Pianista, vibrafonista e arrangiatore statunitense (Hopkinsville, Kentucky, 31.8.1900 – Flint, Michigan, 4.6.1965). Studia il piano dal 1915 al 1917 alla scuola di musica di Springfield nell’Ohio, poi armonia e composizione al conservatorio di Erie (Pennsylvania). Nel 1921 forma, con il sassofonista Milton Senior e il batterista William McKinney, il Synco Trio che sarà il nucleo dell’orchestra dei McKinney’s Cotton Pickers, di cui farà parte fino al 1934.

Stabilitosi poi a Detroit, suona con delle formazioni locali e, da solista, anima la rivista Blues In The Night (1941) e lavora nell’industria automobilistica. Dopo aver formato il suo gruppo (1946), registra da solista o con cantanti come Wynonie Harris (Lovin’ Machine, 1951) o LaVern Baker (Pig Latin Blues, 1952) alcuni dischi che gli assicurano una grande popolarità. Smette praticamente ogni attività musicale alla fine degli anni ’50.

Influenzato da James P. Johnson, Todd Rhodes si mostra, con i McKinney’s Cotton Pickers, un pianista solido, capace di fornire un accompagnamento efficace. È un interprete eccellente di blues e di boogie-woogie.
​
[A. To.]

Trombonista, cantante e direttore d’orchestra statunitense (Vernon, Texas, 29.8.1905 – New Orleans, Louisiana, 15.1.1964). La sua famiglia conta numerosi musicisti: il padre suona la tromba, la madre il pianoforte, i due fratelli, Charles e Clois, saranno uno trombettista, l’altro batterista, la sorella Norma suonerà il piano jazz e classico. A cinque anni Jack impara il piano, poi s’interessa agli ottoni. Nel 1915 pratica il trombone.

Nel sud ascolta blues e spiritual cantati da neri, e questo influenzerà il suo stile in modo irreversibile. Dal 1920 al 1924 suona presso Peck Kelly e Willard Robinson, e nei tre anni successivi soprattutto presso Doc Ross. Incomincia a registrare con i complessi di Johnny Johnson (1927) e di Roger Wolfe Kahn (1928).

Nel giugno 1928 entra nell’orchestra di Ben Pollack, che lascia soltanto nel maggio 1933. Durante questi cinque anni, partecipa a tutte le sedute dell’orchestra, e a tante altre (talvolta organizzate da Irving Mills), in compagnia di Benny Goodman, Red Nichols, Louis Armstrong (1929), Eddie Condon.

Dopo un periodo passato a Chicago presso Eddie Sheasby e Wingy Manone (1933), entra nella grande orchestra di Paul Whiteman dove rimane per cinque anni (1933-38). A partire dal febbraio 1939 e fino al 1946, dirige una grande orchestra con la quale registra per la Columbia, la Decca e la Varsity. Teagarden è uno dei vincitori del referendum dei critici della rivista Esquire (1944), e a tale titolo partecipa al grande concerto del 18 gennaio, in compagnia di Louis Armstrong, Roy Eldridge, Coleman Hawkins, Art Tatum, Barney Bigard ecc.

Nel 1947 accompagna il suo idolo, Satchmo, per un certo numero di concerti e di registrazioni. Alla fine dell’anno, entra nella All Stars fondata di recente dal trombettista e vi rimane fino all’estate del 1951, partecipando a numerose tournée (compresa l’Europa) di questo complesso, che offre una formula ancora vivissima del jazz tradizionale.

In seguito, nonostante la fatica provocata dagli spostamenti, forma diverse orchestre (di cui una con Earl Hines, nel 1957), alla direzione delle quali egli si reca anche in Asia (1958-59). Durante una permanenza a New Orleans muore per una crisi cardiaca.

Jack Teagarden ha partecipato a diversi film: Me And The Boys (1929), Thanks A Million (1935, con P. Witheman), Birth Of The Blues (1941, con Bing Crosby), The Strip (1951), Glory Alley (1952, con L. Armstrong).

