Cantante e violinista statunitense (Portsmouth, Ohio, 14.8.1909 – Monaco di Baviera, 25.9.1967). Il padre, musicista e pugile dilettante, gli regala il suo primo violino (1916). Studia alla Johnson C. Smith University e gira in tournée come ballerino e violinista con la Aunt Jemina Revue (1924).
È quindi ingaggiato da Alphonso Trent (1926-29). Dopo aver suonato con Jelly Roll Morton, forma a Buffalo una propria orchestra che comprende Jonah Jones e Cozy Cole, con cui si esibirà all’Onyx Club di New York e a Hollywood (1936-40). È in questa epoca che cominci ad applicare l’amplificazione al violino. Torna all’Onyx Club nel 1944-45. La sua prima tournée in Europa con il JATP ha luogo nel 1957. Forma quindi un altro trio in California (1958), si stabilisce a Londra e si esibisce in Europa fino alla fine dei suoi giorni. Soprannominato <<The Mad Genius Of The Violin>>, Stuff Smith si poneva in maniera decisamente eccentrica. All’Onyx Club ha persino suonato con una scimmia appollaiata sulla spalla. Il suo approccio al violino non ha alcun punto in comune con la maniera classica di approccio allo strumento: tratti rapidi e audaci, glissando frenetici nell’acuto. Musicista poco ortodosso, occupa un posto a se stante, ma non per questo meno prestigioso, nella storia del jazz. [M.L.]
American singer and violinist (Portsmouth, Ohio, 14.8.1909 - Munich, 25.9.1967). His father, an amateur musician, and boxer gives him his first violin (1916). He studied at Johnson C. Smith University and toured as a dancer and violinist with the Aunt Jemina Revue (1924).
He is therefore hired by Alphonso Trent (1926-29). After playing with Jelly Roll Morton, he forms his orchestra in Buffalo, including Jonah Jones and Cozy Cole, who will perform at the Onyx Club in New York and Hollywood (1936-40). It is in this era that you begin to apply amplification to the violin. Returns to the Onyx Club in 1944-45. His first European tour with JATP took place in 1957. He then formed another trio in California (1958), settled in London, and performed in Europe until the end of his days. Nicknamed << The Mad Genius Of The Violin >>, Stuff Smith posed himself in a decidedly unusual way. At the Onyx Club, he even played with a monkey perched on his shoulder. His approach to the violin has no point in common with the traditional way of approaching the instrument: rapid and daring strokes, wild glissando at the top. Unorthodox musician, he occupies a place apart, but no less prestigious, in jazz history. [M.L.] 
Pianista compositore e cantante britannico (Londra, 13.8.1919 – New York, 14.2.2011). Cieco dalla nascita, passa la sua infanzia in un istituto specializzato dove compie studi molto seri di musica classica. A sedici anni scopre il jazz ascoltando i dischi di Fats Waller e Teddy Wilson.
Ben presto entra a far parte di un’orchestra di musicisti ciechi, diretta da Claude Bampton. Si esibisce spesso al Rhythm Club di Londra. Comincia a farsi conoscere, incontra Stéphane Grappelli e, nel 1937, Leonard Feather lo sente e organizza per lui una seduta di registrazione (due brani, di cui uno suonato da Shearing alla fisarmonica e Feather al piano). Il suo primo disco (per la Decca) esce nel 1939; fino al 1945 incide una quarantina di titoli per questa etichetta, dado prova del suo radicamento nella tradizione dei grandi maestri del piano swing (oltre alla sua prima influenza, Earl Hines). Alla fine del 1946 va negli Stati Uniti e vi resta tre mesi, il tempo di esibirsi nei club e di incidere alcune facce in trio per la Savoy: si dimostra innovatore, perfettamente a suo agio nella nuova musica dei bopper. Ritorna in Inghilterra per breve tempo prima di stabilirsi definitivamente negli Stati Uniti (1949). Crea il suo primo quintetto statunitense, secondo una formula che sarà a lungo il segno che lo contraddistingue: piano-vibrafono-chitarra-basso-batteria (in questo periodo: Marjorie Hyams al vibrafono e, in seguito, Chuck Wayne e Dick Garcia alla chitarra). Diventa una specie di star, a metà strada tra il jazz e la cocktail music, e si esibisce nei club e nei night. Il quintetto durerà fino al 1962. Dal 1949 al 1954 incide quasi un centinaio di titoli per la MGM e dal 1955 al 1961 una ventina per la Capitol. Nelle sue formazioni si succederanno eccellenti solisti: i vibrafonisti Johnny Rae, Emil Richards e Warren Chiasson e l’armonicista e chitarrista Toots Thielemans. Alla fine del 1961 collabora con i fratelli Montgomery e si trasferisce in California dove suona con Gary Burton e Joe Pass. Lavora anche come disc-jokey per la radio, fa una tournée in Europa nel 1962 e in Giappone nel 1963. Nel 1964 smette praticamente di esibirsi, dedicando il suo tempo allo studio del pianoforte classico con Jakob Gimpel. Nel 1965 forma un nuovo quintetto, dirige una trasmissione televisiva, The George Shearing Show e scrive la musica di un cartone