies sparingly. He has discovered synthetic sounds that stand the test of time. [P.B., C.G] 
Sassofonista, clarinettista e percussionista statunitense (Summit, Mississippi, 28.9.1931 – Filadelfia, Pennsylvania, 20.8.1995). Studia alla DuSable High School di Chicago dove incontra Pat Patrick e Ronnie Boykins, futuri compagni di Sun Ra; quindi è clarinettista sotto le armi (1948-52). A Chicago, agli inizi degli anni ’50, suona con Earl Hines, poi prova con Miles Davis in un gruppo che morirà sul nascere.
Nel 1953 entra nell’orchestra di Sun Ra e accompagna Dakota Staton o Sarah Vaughan al De Lisa; nel 1957 cofirma un album con Clifford Jordan. All’inizio degli anni ’60 segue Sun Ra a New York dove suonerà al Birdland con John Coltrane. Con lo scioglimento di Arkestra (1963-64) registra con Andrew Hill, Pete La Roca, Paul Bley, Elmo Hope, Freddie Hubbard, McCoy Tyner. Raccomandato da Lee Morgan, entra nei Jazz Messengers con i quali va in tournée in Giappone; ritornato da Sun Ra non lascia più l’Arkestra. Oltre al sassofono tenore, affronta tutta la sezione delle ance (compreso il fagotto) e la batteria (praticata dopo Chicago). Con Dizzy Reece ha registrato per l’etichetta Futura (1970). Dopo la morte di Sun Ra assume la direzione dell’Arkestra e continua a suonare nonostante problemi respiratori e articolari. Lo stile angoloso e la sonorità tagliente di Gilmore provocano un senso acuto della progressione armonica. La sua esecuzione, dinamica e varia, fondata sui contrasti, dà delle sorprese tanto per la solidità della della costruzione quanto per la pienezza dell’intenzione. Uno degli stili dove Gilmore riesce meglio è quello austero, suonato senza fretta, anche senza morbidezza, sostenuto da collane di note tenute con grande intensità (New Steps, con Sun Ra) che svelano, nella notevole padronanza e immensa plasticità del musicista, una severità che non è estranea alle atmosfere rarefatte di Sun Ra. [J.L.A., C.B.]
American saxophonist, clarinetist, and percussionist (Summit, Mississippi, 28.9.1931 - Philadelphia, Pennsylvania, 20.8.1995). He studies at DuSable High School in Chicago, where he meets Pat Patrick and Ronnie Boykins, future companions of Sun Ra; therefore, he is a clarinetist in the army (1948-52). In Chicago, in the early 1950s, he played with Earl Hines, then rehearsed with Miles Davis in a group that would die in the bud.
In 1953 he joined the Sun Ra Orchestra and accompanied Dakota Staton or Sarah Vaughan at the De Lisa; in 1957, he co-signed an album with Clifford Jordan. In the early 1960s, he follows Sun Ra to New York, where he will play at Birdland with John Coltrane. With the dissolution of Arkestra (1963-64), he recorded with Andrew Hill, Pete La Roca, Paul Bley, Elmo Hope, Freddie Hubbard, McCoy Tyner. Recommended by Lee Morgan, he enters the Jazz Messengers with whom he goes on tour in Japan; returned from Sun Ra, he never leaves the Arkestra. In addition to the tenor saxophone, he deals with the whole reed section (including the bassoon) and the drums (practiced after Chicago). With Dizzy Reece, he recorded for the Futura label (1970). After Sun Ra's death, he takes over the Arkestra's direction and continues to play despite respiratory and joint problems. Gilmore's angular style and edgy sonority result in a keen sense of harmonic progression. Its dynamic and varied execution, based on contrasts, gives surprises both for the solidity of the construction and for the fullness of the intention. One of Gilmore's styles succeeds best is the austere one, played without haste, even without softness, supported by necklaces of notes held with great intensity (New Steps, with Sun Ra), which reveal, in the remarkable mastery and immense plasticity of the musician. This severity is no stranger to Sun Ra's rarefied atmosphere. [Ph.B.] 
Compositore, pianista e direttore d’orchestra statunitense (Brooklyn, New York, 26.9.1898 – Beverly Hills, California, 11.7.1937). Figlio di immigranti russi e fratello più giovane di Ira, che diventerà l’autore dei testi della maggior parte delle sue canzoni, Gershwin comincia a suonare il piano verso il 1910. A quindici anni è ingaggiato al Tin Pan Alley dall’editore Remick come pianista-dimostratore fino al 1917. Comincia, nel frattempo, a comporre e ottiene, nel 1918, il suo primo contratto con presso Harms. Tra il 1915 e il 1926 farà più di cento rulli per pianoforte. Nel 1919 realizza il suo primo score completo La, La, Lucille. A partire dal 1920 partecipa a cinque George’s White’s Scandals, annuali. In quegli anni, è primo “tuba” con Swanee, registrato da Al Johnson.