Jack Teagarden fa parte di quel gruppo di musicisti (Jimmy Harrison, J.C. Higginbotham, Joe Nanton, Dickie Wells fra i neri; Miff Mole, Bill Rank, Tommy Dorsey fra I bianchi) che hanno enormemente esteso il ruolo del trombone, per farne uno strumento solista a tutti i titoli e non più soltanto di accompagnamento. Avendo perfettamente assimilato lo spirito del blues, inventando una tecnica, elaborando una sonorità ampia e raffinata riconoscibile fra tante, egli utilizza bicchieri di vetro come sordine.

Grande improvvisatore, meravigliosamente rilassato, capace di tirar fuori dal suo strumento suoni poderosi e pastosi, a suo agio su qualsiasi tempo, Jack Teagarden è uno dei grandi rappresentanti del trombone classico. Per Armstrong è stato un collaboratore altrettanto ideale, o quasi, quanto Earl Hines.

Jack ha inoltre ricalcato il suo canto sul suo stile di trombone. Crooner dalla voce vellutata, canta in modo molto sensuale, con l’accento del Texas.
​
[I.D.]

Pianista statunitense (Garfield, New Jersey, 28.8.1921 – Flushing, New York, 23.9.1985). Bunny Berigan gli procura a diciassette anni il suo primo contratto, al quale seguiranno vari soggiorni presso Teddy Powell, Vaughan Monroe, Charlie Spivak, prima che Woody Herman gli conceda la propria fiducia e gli offra la tastiera ormai vacante dopo la partenza di Ralph Burns. E così partecipa alla prima di Ebony Concerto (marzo 1946).

Lasciato Herman, per tre anni si dedica all’insegnamento presso il conservatorio di New York, poi riprende il suo posto nelle orchestre specializzate nelle trasmissioni radio e negli studi di registrazione, sollecitato da Chubby Jackson che lo prega più volte di incidere.

Il suo stile lineare e volubile e la sua ottima tecnica strumentale ci fanno spesso pensare allo spirito di Lennie Tristano.
​
[A.C.]

Sassofonista, clarinettista e compositore statunitense (Woodville, Mississippi, 27.8.1909 – New York, 15.3.1959).

​Trascorre l’infanzia a New Orleans, poi nel 1920 suona la batteria nell’orchestra del padre, Willis Handy Young, a Minneapolis. In questa orchestrina familiare che esegue musiche per gli spettacoli (Minstrel Show), impara a suonare la tromba, il sassofono e il violino. Nel 1928 abbandona l’alto per suonare il tenore con i Bostonians di Art Bronson.

Di temperamento volubile, lavora in seguito con Frank Hines, Eugene Schuck (1931), i Blue Devils (1932), Bennie Moten, Clarence Love e King Oliver (1933), Fletcher Henderson, Andy Kirk, Boyd Atkins (1934-35). Nel 1936 viene ingaggiato nella big band di Count Basie che suona al Reno Club di Kansas City, dove si gioverà di una situazione particolarmente favorevole grazie alla qualità della sezione ritmica (composta da Jo Jones, Freddie Green e Walter Page) e all’alto livello degli altri solisti, in particolare il tenore Herschel Evans.

È anche l’epoca in cui stringe amicizia con Billie Holiday e Teddy Wilson e partecipa con loro ad alcune sedute di registrazione. È Billie che gli dà il soprannome di <<Prez>>, il presidente. Partecipa anche ai concerti From Spirituals To Swing (1938), organizzati da John Hammond.

Lasciato Basie nel dicembre 1940, mette insieme una piccola formazione che suona al Kelly’s Stables di New York insieme a Clyde Hart, poi si trasferisce in California insieme al fratello, il batterista Lee Young, per un ingaggio al Billy Berg’s di Los Angeles dove si unisce a Slim Gaillard e Slam Stewart, prima di entrare a far parte della formazione di Al Sears e di ritornare successivamente per un anno con Basie e Gillespie (1943-44).

Questo periodo è anche caratterizzato da una feconda attività di registrazione, purtroppo interrotta da una parentesi trascorsa nel carcere militare per insubordinazione e uso di stupefacenti. (1944-45). Tornato alla vita civile, Norman Granz, suo direttore artistico (1946-50), lo ingaggia per una tournée del Jazz At The Philharmonic.