animato, Dangerous Dan McGrew. Si esibisce sempre più spesso da solista di orchestra sinfonica (tra l’altro alcuni dei suoi album per la Capitol lo presentano accompagnato da una grande orchestra). Negli anni ’80 realizza (per la Condor) una serie di “incontri al vertice”: con Carmen McRae, Marian McPartland, Jim Hall e, soprattutto, Mel Tormé. La sua associazione con il cantante, su disco e in pubblico, è tra le più fertili ed è stata ricompensata da molti Grammy Awards. È il compositore tra l’altro di Lullaby Of Birdland. George Shearing costituisce un caso a parte della storia del jazz. Al di là di una specie di “musicista di lusso” che suona nei club più chic, è un eccellente improvvisatore, ammirato dai migliori jazzmen – tra i quali, al primo posto, Bill Evans – e un compositore e arrangiatore sottile. La sua musica – che ha suscitato la diffidenza dei puristi, forse proprio perché ricorre ad arrangiamenti molto elaborati – copre un campo immenso, che va dall’afrocubano ai pezzi classici “jazzati”. Con una cura quasi enciclopedica, ci tiene a esaminare le varie impostazioni del piano jazz. Questo tecnico perfetto della tastiera è comunque poco incline alle dimostrazioni di velocità. Eccellente nel locked hand style, l’esecuzione in block chords che, dopo quella di Milt Buckner, ha contribuito alla sua fama. Affascinato dalle opere di Ravel, Debussy e Bach, ha lavorato molto sulla forma e ha sempre cercato di dare alla sua musica, quella dei quintetti, una dimensione orchestrale. Ha sviluppato così un’affascinante abilità nel voicing e ha manifestato un gusto estremo per gli intrecci vertiginosi e i delicati equilibri sonori tra strumenti. Ficcanaso impenitente, sconcertante, fastidioso, il cui talento multiplo, a volte, si rivela come un pugno in un occhio. È stato anche un notevole fisarmonicista, uno dei primi ad aver suonato il bop sullo strumento – e un crooner commovente. [F.Bi]
British pianist, composer, and singer (Londra, 13.8.1919 - New York, 14.2.2011). Blind from birth, he spent his childhood in a specialized institute where he completed severe classical music studies. At sixteen, he discovered jazz listening to the records of Fats Waller and Teddy Wilson.
He soon joined an orchestra of blind musicians, conducted by Claude Bampton. He often performs at the London Rhythm Club. He begins to make himself known, meets Stéphane Grappelli. In 1937, Leonard Feather heard him and organized a recording session for him (two songs, one of which is played by Shearing on the accordion and Feather on the piano). His first album (for Decca) was released in 1939; until 1945, he recorded about forty titles for this label, proof of his roots in the tradition of the great masters of the swing piano (in addition to his first influence, Earl Hines). At the end of 1946, he went to the United States, stayed there for three months, the time to perform in clubs, and recorded some faces in a trio for Savoy: he proved to be an innovator, entirely at ease in the new music of boppers. He returned to England for a short time before settling permanently in the United States (1949). He creates his first American quintet, according to a formula that will long be the sign that distinguishes him: piano-vibraphone-guitar-bass-drums (in this period: Marjorie Hyams on vibraphone and, later, Chuck Wayne and Dick Garcia on guitar ). He becomes something of a star, halfway between jazz and cocktail music, and performs in clubs and nightclubs. The quintet will last until 1962. From 1949 to 1954, he recorded nearly a hundred titles for MGM and from 1955 to 1961, about twenty for the Capitol. His ensembles will be followed by excellent soloists: vibraphonists Johnny Rae, Emil Richards, and Warren Chiasson and harmonica player and guitarist Toots Thielemans. At the end of 1961, he collaborated with the Montgomery brothers and moved to California, where he played with Gary Burton and Joe Pass. He also works as a disc-jockey for the radio, touring Europe in 1962 and Japan in 1963. In 1964 he practically stopped performing, dedicating his time to studying the classical piano with Jakob Gimpel. In 1965 he formed a new quintet, directed a television show, The George Shearing Show, and wrote the music for a cartoon, Dangerous Dan McGrew. He performs more often as a symphony orchestra soloist (among other things, some of his albums for the Capitol feature him accompanied by a large orchestra). In the 1980s, he created (for Condor) a series of "top meetings": with Carmen McRae, Marian McPartland, Jim Hall, and, above all, Mel Tormé. Her association with the singer is among the most fertile and has been rewarded by many Grammy Awards. Among other things, he is the composer of Lullaby Of Birdland. George Shearing is a particular case in the history of jazz. Beyond a kind of "luxury musician" who plays in the chicest