Diventa celebre nel 1924 quando Paul Whiteman gli ordina la Rhapsody In Blue che sarà creata all’Aeolian Hall il 12 febbraio. Da allora egli crea numerosi spettacoli di successo a Broadway e a Londra e compone anche per film (tra cui Shall We Dance e A Damsel In Distress con Fred Astaire) e anche dopo la sua morte il cinema continuerà a utilizzare la sua musica. Si occupa di più cose contemporaneamente ma, malgrado il successo sempre più crescente come direttore d’orchestra, pianista e compositore di musica classica, continua a scrivere canzoni per Broadway. All’apice della sua carriera muore per un tumore al cervello. Le sue opere principali di concerto, tutte ispirate alla musica nera americana, sono la Rhapsody In Blue (1924), orchestrata dall’arrangiatore di Paul Whiteman, Ferde Grofé, il Concerto In Fa (1925), An American In Paris (1928) e l’opera Porgy And Bess (1935). George Gershwin senza dubbio il compositore statunitense più conosciuto nel mondo. Tra gli autori di standard come Richard Rodgers, Cloe Porter, Irving Berlin, Harry Warren, Jerome Kern o Harold Arden, che sono i più suonati dai jazzisti, Gershwin è secondo dopo Rodgers, ma lo precede in popolarità. Se Gershwin amava il jazz e se ne ispirava disinvoltamente, i jazzisti, a loro volta, hanno preso in prestito una buona trentina delle sue canzoni. Tra le più suonate nel jazz: The Man I Love, Oh Lady Be Good, Somebody Loves Me, Someone To Watch Over Me, ‘S Wonderful, Liza, But Not For Me, Embraceable You, I Got Rhythm, Summertime, Nice Work If You Can Get It, Love Is Here To Stay. La struttura armonica di I Got Rhythm è servita di base negli anni ’30-’40 a numerosi pezzi composti da musicisti di jazz: Lester Leaps In, Anthropology, Salt Peanuts, per citare soltanto i più famosi. [Ph.B.]
American composer, pianist, and conductor (Brooklyn, New York, 26.9.1898 - Beverly Hills, California, 11.7.1937). Son of Russian immigrants and younger brother of Ira, who will become the author of most of his songs' lyrics, Gershwin begins playing the piano around 1910. At fifteen, he is hired at Tin Pan Alley by the publisher Remick as a pianist -demonstrator until 1917. In the meantime, he began to compose and, in 1918, obtained his first contract with Harms. Between 1915 and 1926, he will make over one hundred piano rolls. In 1919 he made his first complete score La, La, Lucille. Starting in 1920, he participated in five George's White's Scandals annually. In those years, he was the first "tuba" with Swanee, recorded by Al Johnson.
He became famous in 1924 when Paul Whiteman orders him the Rhapsody In Blue, which will be created at Aeolian Hall on 12 February. Since then, he has made numerous successful shows on Broadway and London and composes for films (including Shall We Dance and A Damsel In Distress with Fred Astaire). Even after his death, the cinema will continue to use his music. He does several things at once, but he continues to write songs for Broadway despite his growing success as a conductor, pianist, and classical music composer. At the peak of his career, he died of a brain tumor. His main concert works, all inspired by American black music, are Rhapsody In Blue (1924), orchestrated by Paul Whiteman's arranger, Ferde Grofé, the Concerto In Fa (1925), An American In Paris (1928), and the opera Porgy And Bess (1935). George Gershwin, without a doubt, is the best known American composer in the world. Among the authors of standards such as Richard Rodgers, Cloe Porter, Irving Berlin, Harry Warren, Jerome Kern, or Harold Arden, which are the most played by jazz players, Gershwin is second after Rodgers but precedes him in popularity. If Gershwin loved jazz and was casually inspired by it, jazz musicians, in turn, borrowed an excellent thirty of his songs. Among the most played in jazz: The Man I Love, Oh Lady Be Good, Somebody Loves Me, Someone To Watch Over Me, 'S Wonderful, Liza, But Not For Me, Embraceable You, I Got Rhythm, Summertime, Nice Work If You Can Get It, Love Is Here To Stay. The harmonic structure of I Got Rhythm served as a basis in the 1930s and 1940s for numerous pieces composed by jazz musicians: Lester Leaps In, Anthropology, Salt Peanuts, to name only the most famous. [Ph.B.] 