Intensa continua ad essere la sua attività di incisione, pur agendo fondamentalmente come free lance nei principali club (Royal Roost, Birdland) e in tournée negli Stati Uniti e in Europa, dove approderà per la prima volta nel 1952. Vi tornerà regolarmente fino al suo ultimo ingaggio al Blue Note di Parigi nel febbraio 1959: pochi giorni dopo verrà stroncato da una crisi cardiaca conseguente all’abuso di alcol, all’hotel Alvin di New York.

Questo episodio ispirerà la sceneggiatura del film ‘Round Midnight (1986) in cui Dexter Gordon recita un personaggio che evoca la sorte di Lester Young e Bud Powell. È apparso in film e video: Jammin’ The Blues (Gjon Mili, Norman Granz, 1944) e The Sound Of Jazz (1957).

Lo stile di Lester Young differisce radicalmente da quello della scuola dei tenori degli anni ’30, rappresentati da Coleman Hawkins, che era ritenuto “insuperabile”. Questi musicisti praticavano un suono ricco, caldo e potente, appoggiando le loro improvvisazioni sui tempi della battuta e aggiungendo parafrasi intese ad abbellire il tema. Seguendo l’insegnamento del sassofonista alto Frankie Trumbauer e del tenore Bud Freeman, Lester si è mosso in direzione opposta.

Il suo stile è caratterizzato da:

1. un suono poco marcato, un vibrato discreto e il ricorso a una diteggiatura alternata al fine di ottenere sonorità diverse della stessa nota nel corso dell’assolo;
2. l’annullamento delle differenze fra i tempi forti e i tempi deboli all’interno della battuta, una nuova pulsione ritmica ottenuta mediante appoggiature e scavalcamento dei limiti delle battute;
3. un fraseggio melodico <<liberato dalla tirannia dell’accordo e che non vuole più essere solo una proiezione delle armonie di base ma un’entità orizzontale autonoma>> (André Hodeir).

Questa rivoluzione nella pratica del tenore si attua tra il 1936 e il 1946, dieci anni in cui il jazz subisce un’evoluzione continua. L’apporto di Lester è fondamentale. È il padre del jazz degli anni ’50, l’ispiratore dello stile cool che si diffonde sulla West Coast in opposizione al bebop newyorkese, ma anche un esempio per gli hard bopper e, conseguentemente, un modello estetico che né Rollins né Coltrane potranno ignorare.

Lester resta comunque unico per quel suo distacco perfettamente controllato in contrasto con la frenesia e la trance. Per lui una nota ritardata, un minimo spostamento all’interno della battuta, autentica “danza intellettuale”, un’inflessione nostalgica, avevano la stessa efficacia del delirio della sezione di trombe dell’orchestra di Hampton o dell’ansimare di Coleman Hawkins. In breve, è colui che riassume in un soffio cinquant’anni di una musica tesa a esprimere il desiderio e la passione.

Di lui ci restano anche alcune, purtroppo scarse, esibizioni al clarinetto (Blue And Sentimental, con Basie; I Want A Little Girl, con i Kansas City Six, 1938), che costituiscono un’ulteriore articolazione particolarmente originale delle sue concezioni rispetto al sassofono tenore. Ha esercitato un profondo influsso su un gran numero di sassofonisti: Paul Quinichette, Dexter Gordon, Wardell Gray, Gene Ammons, Zoot Sims, Al Chon, Lee Konitz, Art Pepper.
​
Fra le sue composizioni, quelle eseguite più frequentemente, sono Jumpin’ With Symphony Sid, Lester Leaps In e  Tickle Toe. Dave Pell, con il gruppo Prez Conference, ha voluto affrontare l’impresa di armonizzare per un’intera sezione di sassofoni gli asolo di Lester.

Da leggere: Lester Young (Lewis Porter, 1985), Lester Young, Profession: Président (Luc Delannoy, 1987).
​
[F.T.]

Cantante e pianista statunitense (Oklahoma City, Oklahoma, 26.8.1901 – New York, 8.6.1972). Nato in una famiglia di musicisti – il padre trombettista, la madre e i fratelli cantanti – studia il pianoforte e il canto. Debutta in California, con Jelly Roll Morton, Paul Howard, Harvey Brooks (1925-27).