clubs, he is an excellent improviser, admired by the best jazzmen - among them, in the first place, Bill Evans - and a subtle composer and arranger. His music - which has aroused the mistrust of purists, perhaps precisely because it uses very elaborate arrangements - covers an immense field, ranging from Afro-Cuban to "jazzed" classical pieces. With almost comprehensive care, he is keen to examine the various settings of the jazz piano. This perfect keyboard technician is little inclined to speed demonstrations anyway. Excellent in the locked hand style, the execution in block chords which, after that of Milt Buckner, contributed to his fame. Fascinated by the works of Ravel, Debussy, and Bach, he worked a lot on the form and always tried to give his music, that of the quintets, an orchestral dimension. Thus he developed a fascinating skill in voicing and showed an extreme taste for dizzying intertwining and delicate sound balances between instruments. He was unrepentant, bewildering, annoying nosy, whose multiple talents sometimes turned out to be an eyesore. He was also a well-known accordionist, one of the first to play bop with the instrument and a moved crooner. [F.Bi] 
Batterista statunitense (Wolford, North Dakota, 12.8.1915 – Cleveland, Ohio, 4.5.1951). Prima di dedicarsi alla batteria, si cimenta al pianoforte e al violoncello. A partire dal 1932 suona, fra gli altri, con Tiny Parham, poi Erskin Tate, Roy Eldridge, Chick Webb quando la debole salute di questi lo richiede (1938), Hot Lips Page (1939-41).
È uno degli assidui partecipanti alle jam session del Minton’s nel periodo in cui questo club diventa il crogiolo da cui nascerà il jazz moderno, di cui Doc West si afferma uno degli attivissimi batteristi. Incide anche con Charlie Parker (per la Savoy nel 1944), che ha già accompagnato in seno all’orchestra di Jay McShann nel 1942. Spesso richiesto, avrà occasione di suonare – e talora incidere – con Slam Stewart, Don Byas, Erroll Garner, Lester Young, Roy Eldridge, nella cui orchestra figurava quando venne stroncato da un attacco cardiaco. Sulle orme di Kenny Clarke, Doc West è uno dei percussionisti che hanno contribuito all’evoluzione del ruolo del batterista nell’accompagnamento, apportando un’articolazione ritmica che le generazioni precedenti non conoscevano. [A.C.]
American drummer (Wolford, North Dakota, 12.8.1915 - Cleveland, Ohio, 4.5.1951). Before devoting himself to the drums, he tried his hand at the piano and the cello. Starting from 1932, he plays, among others, with Tiny Parham, then Erskin Tate, Roy Eldridge, Chick Webb when his weak health requires it (1938), Hot Lips Page (1939-41).
He is one of the regular participants in the Minton's jam sessions in the period in which this club becomes the melting pot from which modern jazz will be born, of which Doc West is one of the very active drummers. He also records with Charlie Parker (for Savoy in 1944), whom he had already accompanied in Jay McShann's orchestra in 1942. He often requested that he have the opportunity to play - and sometimes record - with Slam Stewart, Don Byas, Erroll Garner, Lester Young, and Roy Eldridge, in whose orchestra he appeared when he was struck down by a heart attack. In the footsteps of Kenny Clarke, Doc West is one of the percussionists who contributed to the evolution of the drummer's role in accompaniment, bringing a rhythmic articulation that previous generations did not know. [A.C.] 
Pianista statunitense (Bird’s Point o Cape Girardeau, Missouri, 11.8.1904 – Los Angeles, 1.7.1995). Pratica dapprima la batteria, poi il pianoforte; debutta sulle riverboats con i gruppi di Harvey Berry e Tony Catalano (1920-22). Suona in seguito con Al Katz (1926) e Joe Kayser (1927-28).
A Chicago, a partire dal1928, è insieme a Frank Teschemacher e Muggsy Spanier e, dal 1928 al 1935, nelle orchestre di Danny Altier, Floyd Town, Louis Panico, Art Kassel, Eddie Neibauer, Paul Mares, Frank Snyder, Maurice Stein. Nel luglio 1935 entra nella formazione di Benny Goodman, che egli lascia, quattro anni dopo, per Bob Crosby (1939-42). Durante lo stesso periodo, incide con Gene Krupa (1935-36), Harry James e Lionel Hampton (1937-38), Eddie Condon, Ziggy Elman, Bud Freeman (1938), George Wettling, la Metronome All Stars (1940); ritorna con Goodman (1942-44), lavora insieme a Horace Heidt (1944) e Tommy Dorsey (1944-45). Dal maggio 1947 al febbraio 1948 dirige una grande orchestra. Accompagna Jack Teagarden e Billy Butterfield (1948) e si esibisce da solista nei club della West Coast. Praticamente inattivo durante gli anni ’60, ritorna nel 1969 a capo di una All Stars e al festival di Monterey (1974). Ispirato a Eal Hines e alle concezioni musicali di Bix Beiderbecke, Jess Stacy sviluppa un’esecuzione dinamica e un discorso musicale coerente e brillante, caratterizzato da un notevole senso dello swing. [A.To.]
