Chitarrista italiano (Milano, 29.1.1926). Un linguaggio espressivo, immediatamente riconoscibile, l’entusiasmo rimasto intatto negli anni, la voglia di inseguire sempre nuovi progetti caratterizzano la personalità di Franco Cerri, non soltanto il chitarrista italiano più popolare (e autorevole), ma anche uno degli stilisti più importanti del mondo jazzistico europeo, nel quale i grandi chitarristi non sono certo mancati. Di formazione totalmente autodidatta, Cerri è il classico esempio di artista che si costruisce una tecnica strumentale non in senso astratto ma sulla base delle proprie necessità espressive.
Cerri ha iniziato la sua lunga carriera nel 1945, al fianco di Gorni Kramer, e nel 1949 ha lavorato con Django Reinhardt, la sua prima, vera influenza chitarristica e alla quale seguirono quelle di Jimmy Raney e di Barney Kessel (Fondamentale) e poi quelle di Wes Montgomery e Jim Hall, che sono forse all’origine della scoperta di sonorità più morbide e pastose. Negli anni ’50 ha collaborato con i grandi maestri del jazz di passaggio in Italia: da Chet Baker a Gerry Mulligan, da Billie Holiday a Lee Konitz. I decenni successivi saranno caratterizzati da una intensa attività concertistica e dall’inizio della collaborazione con la televisione, che lo renderà artista popolare anche presso il grande pubblico, grazie ai programmi divulgativi ai quali hanno preso parte famosi jazzmen nazionali ed internazionali. Alla testa di quartetti e quintetti propri, nei quali figuravano anche nuovi talenti quali Gianluigi Trovesi e Tullio De Piscopo, negli anni ’70 Cerri ha cominciato a segnalarsi anche come raffinato arrangiatore. Nel 1980 inaugura un sodalizio con il pianista e compositore Enrico Intra, formando un quartetto. Negli ultimi anni si è proposto come organizzatore ed ha intensificato l’attività didattica in seno all’associazione culturale Musica Oggi (di cui, con Intra, è uno dei fondatori), che dirige i Civici Corsi di Jazz a Milano è ha al suo attivo molteplici rassegne concertistiche. Costituita da album pressoché irreperibili, la discografia di Franco Cerri non è così ben rappresentata come meriterebbe. Solo di recente sono apparse (poche) ristampe di alcuni suoi importanti lavori. [L.C.]
Italian guitarist (Milan, 29.1.1926). An expressive language, immediately recognizable, the enthusiasm that has remained intact over the years, the desire to always pursue new projects characterize Franco Cerri's personality. He is the most famous Italian guitarist (and authoritative) and one of the most influential stylists in European jazz music, in which great guitarists are certainly not lacking. Entirely self-taught, Cerri is the classic example of an artist who builds an instrumental technique, not in an abstract sense but based on his own expressive needs.
Cerri began his long career in 1945, alongside Gorni Kramer. In 1949 he worked with Django Reinhardt, his first real guitar influence, followed by Jimmy Raney and Barney Kessel (Fundamental) and then those by Wes Montgomery and Jim Hall, which are perhaps at the origin of the discovery of softer and mellow sounds. In the 1950s, he collaborated with the great jazz masters passing through Italy: from Chet Baker to Gerry Mulligan, from Billie Holiday to Lee Konitz. The following decades will be characterized by an intense concert activity and the beginning of a collaboration with television, which will make him a famous artist even with the general public, thanks to the popular programs in which famous national and international jazz musicians took part. At the head of his quartets and quintets, which also included new talents such as Gianluigi Trovesi and Tullio De Piscopo, in the 1970s, Cerri also began to distinguish himself as a refined arranger. In 1980 he inaugurated a partnership with the pianist and composer Enrico Intra, forming a quartet. In recent years he has proposed himself as an organizer and has intensified his teaching activity within the cultural association Musica Oggi (of which, with Intra, he is one of the founders). The association directs the Civici Corsi di Jazz a Milano and has at his active multiple concert reviews. Franco Cerri's discography is not as well represented as it deserves. Only recently have (a few) reprints of some of his essential works appeared. [A.C.] 