Fa parte dei Blue Devils di Walter Page (1927-28), dell’orchestra di Bennie Moten (1929-35) e viene ingaggiato da Count Basie (1935-50), pur registrando con Benny Goodman, Bob Crosby, Johnny Otis. Forma il suo gruppo; compie parecchie tournée in Europa con Humphrey Lyttelton (1952), Buck Clayton (1959), ritorna a più riprese nell’orchestra di Basie.

Viene poi ingaggiato da Benny Goodman, Harry James (1961) e Eddie Condon (1964) per una tournée in Giappone e in Australia. In seguito, diventa un habitué del club Half Note, accompagnato da Al Cohn e Zoot Sims. Muore per postumi di una leucemia.

Una voce da tenore elastica e calda, un feeling eccezionale, uno straordinario senso dello swing permettono a Jimmy Rushing di affrontare tanto il blues tradizionale quanto ogni tipo di melodia. Soprannominato<<Mr. Five By Five>> per la sua corpulenza (e la sua bassa statura), resta, prima di tutto un eccezionale blues shouter. La sua apparizione nell’orchestra di Count Basie negli anni ’30  e ’40 contribuisce a fare di questo periodo l’età d’oro dell’orchestra.
​
[M.L.]

Contrabbassista statunitense (New York, 25.8.1920 – 24.1.2009). Studia il piano, poi il contrabbasso al liceo e con insegnanti privati. Nel 1943 lavora al Monroe’s di Harlem con Duke Jordane Max Roach, poi con Dizzy Gillespie (1944), Eddie South, Charlie Shavers, Charlie Parker (1945-46), Don Byas (1946).

Si associa a Eddie Condon (1946-59), lavorando contemporaneamente come strumentista di studio. Ha partecipato a dischi di Stan Getz, Erroll Garner, J.J. Johnson (1949), Miles Davis (1953), Ruby Braff (1958), Roosvelt Sykes, Sunnyland Slim (1960), gli Staple Singers, Sidney DeParis (1962), Lightnin’ Hopkins (1964), Illinois Jacquet (1965) ecc. Alla fine degli anni ’70 partecipa a varie tournée in Europa, in particolare con Oliver Jackson.

L’elenco dei suoi “datori di lavoro” esprime di per sé il suo ecclettismo: dal blues arcaico al bebop passando per il dixieland e, addirittura, per l’accompagnamento di cantanti gospel o di ballerini di tip tap; nulla di ciò che concerne la musica nera americana gli è estraneo.
​
[P.C.]

Pianista, direttore d’orchestra, compositore e arrangiatore statunitense (Alexandria, Virginia, 24.8.1903 - New York, 19.2.1984).
​
​Comincia a suonare il piano a sette anni e compie studi musicali al conservatorio di Washington. Laureato alla Howard University, debutta come professionista ad Atlantic City, nell’estate del 1924, con una propria formazione; trasferitosi a New York fa parte dell’orchestra del clarinettista Wilbur Sweatman e poi forma un proprio gruppo.

Con la sua orchestra accompagna in Europa la Revue Negre e Josephine Baker (1925-26). Tornato a New York continua la sua carriera di direttore d’orchestra fino al 1942, suonando fra l’altro al Coconut Grove, al Savoy (1930), al Roseland Ballroom (1931-34) e al Cotton Club (1934-36). Dal 1937 al 1942 è per la maggior parte del tempo in tournée con l’orchestra.

Durante la guerra, nel 1943, lavora come ispettore della fabbrica di aerei Eastern Aircraft, nel New Jersey, pur non cessando di occuparsi di musica. Nel 1944 riforma la sua orchestra e suona in vari club di New York fino al 1946. Nel 1947 dirige un quintetto che poi diverrà un sestetto nel 1950.

A partire dal 1954 suona regolarmente con Henry Allen, alla fine degli anni ’50 con Herman Autrey, nel 1960 col clarinettista Sol Yaged. Dal 1960 al 1966 dirige piccole formazioni e dal 1967 al 1969 suona con i Jazz Giants di Wild Bill Davison. Negli anni ’70 si esibisce in numerosi festival e viene in Europa con Earle Warren e Dicky Wells.