American pianist (Bird's Point or Cape Girardeau, Missouri, 11.8.1904 - Los Angeles, 1.7.1995). Practice the drums first, then the piano; he debuted on riverboats with the groups of Harvey Berry and Tony Catalano (1920-22). He later plays with Al Katz (1926) and Joe Kayser (1927-28).
In Chicago, from 1928, he was with Frank Teschemacher and Muggsy Spanier and, from 1928 to 1935, in the orchestras of Danny Altier, Floyd Town, Louis Panico, Art Kassel, Eddie Neibauer, Paul Mares, Frank Snyder, Maurice Stein. In July 1935, he joined the formation of Benny Goodman, whom he left four years later for Bob Crosby (1939-42). During the same period, he recorded with Gene Krupa (1935-36), Harry James and Lionel Hampton (1937-38), Eddie Condon, Ziggy Elman, Bud Freeman (1938), George Wettling, the Metronome All Stars (1940); returns with Goodman (1942-44), works together with Horace Heidt (1944) and Tommy Dorsey (1944-45). From May 1947 to February 1948, he conducted a large orchestra. He accompanies Jack Teagarden and Billy Butterfield (1948) and performs solo in West Coast clubs. Virtually inactive during the 1960s, he returned in 1969 to head an All-Stars and to the Monterey festival (1974). Inspired by Eal Hines and the musical conceptions of Bix Beiderbecke, Jess Stacy develops a dynamic execution and a coherent and brilliant artistic discourse, characterized by a remarkable sense of swing. [A.To.] 
Direttore d’orchestra, pianista e arrangiatore statunitense (Terre Haute, Indiana, 10.8.1909 – New York, 1.7.1965). Studia pianoforte all’età di dieci anni, segue l’inegnamento del conservatorio di Cincinnati, poi del Curtis Institute, suona con i Kentucky Colonels e con Hal Kemp. All’inizio degli anni ’30 si stabilisce a New York e suona per Bing Crosby, Paul Whiteman, Benny Goodman (1934), Ray Noble (1935-36).
Dirige poi un suo complesso e diventa direttore musicale di Maxine Sullivan (1937-38). Si trasferisce a Hollywood, dove aiuta il cantante Skinnay Ennis a formare una sua orchestra integrandovi il complesso di Gil Evans; quest’ultimo lo raggiunge in qualità di arrangiatore (1941) nella grande orchestra formata l’anno precedente. Durante il servizio militare prestato in marina (1942-45) suona nella Naval Band di Artie Shaw. Forma di nuovo una sua orchestra (1946-47), poi ancora un’altra nel 1949. Durante gli anni ’50, dirige piccoli complessi e occasionalmente una grande orchestra, suona per Tony Bennett e vive appartato nel New Jersey. Muore per crisi cardiaca. Ha registrato in particolar modo con Benny Goodman, Louis Prima, Glenn Miller, Bud Freeman, Billie Holiday e a suo nome dal 1937. Pianista discreto e direttore di un’orchestra di ottima qualità, Claude Thornhill è innanzitutto colui che ha permesso la nascita di un’estetica che si è sviluppata nelle famose sedute di Miles Davis per la Capitol (1949-50) e nella grande orchestra di Gil Evans: ha raggiunto tale scopo utilizzando appunto Gil Evans, poi Gerry Mulligan, Lee Konitz, Bill Barber, Joe Shulman, e integrando sin dal 1941 due corni, poi, nel 1946, una tuba. [X.P.]
American conductor, pianist, and arranger (Terre Haute, Indiana, 10.8.1909 - New York, 1.7.1965). He studied piano at the age of ten, followed by an apprenticeship at the Cincinnati Conservatory, then at the Curtis Institute, played with the Kentucky Colonels and with Hal Kemp. In the early 1930s, he settled in New York and played for Bing Crosby, Paul Whiteman, Benny Goodman (1934), Ray Noble (1935-36).
He then directs his ensemble and becomes the musical director of Maxine Sullivan (1937-38). He moves to Hollywood, where he helps singer Skinnay Ennis to form his orchestra by integrating the Gil Evans band; the latter joined him as an arranger (1941) in the large orchestra created the previous year. During his military service in the navy (1942-45), he plays in Artie Shaw's Naval Band. He forms his orchestra again (1946-47), then another in 1949. During the 1950s, he conducts small bands, and occasionally a large orchestra plays for Tony Bennett and lives in seclusion in New Jersey. He dies of a heart attack. He has notably recorded with Benny Goodman, Louis Prima, Glenn Miller, Bud Freeman, Billie Holiday, and his name since 1937. Discreet pianist and conductor of an orchestra of excellent quality, Claude Thornhill is above all the one who allowed the birth of an aesthetic that developed in the famous sessions of Miles Davis for the Capitol (1949-50) and the great orchestra of Gil Evans: he achieved this goal using Gil Evans precisely, then Gerry Mulligan, Lee Konitz, Bill Barber, Joe Shulman, and integrating two horns since 1941, then, in 1946, a tuba. [X.P.] 