Clarinettista, sassofonista, flautista e bassista statunitense (Springfield, Ohio, 25.9.1902 – Las Vegas, Nevada, 3.12.1991). Inizia a soli sei anni lo studio del pianoforte. Durante la sua permanenza come allievo alla Wilberforce University prende familiarità con altri strumenti.
A New York nel 1919, accompagna diversi artisti prima di partire in tournée con Mamie Smith e quindi con Ethel Waters agli inizi degli anni ’20. Scritturato da Sam Wooding nel 1925, va in Europa con lui. Lascia l’orchestra nel 1928 per suonare nella rivista Keep Shufflin’. Lavora in seguito con Johnny Dunn, Otto Hardwick (1931), Fess Williams (1933), Fletcher Henderson (1935), Cab Calloway (1936-37) e Chick Webb. Alla morte di quest’ultimo, per un certo periodo, suona con quei musicisti che hanno fatto di Ella Fitzgerald il loro nuovo leader. Successivamente lavora con Eddie Mallory e Edgard Hayes. A Filadelfia prende la direzione di un sestetto. Dal 1933 al 1944 dirige una sua orchestra, prima a New York e successivamente in California. Ritorna a Chicago e a New York negli anni ’50. È scritturato da Wilbur DeParis nel 1955 e partecipa nel 1960 al festival di Antibes. Garvin Bushell lascia Parigi nel 1964. Suona nuovamente con Cab Calloway (1966), dopo di che si stabilisce a Portorico nel 1967 e si dedica all’insegnamento. Clarinettista della tradizione New Orleans, durante le sue esibizioni Garvin Bushell suona con grande agilità e mordente. Lo si preferirà a questo strumento piuttosto che al sax alto oppure al fagotto, anche se è stato il primo, a partire dal 1928, a tentare di fare jazz con il fagotto. [A.C.]
American clarinetist, saxophonist, flutist, and bassist (Springfield, Ohio, 25.9.1902 - Las Vegas, Nevada, 3.12.1991). He began studying the piano at the age of six. During his time as a student at Wilberforce University, he becomes familiar with other instruments.
In New York in 1919, he accompanied several artists before leaving on tour with Mamie Smith and then with Ethel Waters in the early 1920s. Written by Sam Wooding in 1925, it goes to Europe with him. He left the orchestra in 1928 to play in Keep Shufflin' show. He later worked with Johnny Dunn, Otto Hardwick (1931), Fess Williams (1933), Fletcher Henderson (1935), Cab Calloway (1936-37), and Chick Webb. After the latter's death, he played with those musicians who made Ella Fitzgerald their new leader for a while. He later works with Eddie Mallory and Edgard Hayes. In Philadelphia, he takes the direction of a sextet. From 1933 to 1944, he conducted his orchestra, first in New York and later in California. Returns to Chicago and New York in the 1950s. He was hired by Wilbur DeParis in 1955 and took part in the Antibes festival in 1960. Garvin Bushell left Paris in 1964. He plays again with Cab Calloway (1966), after which he settles in Puerto Rico in 1967 and devotes himself to teaching. Clarinetist of the New Orleans tradition, Garvin Bushell plays with great agility and bite during his performances. We prefer him to this instrument rather than the alto sax or the bassoon. Even if it was the first, in 1928, to attempt jazz with the bassoon. [A.C.] 
Cantante statunitense (Detroit, Michigan, 24.9.1913 – Los Angeles, California, 24.5.2014). Debutta nel 1932, canta con Erskine Tate nella grande orchestra di Earl Hines che si esibisce al Grand Terrace (1934), presso Blanche Calloway e gira dei film western in ruoli di cow-boy cantante (soprannominato <<The Bronze Buckaroo>>) prima di essere notato da Duke Ellington, che lo ingaggia nel 1940 per dividere con Ivie Anderson gli interventi vocali nella sua orchestra. Conoscerà la notorietà con l’incisione di Flamingo (con Duke Ellington, 1940). Dopo il 1942, la sua carriera proseguirà soprattutto sulla West Coast come solista fino agli anni ’70.
La sua voce è bella ma, cantante com’è di ballads leziose, aggiustatore di languidezze fra innamorati, Herb Jeffries non intrattiene rapporti molto stretti con il jazz. Ha spesso registrato anche pezzi country. Un buckaroo è un cowboy del Nord o della West Coast statunitense, deriva dalla parola spagnola <<vaquero>> [N.d.R.] [A.C.]