Uomo d’orchestra, dirige una delle migliori formazioni dell’epoca swing, dal sound più vivace e dallo swing più nervoso, ancora vicina a Fats Waller e allo spirito hot. Con lui hanno suonato eccellenti solisti (fra i più stabili figurano Fernando Arbello, e Edmund Hall, Ma anche Vic Dickenson e Jabbo Smith). Il pianismo di Hopkins, leggero e limpidissimo, si rifà ai pianisti stride, in una parola melodioso ma sempre swingante.
​
[J.P.A.]

Pianista, organista e direttore d’orchestra statunitense (Red Bank, New Jersey, 21.8.1904 – Hollywood, Florida, 26.4.1984).

Suo padre era vetturino e sua madre, lavandaia, gli insegnerà il pianoforte. Adolescente, accompagna i film muti nei cinema di Red Bank. Nel 1924, a New York, frequenta Fats Waller, James P. Johnson, Willie The Lion Smith, Lucky Roberts. Primi ingaggi con Kattie Cripper e Gonzelle White per degli show itineranti del circuito TOBA. Di ritorno da Kansas City, fa parte dei Blues Davis di Walter Page, poi della grande orchestra di Bennie Moten (1929).

Dopo la morte di Moten (1935), riunisce qualche superstite del gruppo e altri musicisti (Buster Smith, Jack Washington, Lester Young, Herschel Evans, Jimmy Rushing) per suonare al Reno Club e viene ascoltato , grazie all’emittente W9XBY, da John Hammond, che gli procura i suoi primi ingaggi a Chicago (Grand Terrace Theatre), poi a New York (Roseland Ballroom). Il suo arrivo coincide con la voga dello swing, e presto l’orchestra si impone accanto a quelle di Benny Goodman e Duke Ellington. Dal 1936 al 1940 non cessa di suonare in tournée, sale da concerto o da ballo, grandi alberghi e ristoranti.

Il gruppo e relativamente stabile con Buck Clayton, Shad Collins, Harry Edison, Ed Lewis, Bobby Moore, Tatti Smith, Eddie Durham, Dan Minor, Bennie Morton, Dicky Wells, Chu Berry, Herschel Evans, Buddy Tate, Earl Warren, Jack Washington, Lester Young, Helen Humes, Jimmy Rushing, sostenuti dalla migliore sezione ritmica dell’epoca: Basie, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones. Gli arrangiamenti sono firmati da Buck Clayton, Fletcher Henderson, Eddie Durham, Herschel Evans, Andy Gibson, Skippy Martin, Jimmy Mundy, Don Redman, Buster Smith.

Dal 1940 al 1950 la formazione del gruppo varia più frequentemente a causa delle partenze per il servizio militare di qualche musicista e anche dalla moda delle piccole formazioni, più redditizie per i solisti rispetto al lavoro in sezione. Basie si adatta a questi mutamenti e fa sfilare nei suoi ranghi Emmett Berry, Buck Clayton, Shad Collins, Harry Edison, Al Killian, Joe Newman, Clark Terry, Gerald Wilson, Snooky Young, Ed Cuffee, Vic Dickenson, J.J. Johnson, George Matthews, Dicky Wells, Melba Liston, Jerry Blake, Don Byas, Paul Gonsalves, Wardell Gray, Coleman Hawkins, Illinois Jacquet, Jimmy Powell, Rudy Rutherford, Tab Smith, Buddy Tate, Lucky Thompson, Earle Warren.

Stessa instabilità nella sezione ritmica dove, accanto a Basie e a Green, troviamo ancora, nel corso degli anni: Rodney Richardson, Gene Wright, e Butch Ballard, Sidney Catlett, Kenny Clarke, Buddy Rich, Shadow Wilson. Hellen Humes, Taps Miller e Jimmy Rushing sono i vocalist più regolari dell’orchestra, che amplia il suo repertorio con gli arrangiamenti di Count Basie, Dudley Brooks, Buck Clayton, Freddie Green, Buster Harding, Jimmy Mundy, Don Redman, Tab Smith, Gerald Wilson, A.K. Salim.