Direttore d’orchestra statunitense (Anniston, Alabama, 8.8.1900 – New York, 28.9.1966). Sin dalla fine degli anni ’20 svolge le funzioni di “maestro di cerimonia” in tanti balli e club di Chicago. Nel 1931-32 ha le stesse mansioni in varie orchestre.
Nel 1933 porta una di quelle orchestre, in cui Bill Coleman è uno dei trombettisti, a Montecarlo. L’anno dopo riprende la direzione della Mills Blue Rhythm Band, direzione che conserverà per vari anni. Nel 1938 prosegue le sue funzioni di direttore d’orchestra con il complesso di Bill Doggett in tournée e l’anno dopo abbandona la Mills Blue. Nel 1940 forma una nuova orchestra che dirige, più o meno regolarmente, fino al 1952, anno in cui decide di abbandonare per un po’ la musica. In seguito, fra tante diverse attività, riesce a mettere a mettere insieme complessi per brevi ingaggi o a lavorare in qualità di disc-jockey sul canale WNEW. È probabil che Lucky Millinder non abbia mai suonato personalmente una sola nota, ma il suo talento di animatore ha permesso a tante brave orchestre degli anni ’30 e ’40 di ottenere un discreto successo e di registrare dischi; fra queste in particolare la Mills Blue Rhythm Band. [D.N.]
American conductor (Anniston, Alabama, 8.8.1900 - New York, 28.9.1966). Since the end of the 1920s, he has served as a "master of ceremony" in many Chicago dances and clubs. In 1931-32 he held the same duties in various orchestras.
In 1933 he brought one of those orchestras, in which Bill Coleman is one of the trumpet players, to Monte Carlo. The following year he resumed the direction of the Mills Blue Rhythm Band, a direction he will keep for several years. In 1938 he continued his duties as a conductor with the Bill Doggett ensemble on tour, and the following year he left Mills Blue. In 1940 he formed a new orchestra that he conducted, more or less regularly, until 1952, when he decided to abandon music for a while. Later, among many different activities, he manages to put together bands for short engagements or work as a disc-jockey on the WNEW channel. Likely, Lucky Millinder has never personally played a single note, but his talent as an animator allowed many good orchestras of the 1930s and 1940s to achieve moderate success and record records; among these, in particular, the Mills Blue Rhythm Band. [D.N.] 
Pianista e compositore statunitense (Filadelfia, Pennsylvania, 7.8.1893 – New York, .2.1968). Ha conosciuto la scena prima dell’inizio del secolo e ha cominciato a suonare il piano intorno al 1900. Lavorando sia come attore che come musicista, si stabilisce a New York verso il 1910.
La sua prima composizione, Junk Man Rag, viene pubblicata nel 1913. Mentre si produce soprattutto al Barron Wilkins e gira con la sua orchestra, negli anni ’20 e ’30, emerge come compositore e direttore d’orchestra che suona per i ricevimenti privati nelle grandi città dell’Est e del Nord e, durante l’estate, lavora in Florida. Stranamente ha registrato molto poco (nel 1916, due facciate in assolo che resteranno inedite; dovrà attendere il 1944 per firmare un disco a suo nome). Ha però scritto e realizzato più di venti commedie musicali. Negli anni ’40 dirige una grande orchestra e partecipa alle trasmissioni radio di Rudy Blesh, This Is Jazz. Dal 1940 al 1955 si occupa anche del club newyorkese, Le Rendez-Vous. Ha continuato a comporre fino alla fine degli anni ’60. Il suo Ripples Of The Nile fu adattato da Glenn Miller sotto il titolo di Moonlight Cocktail. Superstite dell’era del ragtime, Luckey Roberts figura fra i fondatori della scuola stride di Harlem. È soprattutto James P. Johnson che, per primo, definisce questo stile pianistico così melodico. Questi, ai suoi inizi, subì probabilmente l’influenza di Roberts, come del resto Duke Ellington. [D.N.]
American pianist and composer (Philadelphia, Pennsylvania, 7.8.1893 - New York, .2.1968). He knew the scene before the turn of the century and began playing the piano around 1900. Working both as an actor and as a musician, he settled in New York around 1910.