American singer (Detroit, Michigan, 24.9.1913 - Los Angeles, California, 24.5.2014). He made his debut in 1932, sang with Erskine Tate in the great orchestra of Earl Hines who performed at the Grand Terrace (1934), at Blanche Calloway, and made western films in the roles of cowboy singer (nicknamed << The Bronze Buckaroo >>) before to be noticed by Duke Ellington. The latter hired him in 1940 to share vocal interventions with Ivie Anderson in his orchestra. He will become famous with the Flamingo engraving (with Duke Ellington, 1940). After 1942, his career continued mainly on the West Coast as a soloist until the 1970s.
His voice is beautiful, but, as he is a cute ballad singer, a fixer of languidness between lovers, Herb Jeffries does not have very close jazz relations. He has also often recorded country pieces. A buckaroo is a cowboy from the North or West Coast of the United States, derived from the Spanish word <<vaquero>> [E.N.] [A.C.] 
Batterista, pianista, cantante e direttore d’orchestra statunitense (Youngstown, Ohio, 23.9.1905 – Cincinnati, Ohio, 26.11.1958). Studia psicologia alla Wilberforce University, poi passa alle percussioni. Suona la batteria in varie orchestre locali, quindi inizia una carriera di cantante, in particolare con i Collegians di Horace Henderson.
Alla fine degli anni ’20 si reca a New York dove, qualche anno dopo, lo troviamo al Savoy fra i Savoy Bearcats di Duncan Myers, con gli Alabamians di Marion Hardy, la Mills Blue Rhythm Band (1932) e l’orchestra di Luis Russell. Nel 1934 organizza il proprio gruppo che si esibirà per vent’anni con grande successo accanto a ballerini attraverso gli Stati Uniti, incidendo a partire dal 1944 un imponente numero di dischi, molti dei quali con eccezionale esito commerciale. Nel 1945 l’orchestra effettua una tournée in Giappone. La moda del rhythm and blues negli anni ’50 accresce la notorietà di Tiny Bradshaw, che vi trova il terreno ideale per esprimere swing e vitalità, spesso con ironia, grazie a una sezione di ottoni violenti, a sassofonisti dalle caratteristiche esasperate – Red Prysock (The Train Kept A Rollin’, 1951), Rufus Gore (I’m Going To Have Myself A Ball, 1950), Noble Watts (Cat Fruit, 1954) – e a una ritmica senza debolezza. La sua orchestra fu un trampolino per molti giovani musicisti: Nelson Williams, Little Belly Harris, Sonny Stitt, Bill Hardman che erano alle prime armi. [A.C.]
American drummer, pianist, singer, and conductor (Youngstown, Ohio, 23.9.1905 - Cincinnati, Ohio, 26.11.1958). He studies psychology at Wilberforce University, then moves on to percussion. He plays drums in various local orchestras, then begins a singing career, most notably with Horace Henderson's Collegians.
At the end of the 1920s, he went to New York, where, a few years later, we found him at the Savoy among Duncan Myers' Savoy Bearcats, with Marion Hardy's Alabamians, the Mills Blue Rhythm Band (1932), and Luis's orchestra. Russell. In 1934 he organized his group that would perform for twenty years with great success alongside dancers across the United States, recording an impressive number of records starting from 1944, many of which with exceptional commercial success. In 1945 the orchestra made a tour in Japan. The fashion of rhythm and blues in the 50s increases the notoriety of Tiny Bradshaw, who finds there the ideal ground to express swing and vitality. Often with irony, thanks to a violent brass section, to saxophonists with exasperated characteristics - Red Prysock (The Train Kept A Rollin', 1951), Rufus Gore (I'm Going To Have Myself A Ball, 1950), Noble Watts (Cat Fruit, 1954) - and a rhythm with no weakness. His orchestra was a springboard for many young musicians: Nelson Williams, Little Belly Harris, Sonny Stitt, Bill Hardman, who were beginners. [A.C.] 
Clarinettista, direttore d’orchestra e attore comico statunitense (Charlotte, North Carolina, 22.9.1891 – Chicago, Illinois, 1937). Figlio adottivo dell’attore comico Bert Williams, comincia una carriera teatrale e partecipa a numerose tournée di vaudeville. Dal 1923 al 1926, registra per la Okeh sotto il nome di Harlem Trio o McClennon And His Jazz Devils. Muore di tubercolosi.