Clarinettista statunitense (New Orleans, Louisiana, 28.1.1885 – 20.8.1949), detto <<Big Eye>>. Impara a suonare la fisarmonica con suo padre, poi il violino, il contrabbasso e la chitarra, per optare alla fine per il clarinetto. Lorenzo Tio Sr. gli insegna i primi elementi dal 1904. L’anno dopo suona nell’Imperial Orchestra.
Figura anche nelle orchestre di parata principali di New Orleans: Golden Rule Orchestra (1904), Imperial Band (1907), Superior Orchestra (1910), Magnolia Band (1911), Eagle Band, prima di ripartire in tournée con l’Original Creole Orchestra di Freddie Keppard nel 1916. In capo a un anno ritorna a New Orleans per non lasciarla più, e si esibisce nelle sale da ballo e nei club, in particolare con il batterista John Robichaux, a varie riprese, tra il 1918 e il 1924, e con i trombettisti Willy Pajeaud (1925) e Sidney Desvignes. Dal 1939 al 1948 dirige un gruppo al Luthjen’s Bistro. Nell’ambito del New Orleans Revival fu invitato ad incidere con il trombettista Henry Kid Rena (1940) e in qualità di leader, qualche settimana prima della sua morte. I rari dischi che propongono l’ascolto di Louis Nelson non sono stati realizzati al momento della sua maturità e piena forma. Stando ai testimoni dell’epoca, la sua esecuzione al clarinetto era più incisiva, più sicura. La critica è unanime nel riconoscergli una certa influenza su molti clarinettisti, tra cui Jimmie Noone e Albert Nicholas. [A.C.]
American clarinetist (New Orleans, Louisiana, 28.1.1885 - 20.8.1949), known as << Big Eye >>. He learns to play the accordion with his father, then the violin, the double bass, and the guitar, eventually opting for the clarinet. Lorenzo Tio Sr. teaches him the first elements since 1904. The following year he plays in the Imperial Orchestra.
He also appears in the foremost parade orchestras of New Orleans: Golden Rule Orchestra (1904), Imperial Band (1907), Superior Orchestra (1910), Magnolia Band (1911), Eagle Band, before returning to tour with the Original Creole Orchestra by Freddie Keppard in 1916. After a year, he returned to New Orleans to never leave it and performed in dance halls and clubs, notably with drummer John Robichaux, at various times, between 1918 and 1924, and with trumpet players Willy Pajeaud. (1925) and Sidney Desvignes. From 1939 to 1948, he headed a group at Luthjen's Bistro. As part of the New Orleans Revival, he was invited to record with trumpeter Henry Kid Rena (1940) and as a leader a few weeks before his death. Unfortunately, we cannot listen to Louis Nelson when his maturity and full form. The rare recordings date back to the previous period. According to the witnesses of the time, his performance on the clarinet was more incisive, safer. Critics are unanimous in recognizing him as having some influence on many clarinetists, including Jimmie Noone and Albert Nicholas. [A.C.] 
Violinista, compositore e direttore d’orchestra statunitense (Washington, D.C., 27.1.1869 – New York, 19.7.1944). Verso la fine del XIX secolo, dopo l’abolizione dello schiavismo, sorge una borghesia nera ambiziosa che manda i suoi figli all’università. Figlio di genitori anch’essi laureati, Will Marion Cook a tredici anni segue i corsi dell’Oberlin Conservatory. A sedici parte per Berlino, entra alla Hochschule e segue i corsi di violino di Joseph Joachim.