His first composition, Junk Man Rag, was published in 1913. He produced mainly at the Barron Wilkins and touring with his orchestra in the 1920s and 1930s. He emerged as a composer and conductor playing for private receptions in the big cities of the East and North and, during the summer, he works in Florida. Oddly enough, he recorded very little (in 1916, two solo sides that will remain unreleased; he will have to wait until 1944 to sign a record in his name). However, he wrote and produced more than twenty musical comedies. In the 1940s he conducted a large orchestra and participated in Rudy Blesh's radio show, This Is Jazz. From 1940 to 1955, he also took care of the New York club, Le Rendez-Vous. He continued to compose until the late 1960s. Glenn Miller adapted his Ripples Of The Nile under the title of Moonlight Cocktail. Luckey Roberts is a survivor of the era of ragtime and one of the founders of the Harlem stride school. It is above all James P. Johnson, who, first, defines this piano style so melodic. These, at its beginnings, were probably influenced by Roberts, like Duke Ellington. [D.N.] 
Clarinettista e sassofonista statunitense (New Orleans, 6.8.1900 – New York, 17.4.1972). Di origine siciliana, comincia a studiare il violino, quindi il clarinetto, assieme a Joseph Taverno nella cui orchestra suona per un anno e mezzo. Sostituisce in seguito Alcide Nuñez in seno alla Papa Laine’s Band, lavora quindi con Nick LaRocca, Johnny Stein, il cornettista Johnny De Droit (1916), suona in trio sulla riverboat Majestic e dirige, a partire dagli anni ’20, una propria orchestra.
Giunto a New York sul finire del decennio, lavora con diverse orchestre da ballo e come musicista in sala d’incisione, per la radio e l’etichetta Columbia. Nel 1939 si unisce all’orchestra di Ted Lewis e ivi resta fino all’estate del 1945. Suona assieme a Eddie Condon (1946), George Brunis, la sua stessa orchestra, Muggy Spanier (1947), Miff Mole (Chicago, inizi 1949). Negli anni ’50, lavora in Florida, a New York (1954), Boston e Canada. Si esibisce nel 1962 nel club di Condon, quindi al Jimmy Ryan’s (1963-69). Suona periodicamente a New York sino al 1971. Tony parenti è uno dei migliori musicisti della musica bianca di New Orleans: dallo stile fluido e ornato, si integra perfettamente alla polifonia delle prime orchestre. [M.R.]
American clarinetist and saxophonist (New Orleans, 6.8.1900 - New York, 17.4.1972). Of Sicilian origin, he began to study the violin, then the clarinet, and Joseph Taverno in whose orchestra he played for a year and a half. He later replaced Alcide Nuñez in the Papa Laine's Band, then worked with Nick LaRocca, Johnny Stein, the cornetist Johnny De Droit (1916), played in a trio on the Majestic riverboat and directed his orchestra from the 1920s.
Arriving in New York at the end of the decade, he worked with several dance orchestras and a musician in the recording studio for radio and the Columbia label. In 1939 he joined the Ted Lewis Orchestra and remained there until the summer of 1945. He played with Eddie Condon (1946), George Brunis, his orchestra, Muggy Spanier (1947), Miff Mole (Chicago, early 1949 ). In the 1950s, he worked in Florida, New York (1954), Boston and Canada. He performed in 1962 at the Condon club, then at Jimmy Ryan's (1963-69). He periodically plays in New York until 1971. Tony Parenti is one of the best white musicians in New Orleans: with a fluid and ornate style, it perfectly integrates the polyphony of the first orchestras. [M.R.] 
Percussionista, batterista e cantante brasiliano (Curitiba, 5.8.1941). A sette anni comincia a studiare la chitarra e il piano e partecipa a una trasmissione radiofonica. Fin dal 1953 suona in piccole orchestre. Divenuto percussionista professionista, si esibisce nei locali notturni (1960-63) e viaggia in tutte le regioni del Brasile, scoprendo e collezionando gli strumenti tradizionali, poi si associa con il sassofonista Hermeto Pascoal, con cui dirigerà il Quarteto Novo.