Non possedendo né la moderazione di un Johnny Dodds, né l’eleganza di un Barney Bigard, George McClennon appartiene piuttosto alla schiera dei clarinettisti di colore anticonformisti (Wilbur Sweatman, Wilton Crawley, Bob Fuller). [I.D.]
American clarinetist, conductor, and comedian (Charlotte, North Carolina, 22.9.1891 - Chicago, Illinois, 1937). Adopted son of comedian Bert Williams, he began a theatrical career and participated in numerous vaudeville tours. From 1923 to 1926, he recorded for Okeh under the name of Harlem Trio or McClennon And His Jazz Devils. He dies of tuberculosis.
Having neither the restraint of a Johnny Dodds nor the elegance of a Barney Bigard, George McClennon belongs instead to nonconformist black clarinetists (Wilbur Sweatman, Wilton Crawley, Bob Fuller). [I.D.] 
Retouched Louisiana State Museum Digital Library Image
Batterista, contrabbassista e direttore d’orchestra statunitense (New Orleans, Louisiana, 21.9.1873 – 1.6.1966). Ancora bambino suona la batteria e il basso tuba. Verso il 1890 fonda un’orchestra di ragtime, la Reliance Band, che riscuote un successo tale da indurlo a creare altri sette complessi da ballo che si esibiranno a New Orleans, contemporaneamente e con lo stesso nome.
Con lui, cominciarono a suonare molti dei musicisti destinati a divenire famosi, come Nick LaRocca. Papa Laine si ritira nel 1917 (prima che l’ODJB raggiunga la massima notorietà), per dirigere un’officina da fabbro. Successivamente farà il garagista. Personaggio leggendario, non abbiamo di lui nessuna testimonianza discografica. [J.P.D.]
American drummer, double bass player, and conductor (New Orleans, Louisiana, 21.9.1873 - 1.6.1966). While still a child, he plays drums and tuba bass. Around 1890 he founded a ragtime orchestra, the Reliance Band, which was so successful that it led him to create seven other dance ensembles that would perform in New Orleans simultaneously and with the same name.
Many of the musicians destined to become famous began to play with him, such as Nick LaRocca. Pope Laine retired in 1917 (before the ODJB reached maximum notoriety) to run a blacksmith's workshop. Later he will work as a garage owner. Legendary character, we have no record of him. [J.P.D.] 
Pianista e caporchestra statunitense (Chattanooga Tennessee, 19.9.1897 – Chicago, Illinois, 10.7.1972). Studia musica alla Roger-Williams University di Nashville e debutta professionalmente a Chicago, suonando nelle orchestre dei vaudeville e delle riviste, oppure accompagnando il numero di varietà del suo secondo marito e partner.
Agli inizi degli anni ’20 forma un piccolo gruppo, i Lovie Austin’s Blue Serenade, che accompagna per l’etichetta Paramount, molte cantanti di blues: da Ida Cox (1923) a Bertha Chippie Hill (1946) e Alberta Hunter (1961), passando per Ma Rainey, Ethel Waters, Edmonia Henderson, Viola Barlette cc. È stata a lungo direttrice musicale di vari teatri di Chicago, poi insegnante privata in un corso di danza. Pianista modesta e riservata (i suoi assolo sono rari e senza grande rilievo), Lovie Austin ha saputo abilmente circondarsi di musicisti di prim’ordine tra cui il più in vista fu Tommy Ladnier. Ma bisogna citare anche Jimmy O’Bryant, Buster Bailey, Charlie Green, Johnny Dodds, Joe Smith e Kaiser Marshall. [A.C.]
American pianist and orchestra leader (Chattanooga Tennessee, 19.9.1897 - Chicago, Illinois, 10.7.1972). She studied music at Roger-Williams University in Nashville and made her professional debut in Chicago, playing in vaudeville and revues orchestras, or accompanying the variety number of her second husband and partner.
In the early 1920s, he forms a small group, Lovie Austin's Blue Serenade, which accompanies many blues singers on the Paramount label: from Ida Cox (1923) to Bertha Chippie Hill (1946) and Alberta Hunter (1961), passing through Ma Rainey, Ethel Waters, Edmonia Henderson, Viola Barlette cc. For a long time, she was the music director of various Chicago theaters, then a private teacher in a dance class. Modest and reserved pianist (his solos are rare and of no great importance), Lovie Austin has skillfully surrounded himself with first-rate musicians, among which the most prominent was Tommy Ladnier. But we must also mention Jimmy O'Bryant, Buster Bailey, Charlie Green, Johnny Dodds, Joe Smith, and Kaiser Marshall. [A.T.] |
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