Nel 1898, tornato in America, scrive la commedia musicale Clorindy, The Origin Of The Cake Walk, che trionfa a Broadway. Forte del suo successo, crea e produce molti altri musical tra cui, nel 1902 e nel 1907 rispettivamente, In Dahomey (Il ritorno in Africa) e In Bandana Land (La vita dei neri nel sud). Verso la fine del 1918, dopo essere stato direttore musicale del Clef Club con Tim Brymn, crea la New York Syncopated Orchestra (cinquanta musicisti) che poi diverrà la Southern Syncopated Orchestra e che trionferà a Londra nel 1919. In quell’occasione Sidney Bechet, interprete di Characteristic Blues, viene apprezzato da Giorgio V e da Ernest Ansermet, che scrive un articolo entusiasta sulla Revue Romande, primo approccio serio al nuovo fenomeno del jazz. Will Marion Cook rientra negli Stati Uniti, ma i suoi musicisti restano in Europa costituendo il nucleo di molte piccole orchestre che girano in Gran Bretagna, Francia, Germania: Arthur Briggs, Bobby Jones, Frank Withers, John Forrester, Salnave, Fred Coxito, Buddy Gilmore, Bert Marshall. Cook ha contribuito così a far conoscere in Europa il jazz dei neri statunitensi, quello di New York e quello del sud. Nello stesso periodo, sempre a Londra, la Original Dixieland Jazz Band si giovava dell’apporto di musicisti bianchi. [I.D.]
American violinist, composer, and conductor (Washington, D.C., 27.1.1869 - New York, 19.7.1944). Towards the end of the nineteenth century, after abolishing slavery, an ambitious black bourgeoisie arises and sends its children to university. The son of parents who are also graduates, Will Marion Cook, follows courses at the Oberlin Conservatory at thirteen. At sixteen, he left for Berlin, entered the Hochschule, and followed Joseph Joachim's violin courses.
In 1898, back in America, he wrote the musical comedy Clorindy, The Origin Of The Cake Walk, which triumphed on Broadway. Building on his success, he creates and produces many other musicals including, in 1902 and 1907, respectively, In Dahomey (The Return to Africa) and In Bandana Land (The Life of Blacks in the South). Towards the end of 1918, after being musical director of the Clef Club with Tim Brymn, he created the New York Syncopated Orchestra (fifty musicians), which later became the Southern Syncopated Orchestra, which triumphed in London in 1919. On that occasion, Sidney Bechet, interpreter of Characteristic Blues, is appreciated by Giorgio V and Ernest Ansermet, who writes an enthusiastic article on the Revue Romande, the first serious approach to the new jazz phenomenon. Will Marion Cook returns to the United States. Still, his musicians remain in Europe, forming the nucleus of many small orchestras that tour in Great Britain, France, Germany: Arthur Briggs, Bobby Jones, Frank Withers, John Forrester, Salnave, Fred Coxito, Buddy Gilmore, Bert Marshall. In this way, Cook contributed to making black American, New York, and Southern jazz known in Europe. In the same period, also in London, the Original Dixieland Jazz Band benefited from white musicians' contribution. [I.D.] 
Photo Courtesy Hogan Jazz Archive
Violinista, pianista e compositore francese di origine italiana (Parigi, 26.1.1908 – 1.12.1997). Orfano di madre all’età di quattro anni viene allevato dal padre che gli regala il suo primo violino, gli insegna il solfeggio e lo aiuta per i suoi primi ingaggi. Suona negli istituti privati poi in orchestre di cinema muto dove gli capita di sostituire il pianista assente.