Nel 1968 parte per Los Angeles, dove studia con il suo compatriota, il percussionista-sassofonista-cantante-arrangiatore Moacir Santos. Nel 1970 si stabilisce a New York con la moglie, la cantante Flora Purim, e vine ingaggiato da Miles Davis, con cui incide. Suona anche in un quartetto con Ron Carte, Pascoal e F. Purim. Lo ritroviamo accanto a Lee Morgan, associato ai primi Weather Report (1971), con Flora Purim in Return To Forever di Chick Corea (1972-73), poi con Stan Getz, Cannonball Adderley (1974-75), Gato Barbieri ecc. Con Don Friedman e Reggie Workman forma un trio che si scioglie presto per mancanza di successo. Nel 1973 si stabilisce in California e comincia a registrare da leader. A metà degli anni ’80, oltre al suo lavoro personale, fa parte del gruppo Project di Al Di Meola. Fra i tanti jazzisti che si sono rivolti a lui: Donald Byrd, Jim Hall, Joe Farrell, Freddie Hubbard, Joe Henderson, Kenny Burrell, Paul Desmond, George Duke, Hubert Laws, John McLaughlin, Keith Jarrett, Stanley Clarke, George Benson, Billy Cobham, i Crusaders, J.J. Johnson, Gil Evans, McCoy Tyner. Molto richiesto negli studi, si è prestato inoltre a parecchie registrazioni di musica leggera. Dal 1972, anno in cui fu creata la categoria “percussioni” (fino allora confusa con i “vari”), giunge sempre in testa ai referendum della rivista Down Beat. Dal 1986 forma un gruppo regolare con Flora Purim e, per il loro terzo album (<<Midnight Sun>>, 1987), ricorre, fra gli altri, a George Duke e al quartetto di sassofoni degli Itchy Fingers. Oltre a un certo virtuosismo e a un’inesauribile invenzione di timbri, si impone per il suo modo di far cantare qualsiasi ritmo e di sviluppare, di ipertrofizzare la più elementare suddivisione del tempo fino a irresistibili e rigorosi parossismi. [P.C.]
Brazilian percussionist, drummer, and singer (Curitiba, 5.8.1941). At seven he began studying guitar and piano and participated in a radio broadcast. Since 1953 he plays in small orchestras. Having become a professional percussionist, he performs in night clubs (1960-63). He travels to all regions of Brazil, discovering and collecting traditional instruments, then he associates himself with the saxophonist Hermeto Pascoal, with whom he will direct the Quarteto Novo.
In 1968 he left for Los Angeles, where he studied with his compatriot, the percussionist-saxophonist-singer-arranger Moacir Santos. In 1970 he settled in New York with his wife, the singer Flora Purim, and was hired by Miles Davis, with whom he recorded. He also plays in a quartet with Ron Carte, Pascoal, and F. Purim. We find him next to Lee Morgan, associated with the first Weather Reports (1971), with Flora Purim in Return To Forever by Chick Corea (1972-73), then with Stan Getz, Cannonball Adderley (1974-75), Gato Barbieri, etc. With Don Friedman and Reggie Workman, he forms a trio that dissolves early due to a lack of success. In 1973 he settled in California and began recording as a leader. In the mid-1980s, in addition to his work, he was part of the Al Di Meola Project group. Among the many jazz musicians who approached him: Donald Byrd, Jim Hall, Joe Farrell, Freddie Hubbard, Joe Henderson, Kenny Burrell, Paul Desmond, George Duke, Hubert Laws, John McLaughlin, Keith Jarrett, Stanley Clarke, George Benson, Billy Cobham, the Crusaders, JJ Johnson, Gil Evans, McCoy Tyner. Highly sought after in his studies, he also lent himself to several light music recordings. Since 1972, the year in which the category "percussion" was created (hitherto confused with the "various"), it has always reached the top of the referendums of Down Beat magazine. Since 1986 he has formed a regular group with Flora Purim and, for their third album (<< Midnight Sun >>, 1987), he uses, among others, George Duke and the saxophone quartet of Itchy Fingers. In addition to an individual virtuosity and an inexhaustible invention of timbres, it stands out for its way of making any rhythm sing and developing, of hypertrophying the most elementary division of time up to irresistible and rigorous paroxysms. [P.C.] 
Trombettista, cantante, compositore e direttore d’orchestra statunitense (New Orleans, Louisiana, 4.8.1901 – New York, 6.7.1971). Allevato dalla madre Mayann e dalla nonna Josephine, forma, giovanissimo, un quartetto vocale che canta nelle strade di New Orleans. Per aver sparato in aria un colpo di pistola durante la notte di San Silvestro del 1912, viene mandato in un orfanotrofio, il Waif’s Home, ed entra nell’orchestra dell’istituto (diretta da Peter Davis).