Nel 1950, Basie dirige un setetto/ottetto di cui fanno parte Serge Chaloff, Buddy DeFranco, Wardell Gray, Gus Johnson, Jimmy Lewis, Buddy Rich, Charlie Rouse, Marshall Royal, Rudy Rutheford, Clark Terry, Freddie Green.

Grazie a Norman Granz, la big band prende un nuovo avvio nel 1952. Basie ingaggia Wendell Culley, Renauld Jones, Thad Jones, Joe Newman, Charlie Shavers, Joe Wilder, Henry Coker, Bill Hughes, Bennie Powell, Eddie Davis, Frank Foster, Charlie Fowlkes, Paul Quinichette, Marshall Royal, Ben Webster, Frank Wess, Ernie Wilkins, Eddie Jones, Jimmy Lewis, Gene Ramey, Gus Johnson, Sonny Payne, e sempre Freddie Green.
Gli arrangiamenti sono firmati Eric Dixon, Frank Foster, Buster Harding, Neal Hefti, Thad Jones, Johnny Mandel, Jimmy Mundy, Sy Oliver, Nat Pierce, A.K. Salim, Frank Wess, Ernie Wilkins.

La popolarità di Every Day cantata da Joe Williams rimette Basie saldamente in sella. La sua prima tournée europea ha luogo nel 1954, anno in cui suona, in marzo, alla Salle Pleyel di Parigi. Estenderà poi i suoi viaggi a tutti i paesi del mondo occidentale, come anche al Giappone e all’America meridionale, e animerà regolarmente le crociere della Queen Elisabeth.

Dal 1956 al 1964, i solisti occupano ancora un posto importante nella sua opera: Al Aarons, Sonny Cohn, Wendell Culley, Harry Edison, Thad Jones, Joe Newman, Snooky Young, Henry Coker, Al Grey, Quentin Jackson, Benny Powell, Eric Dixson, Frank Foster, Charlie Foelkes, Bill Graham, Budd Johnson, Billy Mitchell, Marshall Royal, Frank Wess.
Per la sezione ritmica – accanto a Freddie Green e Sonny Payne – Eddie Jones, Ike Isaacs, Art Davis, Buddy Catlett si succedono al basso. Irene Reid, O.C. Smith, Leon Thomas, Joe Williams eseguono le parti cantate.

Gli arrangiamenti di questo periodo sono affidati soprattutto a Billy Byers, Benny Carter, Eric Dixon, Neal Hefti, Quincy Jones, Sam Nestico, Chico O’Farrill, Lalo Schifrin.

Dal 1964 al 1984, l’orchestra, accanto a quella di Ellington,  un’istituzione. Libero ormai da preoccupazioni commerciali, Basie si preoccupa più del lavoro delle sezioni che della celebrità dei solisti. Figureranno nelle fila della formazione, più o meno a lungo: Al Aarons, Lyn Biviano, Ray Brown, Sonny Cohn, Willie Cook, Wallace Davenport, Harry Edison, John Faddis, Phil Guilbeau, Thad Jones, Pete Minger, Richard Boone, Curtis Fuller, Al Grey, Bill Hughes, Grover Mitchell, Buddy Morrow, Dennis Wilson, Booty Wood, Marshall Royale, Bobby Plater divenuto direttore musicale in sostituzione di Marshall Royale, Eddie Davis, Eric Dixon, Jerry Dodgion, Jimmy Forrest, Charlie Fowlkes, Kenny Hing, Hubert Laws, Cecil Payne, Curtis Peagler, Danny Turner, Johnny Williams, Chris Woods. Accanto all’inamovibile Freddie Green, si succedono John Clayton, John Duke, Cleveland Eaton, Norman Keenan, Al Lucas, Gregg Fields, Harold Jones, Rufus Jones, Dennis Mackrel, Butch Miles.