Fa parte in seguito dell’orchestra Gregor et ses Grégoriens, sia come violinista, sia come pianista (1927-33). Scritturato al Claridge, incontra Django Reinhardt e fonda con lui il Quintette du Hot Club de France (1934). Trovandosi a Londra al momento della dichiarazione di guerra, rimarrà in Inghilterra fino alla Liberazione. Di ritorno in Francia, ricostituisce per un po’ il Quintette du Hot Club de France con Django Reinhardt (1946-47). Intraprende poi una carriera personale e visita ogni parte del mondo, senza eccezione, partecipando a tutti i grandi festival, fra cui Newport (1969) e Montreux (1973). Riscuote un trionfo alla Carnegie Hall di New York (1974). Fra altri partner abituali, si succederanno al suo fianco il pianista Marc Hemmeler, i chitarristi Marc Fosset e Martin Taylor, i contrabbassisti Patrice Caratini e Jack Sewing. Incide un gran numero di dischi, sia col proprio nome, sia in compagnia di qualche grande jazzista (Bill Coleman, Coleman Hawkins, Barney Kessel, Clark Terry, Earl Hines, Martial Solal, Hank Jones, Philip Catherine, Larry Coryell, Niels-Henning Ørsted Pedersen), e ovviamente con la maggior parte dei suoi colleghi violinisti di jazz (Eddie South, Stuff Smith, Joe Venuti, Jean-Luc Ponty, Didier Lockwood), e anche in duo con il violinista classico Yehudi Menuhin. Nel 1987-88 prosegue le incessanti tournée e moltiplica concerti e incontri, a Parigi, Londra, New York, per celebrare il suo ottantesimo compleanno. Da segnalare, nel 1990, un improbabile (sulla carta) ma riuscitissimo album in duo con McCoy Tyner e qualche anno dopo un altro, ugualmente riuscito, in quartetto con Michel Petrucciani. Stéphane Grappelli è un perfetto autodidatta. Secondo violino nelle orchestre di cinema, egli si perfezionava sul suo strumento studiando la tecnica del primo violino. Strimpellava <<come un cane che si getta in acqua>>, egli confessa. Allo stesso modo, in quell’epoca e a seconda degli ingaggi, gli è capitato di suonare il trombone, il sassofono o la fisarmonica. Educato fin dalla più tenera infanzia alla musica di Ravel e Debussy, di cui il padre era un fervente ammiratore e alla quale egli rimane sempre fedele, Stéphane Grappelli non “tortura” il violino come certi suoi colleghi. Egli mantiene allo strumento la sua specificità classica. Alla sua esecuzione lirica, romantica, tenera, costellata talvolta da qualche notazione zigana ereditata da Django Reinhardt, gli basterà, se si può dire, aggiungere lo swing essenziale, cosa di cui egli non si priva. Improvvisatore fuori dal comune, è un notevole esperto della parafrasi che gli fa trasfigurare, colorare il tema più insignificante, e, soprattutto, è uno dei jazzisti più eminenti e il migliore specialista del violino. [M.L.]
French violinist, pianist, and composer of Italian origin (Paris, 26.1.1908 - 1.12.1997). Orphaned by his mother at the age of four, he is raised by his father, who gives him his first violin, teaches him solfeggio, and helps him with his first engagements. He plays in private institutes and in silent film orchestras, where he replaces the absent pianist.
He later joined the Gregor et ses Grégoriens orchestra, both as a violinist and a pianist (1927-33). Written at Claridge's, he met Django Reinhardt and founded the Quintette du Hot Club de France (1934). Being in London at the time of the declaration of war, he will remain in England until the Liberation. In France, he reconstituted the Quintette du Hot Club de France for a while with Django Reinhardt (1946-47). He then embarks on a personal career and visits every part of the world, without exception, participating in all the great festivals, including Newport (1969) and Montreux (1973). He collects a triumph at Carnegie Hall in New York (1974). Among other regular partners, the pianist Marc Hemmeler, the guitarists Marc Fosset and Martin Taylor, the double bass players Patrice Caratini and Jack Sewing will succeed each other alongside him. He recorded a large number of records, both with his name and in the company of some great jazz players (Bill Coleman, Coleman Hawkins, Barney Kessel, Clark Terry, Earl Hines, Martial Solal, Hank Jones, Philip Catherine, Larry Coryell, Niels-Henning Ørsted Pedersen), and of course with most of his fellow jazz violinists (Eddie South, Stuff Smith, Joe Venuti, Jean-Luc Ponty, Didier Lockwood), and also in duo with classical violinist Yehudi Menuhin. In 1987-88 he continued his ongoing tours and multiplied concerts and meetings in Paris, London, New York to celebrate his eightieth birthday. In 1990, an unlikely (on paper) but very successful album in duo with McCoy Tyner and a few years later another, equally successful, in a quartet with Michel Petrucciani. Stéphane Grappelli is a perfect self-taught. The second violin in film orchestras, he perfected himself on his instrument by studying the first violin technique. He strummed "like a dog throwing itself into the water," he confesses. Similarly, at that time, and depending on his engagements, he happened to play the trombone, saxophone, or accordion. Educated from his earliest childhood to Ravel and Debussy's music, of which his father was a fervent admirer and to which he always remains faithful, Stéphane Grappelli does not "torture" the violin-like some of his colleagues. He keeps the instrument its classical specificity. To his lyrical, romantic, tender performance, sometimes studded with some gypsy notation inherited from Django Reinhardt, it will be enough for him, if one can say, to add the essential swing, which he does not deprive himself. An improviser out of the ordinary, he is a notable expert in paraphrasing, making him transfigure, color the most insignificant theme. Above all, he is one of the most eminent jazz players and the best violin specialist. [M.L.]  Photo Credit Bill Russell Contrabbassista statunitense (Saint James Parish, Louisiana, 25.1.1891 – Los Angeles, California, 29.10.1966). Impara a suonare il violino in tenera età prima di adottare il contrabbasso con cui suona, in particolar modo nell’orchestra di un famoso locale di New Orleans: il Tom Anderson’s Cabaret. Arriva a Chicago nel 1917, effettua varie tournée primai entrare nel 1922 nell’orchestra di Charlie Elgar. Dopo un breve soggiorno a Londra nel 1923, è scritturato da Wilbur Sweatman, poi in orchestre che accompagnano riviste (1926-27) prima di essere inserito nell’orchestra di Duke Ellington (1927-35), partecipando alla tournée europea del 1933. Successivamente si unisce a Jimmie Noone, quindi suona nell’orchestra di Kaiser Marshall prima di diventare uno degli Spirits Of Rhythm. Nel 1937 costituisce un proprio trio che si esibisce in seno ad altre formazioni: Hot Lips Page (1938), Edgard Hayes (1939), Sidney Bechet (1940-41), Al Sears (1943), Garvin Bushell (1944). Impegnato in attività extramusicali, ormai appare solo sporadicamente fino al 1956: riprende l’attività a tempo pieno con Kid Ory che lo porta in Europa per una tournée. Stabilitosi in California, suona in compagnia di Joe Darensbourg (1960). Vittima nel 1961 di disturbi cardiaci, deve rallentare la sua attività. Assieme a Pops Foster, Wellman Braud è il più rappresentativo contrabbassista dello stile di New Orleans. La base potente e tuttavia duttile, l’esecuzione i grande sobrietà che sottolinea energicamente i quattro tempi della battuta costituiscono un esempio stimolante per i musicisti che egli accompagna in piccola formazione così come nella grande orchestra di Duke Ellington. Il suo slapping era particolarmente spettacolare. [A.C.] American double bass player (Saint James Parish, Louisiana, 25.1.1891 - Los Angeles, California, 29.10.1966). He learned to play the violin at an early age before adopting the double bass he plays, especially in the orchestra of a famous New Orleans club: Tom Anderson's Cabaret. He arrived in Chicago in 1917, made various tours before joining the Charlie Elgar orchestra in 1922. After a short stay in London in 1923, he was hired by Wilbur Sweatman, then in orchestras accompanying shows (1926-27) before being included in the Duke Ellington orchestra (1927-35), participating in the 1933 European tour. Joins Jimmie Noone then plays in Kaiser Marshall's orchestra before becoming one of the Spirits Of Rhythm. In 1937 he formed his trio that performed in other formations: Hot Lips Page (1938), Edgard Hayes (1939), Sidney Bechet (1940-41), Al Sears (1943), Garvin Bushell (1944). Engaged in extramusical activities, he appears only sporadically until 1956. He resumes full-time activities with Kid Ory, who takes him to Europe for a tour. Settling in California, he plays in the company of Joe Darensbourg (1960). Victim of heart disease in 1961, he had to slow down his activity. Along with Pops Foster, Wellman Braud is the most representative double bass player of the New Orleans style. The powerful yet flexible base, the execution, and the great sobriety that energetically emphasizes the four beats of the bar are a stimulating example for the musicians he accompanies in small groups and the great Duke Ellington orchestra. His slapping was particularly spectacular. [A.C.] 
Trombonista, arrangiatore e compositore portoricano (San Juan, Portorico, 22.1.1900 – Inglewood, California, 23.4.1984). Suona nell’orchestra municipale di San Juan, poi emigra negli Stati Uniti (1920). Fa parte della formazione di Marie Lucas, dei Bobby Lee’s Cotton Pickers, dei White Brothers, poi è scritturato da Duke Ellington (1929-44) e da Harry James (1944-51); ritorna con Duke Ellington (1951-60) e infine si ritira in California.
Uno dei pochi specialisti del trombone a pistoni, Juan Tizol è un eccellente musicista di sezione. Ebbe il merito di apportare all’orchestra di Duke Ellington un tocco latino-americano grazie ad alcune composizioni che gli assicurato la celebrità: Caravan (1936), Conga Brava (1940), Perdido (1942). [M.L.]
Puerto Rican trombonist, arranger, and composer (San Juan, Puerto Rico, 22.1.1900 - Inglewood, California, 23.4.1984). He plays in the San Juan Municipal Orchestra, then emigrates to the United States (1920). He is part of the lineup of Marie Lucas, Bobby Lee's Cotton Pickers, the White Brothers, then hired by Duke Ellington (1929-44) and Harry James (1944-51); he returns with Duke Ellington (1951-60) and finally retires to California.
One of the few piston trombone specialists, Juan Tizol, is an excellent section player. He was credited with bringing a Latin American touch to Duke Ellington's orchestra thanks to some compositions that ensured his fame: Caravan (1936), Conga Brava (1940), Perdido (1942). [M.L.] 
Violinista e polistrumentista statunitense (St Louis, Missouri, 21.1.1904 – Chicago, Illinois, 22.5.1993). Rimasto orfano, viene allevato da uno zio a Chicago e, a partire dal 1912, inizia a studiare violino. Nel 1961 suona con Jimmy Wade, nel 1918 con Freddie Keppard e nel 1920 con Hershal Brassfield.
In seguito, nella prima metà degli anni ’20, si esibisce nell’orchestra del batterista Eugene Primus. Suona a New York insieme ai Symphonic Syncopators del batterista Lloyd Scott. Dà alcuni concerti con il pianista Luckeyth Roberts prima di far parte della formazione di Noble Sissle (1929) per andare a suonare in Europa. Da quel momento in poi non è più tornato negli Stati Uniti. Negli anni ’30, mentre suona alternativamente con Edwin Swayzee, Leon Abbey, Tom Chase, Harry Flemming, Mike McKendrick, Louis Douglas, gli Unica Jubilee Singers, o con il suo gruppo, si esibisce un po’ ovunque in Europa, in Africa del Nord, in Egitto e a Malta. Durante la guerra rimane al Cairo e successivamente, dal 1946 al 1954, suona sempre a Malta. Nella seconda metà degli anni ’50 si esibisce in Italia, a Gibilterra a Tangeri. Ritorna finalmente negli Stati Uniti alla fine degli anni ’60, per ritirarsi dal mondo dello spettacolo, dopo aver vissuto di nuovo a Parigi. Il modo di suonare il violino di Juice Wilson è noto grazie ad alcuni brani incisi in Inghilterra alla fine del 1929, insieme all’orchestra di Noble Sissle. La sua esecuzione è molto originale, contemporaneamente delicata e dura, impregnata di swing che conserva gli accenti primitivi, prime avvisaglie dei modi di uno Stuff Smith. [D.N.]
American violinist and multi-instrumentalist (St Louis, Missouri, 21.1.1904 - Chicago, Illinois, 22.5.1993). Orphaned, he was raised by an uncle in Chicago, and, starting in 1912, he began studying violin. In 1961 he played with Jimmy Wade, in 1918 with Freddie Keppard, and in 1920 with Hershal Brassfield.