Gli arrangiamenti sono firmati Benny Carter, Eric Dixon, Bill Holman, Oliver Nelson, Chico O’Farrill e soprattutto Sam Nestico. Il nuovo repertorio è sempre infarcito di vecchi successi come One O’Clock Jump (la sigla dell’orchestra) e Jumpin’ At The Woodside.

Durante lo stesso periodo, l’orchestra ha accompagnato in concerti o in dischi i vocalist Tony Bennett, Theresa Brewer, Bing Crosby, Sammy Davis Jr., Billy Eckstine, Ella Fitzgerald, i Mills Brothers, Frank Sinatra, Kay Starr, Joe Turner, Sarah Vaughan, Eddie Vinson, Jackie Wilson, mentre Count basie registrava in piccola formazione con, tra gli altri, Roy Eldridge, Dizzy Gillespie, Milt Jackson, Oscar Peterson, Zoot Sims, Clark Terry, partecipando anche al festival di Montreux in jam session.

L’insieme della carriera del <<Kid From Red Bank>> è situato sotto il segno dello swing, se si fa eccezione per qualche raro pezzo minore in cui si sacrifica alla moda, in particolare per la scelta di vocalist dall’effimera notorietà. Un leader rigoroso che sceglie degli arrangiamenti accuratamente selezionati, degli eccellenti solisti (soprattutto fino al 1964), degli strumentisti irreprensibili: queste sono le ricette di Basie.

L’importante è innanzitutto mettere in moto, con la complicità di Freddie Green, il buon ritmo, quello che danza e fa danzare. Nutrito dalle radici della musica nera americana, ma sensibile alle sollecitazioni dello show business, Basie ha tradotto innanzitutto il blues, le melodie di Broadway, gli standard e temi originali grazie alle tecniche strumentali moderne per esaltare le risorse della grande orchestra (da quattordici a sedici musicisti). Gli uomini sono cambiati, la forma un po’ alla volta si è evoluta, lo spirito è rimasto, quello di Kansas City, la città del jazz dove si amava soprattutto il sassofono tenore, strumento privilegiato nella sua orchestra. È lui d’altronde a portare in scena, sin dal 1936, il duello (chase) tra due solisti differenti (Young ed Evans).

Gli arrangiamenti sono scelti per favorire lo swing di massa: gli ottoni e le ance incrociano le loro voci per far salire la tensione raccontando una storia con un inizio, uno sviluppo e una conclusione. Gli assolo si incastrano nell’orchestrazione arricchendola, creando così la suspense. L’equilibrio fra le sezioni sta nella scelta dei timbri e nel controllo dei volumi sonori. La precisione esecutiva è spinta alla perfezione, ma mai a detrimento della naturalezza.

Dal 1936 al 1941, il riff, scaturito da una complicità non scritta, poteva a volte bastare all’inquadramento degli assolo, ma molto presto Basie pretese una maggiore sapienza nella cesellatura dei motivi orchestrali, e durante gli ultimi anni il solista avrà soprattutto la funzione di far risalire l’esecuzione d’assieme.

Lo stesso vale per la parte della batteria, che si sviluppa come una punteggiatura dosata con vigore, condimento indispensabile allo swing d’insieme la cui trama i base è affidata al bassista e al chitarrista. Basie è sempre presente al piano, accompagnatore/sorvegliante e solista magistrale dall’esecuzione stringata, sobria, convincente, che si diverte ogni tanto a evocare lo stride dell’Harlem degli anni ’20 e ’30 o il boogie-woogie.

Allorché una crisi cardiaca obbliga Basie – dall’agosto 1976 al gennaio 1977 – a prendersi un periodo di riposo, Clark Terry, Joe Williams o Nat Pierce lo sostituiscono. Dopo la sua morte, nel 1984, Thad Jones, poi Frank Foster, hanno tentato di conservare la grande tradizione orchestrale di colui che fu, per quasi mezzo secolo, il più sincero dei leader di grandi formazioni e, in ogni caso, il più esemplare sulla lunga durata.
​
[F.T.]

Batterista e cantante statunitense (Little Washington, North Carolina, 20.8.1900 – New York, 3.11.1992). Comincia a suonare la batteria a dodici anni. Fino al 1927 lavora soprattutto con le riviste itineranti.

Soggiorna per qualche tempo a St Louis, dove suona con Charlie Creath (1927), forma un’orchestra a Detroit, va a New York presso Wilbur Sweatman (1928-31), fa qualche tournée con King Oliver (1931-32), forma il suo trio (con Pete Brown e Don Frye, 1933-37), con il quale si produce soprattutto a New York. Lo ritroviamo per breve tempo con John Kirby, poi con Lem Johnson.

A partire dalla metà degli anni ’40 suona regolarmente con Art Hodes, Sidney Bechet (1945 e 1947), Wilbur DeParis (1948, 1952-54), Bob Wilber (1948), il trombonista Conrad Janis (1951). Si imbarca per l’Europa con Mezz Mezzrow (1954-55). Vi tornerà con Sammy Price (1955).

A New York continua a prodursi con varie formazioni come quella di Tony Parenti (1968-70) e con Roy Eldridge al Jimmy Ryans’s (1971).

Freddie Moore è un batterista robusto, fortemente ispirato alla scuola di New Orleans, che ottenne una piccola popolarità grazie ai suoi assolo di washboard.
​
[J.P.D.]

Trombettista, chitarrista e arrangiatore statunitense (San Marcos, Texas, 19.8.1906 – New York, 6.3.1987).

​Suo padre è violinista e i suoi sei fratelli suonano tutti uno strumento: comincia molto presto a suonare il trombone (di cui sarà un lodevole specialista) e la chitarra. Nel 1921 dirige la Durham Brothers Orchestra con suo fratello Allen (che farà parte dei gruppi di Andy Kirk e Lionel Hampton), si esibisce nelle orchestre di parata (101 Ranch Circus Band) con i Dixie Ramblers di Edgar Battle (1926-28), poi si unisce ai Gene Coy’s Happy Black Aces.

In seguito lavora con Cab Calloway, Jesse Stone, Walter Page (Blue Devils), Benny Moten (1929-33), Alphonso Trent, Andy Kirk, Willie Bryant, Jimmie Lunceford (1935-37), Harry James (1937) e Count Basie (1937-38). Nel 1940 forma un’orchestra, garantisce la direzione musicale dei Sweethearts Of Rhythm, poi si dedica soprattutto alla scrittura e all’orchestrazione per Glenn Miller (Slip Horn Jive, Glenn Island Special, Wham), Artie Shaw, Jan Savitt, Ina Ray Hutton, Lunceford (Pigeon Walk, Lunceford Special, Blues In The Groove, Avalon, Harlem Shout), e Basie (Topsy – una delle sue composizioni più celebri – Out The Window, Time Out) di cui amplierà considerevolmente il repertorio.

Dal 1945 esercita la sua attività a New York. Per un breve periodo dirige un’orchestra completamente femminile. Nel 1964 abbandona la musica per lavorare nel settore immobiliare, poi ritorna al jazz nel 1974. Da allora si esibisce soprattutto al Sunset Café nell’orchestra del trombettista Frank Williams, poi con Buddy Tate (1969). All’inizio degli anni ’80 e fino alla sua morte, fa parte della Harlem Blues And Jazz Band (con Al Casey e Eddie Chamblee).

Eddie Durham ha fatto parte anche dei Kansas City Five e Kansas City Six, dove ha affiancato Lester Young (1938). È stato uno dei primi ad utilizzare la chitarra amplificata elettricamente, e ne ha svelato le possibilità a Floyd Smith e Charlie Christian.

Lo stile di Eddie Durham è di una misura e di una concisione esemplare. Improvvisatore ispirato, traccia delle linee melodiche semplici, esenti da ogni virtuosismo gratuito, estremamente fluide, che suona con uno swing sostenuto e con una forza che gli deriva dall’uso esperto dell’amplificazione elettrica. Accompagnatore, il suo tempo immutabile e svelto, i suoi accordi ricchi e la sua pulsazione decisa assicurano efficacemente la coesione della sezione ritmica. Come il suo contemporaneo Oscar Aleman si serve a volte di una chitarra metallica Dobro non amplificata, la cui sonorità caratteristica può essere ascoltata in Hittin’ The Bottle.
​
[C.O.]