Later, in the first half of the 1920s, he performed in the orchestra of drummer Eugene Primus. He plays in New York with drummer Lloyd Scott's Symphonic Syncopators. He gives some concerts with pianist Luckeyth Roberts before joining Noble Sissle's lineup (1929) to play in Europe. From that point on, he never returned to the United States. In the 1930s, while playing alternately with Edwin Swayzee, Leon Abbey, Tom Chase, Harry Flemming, Mike McKendrick, Louis Douglas, the Unica Jubilee Singers, or his group, he performed almost everywhere in Europe, in Africa of the North, in Egypt and Malta. During the war, he remained in Cairo and subsequently, from 1946 to 1954, always played in Malta. In the second half of the 1950s, he performed in Italy, in Gibraltar, and Tangier. He finally returned to the United States in the late 1960s to retire from the world of entertainment after living in Paris again. Juice Wilson's way of playing the violin is known thanks to some pieces recorded in England at the end of 1929 and the Noble Sissle orchestra. His performance is very original, at the same time delicate and challenging, impregnated with the swing that preserves the primitive accents, the first signs of the ways of a Stuff Smith. [D.N.] 
Batterista statunitense (Washington, D.C., 20.1.1929 - Manhattan, New York, 24.5.2020). Dopo aver lavorato con alcune celebrità locali, accompagna Earl Bostic in tournée (1951), poi Dinah Washington che sposa, diventandone il direttore musicale (1951-55). Segue un periodo newyorkese come free lance, finché non viene ingaggiato da Cannonball Adderley (1957-58) e si unisce per un breve periodo a Stan Getz e Dizzy Gillespie.
Nel 1958, segue Adderley nel gruppo di Miles Davis in cui forma, fino al 1962, una sezione ritmica eccezionale: prima con Paul Chambers e Bill Evans, poi con Red Garland e, soprattutto, con Wynton Kelly, con cui suona regolarmente fino alla morte del pianista. Il trio Kelly-Chambers-Cobb registra molto con Art Pepper e Wes Montgomery. Negli anni ’70 lo ritroviamo come accompagnatore di Sarah Vaughan e in molti altri organici tanto diversi quanto effimeri: per esempio in Giappone nel 1981 con Kenny Drew; nel 1986, con Tommy Flanagan e George Mraz. Insinuante più che sorprendente, Cobb sembra dominare il ritmo e non provocarlo, lasciando affiorare qua e là, con un tocco leggero, una forza tanto più irresistibile quando, appunto, si insinua invece di sorprendere. Lo si ascolta raramente in assolo, benché sia assolutamente capace di costruire improvvisazioni complesse e centrate sul rullante. [J.Y.L.B.]
American drummer (Washington, D.C., 20.1.1929 - Manhattan, New York, 24.5.2020). After working with local celebrities, he accompanies Earl Bostic on tour (1951), then Dinah Washington, whom he marries, becoming her musical director (1951-55). He follows a New York stint as a freelancer until he is hired by Cannonball Adderley (1957-58) and briefly joins Stan Getz and Dizzy Gillespie.
In 1958, he followed Adderley in the Miles Davis group. Until 1962, he forms a special rhythm section: first with Paul Chambers and Bill Evans, then with Red Garland, and, above all, with Wynton Kelly, with whom he regularly plays until his death. Of the pianist. The Kelly-Chambers-Cobb trio records extensively with Art Pepper and Wes Montgomery. In the 70s, we find him as an accompanist to Sarah Vaughan and in many other ensembles as diverse as they are ephemeral: for example, in Japan in 1981 with Kenny Drew; in 1986, with Tommy Flanagan and George Mraz. Insinuating more than surprising, Cobb seems to dominate the rhythm and not provoke it, letting it emerge here and there, with a light touch, a force all the more irresistible when, in fact, he creeps in instead of surprising. He is rarely heard solo, although he is capable of building complex and snare-centered improvisations. [J.Y.L.B.] |
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