Fa il tamburino e suona altri strumenti prima di adottare la cornetta. In seguito comincia a suonare nei cabaret di Storyville e riceve i consigli di Kid Ory (1914). Entra nell’orchestra di Kid Ory (1918) poi, sulle riverboats, in quella di Fate Marable (1918-21). Raggiunge Oliver (1922) al Lincoln Garden di Chicago, con il quale incide i primi dischi (1923). Viene scritturato da Ollie Powers e poi, a New York, da Fletcher Henderson (1924). Durante questo periodo accompagna numerose cantanti di blues: Ma Rainey, Trixie Smith, Clara Smith, Bessie Smith (1925). Incide con Clarence Williams e Perry Bradford, torna a Chicago nel Gruppo di Lil Armstrong, i Dreamland Syncopators, e incide i suoi primi dischi come leader degli Hot Five (1925-26). Lavora poi con la Vendome Orchestra di Erskine Tate; in quell’occasione lascia la cornetta per la tromba. Passa quindi nel gruppo di Carroll Dickerson, in quello di Clarence Jones, e organizza una serie di registrazioni con gli Hot Seven (1927). Si esibisce all’Usonia, Warwick Hall, con Earl Hines e Zutty Singleton, e poi di nuovo con Carroll Dickerson al Savoy Ballroom. Torna a New York da divo, accompagnato dall’orchestra di Luis Russell (1929), partecipa all’Hudson Theatre di Broadway alla rivista Hot Chocolate al fianco di Fats Waller, con cui firma i numeri musicali. Si esibisce da solista al Lafayette Theatre con l’orchestra di Carroll Dickerson e poi al New Cotton Club di Los Angeles, dove è accompagnato dai gruppi di Leon Elkins e Les Hite. Appare nel film Flame (1930). A capo di una grande orchestra, attraversa gli Stati Uniti si esibisce a Broadway e a Harlem. Gira due cortometraggi: Rhapsody in Black and Blue e I’ll Be Glad When You’re Dad, You Rascal You al fianco di… Betty Boop. Si imbarca sul Majestic per l’Europa (1932) e sarà l’attrazione principale del Palladium di Londra. Tornato negli Stati Uniti, suona per un po’ in una nuova versione di Hot Chocolate accompagnato dalla formazione di Chick Webb. Fa un nuovo viaggio in Europa, nel corso del quale si esibisce alla Salle Pleyel di Parigi (1934). Ritorna negli Stati Uniti dove, divenuto ormai una star, gira alcuni film come Pennies from Heaven con Bing Crosby (1936), Artists and Models (1937), Doctor Rhythm Every Day’s A Holiday con Mae West (1938), Goin’ Places (1939), Cabin In The Sky (1942), Jam Session – Atlantic City (1944), Pillow To Bost (1945). Compare a Broadway in una versione musicale del Sogno di una notte di mezza estate intitolata Swinging The Dream (1940). È la stella del celebre concerto Esquire alla Metropolitan Opera House con Roy Eldridge, Jack Teagarden, Coleman Hawkins, Barney Bigard, Lionel Hampton, Art Tatum, Al Casey, Oscar Pettiford, Sidney Catlett (1944). Gira il film New Orleans (1946). Lascia la sua grande orchestra e si esibisce con una piccola formazione alla Metropolitan Opera, alla Town Hall. Poi forma la sua All Stars che si presenta per la prima volta al club di Billy Berg a Los Angeles (1947). È una delle stelle del festival di Nizza (1948). Viene consacrato “King of the Zulus” durante un martedì grasso a New Orleans (1949). I lettori di Down Beat lo eleggono personaggio musicale più importante di tutti i tempi (1952). Trionfa al festival di Newport (1957-58 e 1960-61). Incide la sua biografia musicale (1956-57). Gira A Song IS Born (1947), Courtin’ Trouble (1948), The Strip, Here Comes The Groom, Botta e risposta (1951), Blind Alley, La Route du bonheur (1952), Glenn Miller Story (1954), High Society con Grace Kelly, Bing Crosby e Frank Sinatra (1956), Jazz at Newport (1958), The Five Pennies, The Beat Generation (1959), Paris Blues (1960), Louis Armstrong (1962), A Man Called Adam (1966). Fa un viaggio in Europa ogni anno, ma si esibisce anche in Giappone (1953), in Australia (1954), in Canada, Giamaica, America latina (1957), in Africa e in Unione Sovietica (1965). Alcune di queste tournée sono organizzate dal dipartimento di stato statunitense. Pur essendo stato vittima nel 1959 di un grave malessere a Spoleto, continua lo stesso ad esibirsi fino all’ultimo giorno. Ha pubblicato due autobiografie: Swing That Music (1936) e Satchmo: My Life in New Orleans (1952). Louis Armstrong ha innegabilmente svolto un ruolo fondamentale nella storia della musica. È grazie a lui che la forma musicale nata a New Orleans alla fine del secolo scorso raggiunge un pubblico universale. In realtà Armstrong ha inventato il jazz che oggi conosciamo. Mentre i pionieri si preoccupavano di perpetuare l’improvvisazione collettiva tramandata dal folklore, Louis si presenta alla ribalta, in primo piano, lasciando al suo gruppo il solo incarico di fornirgli un background adeguato. Primo e vero solista di jazz, in questo modo potrà mostrare liberamente il suo genio di improvvisatore e fare assaporare nella sua tonalità una sonorità senza eguali, cristallina, piena e calda allo stesso tempo. Inoltre, mentre i membri della band da cui sono emersi i primi musicisti jazz erano tenuti a collocare le loro note con grande rigore, Louis Armstrong sposta le sue, sia in anticipo, sia in ritardo sul tempo. L’articolazione della sua frase, che termina in un vibrato sontuoso, guadagna in leggerezza e in scioltezza grazie a questa apparente disinvoltura che genera lo swing. Come cantante, Louis Armstrong adotta la stessa impostazione. La sua voce rauca e velata si piega perfettamente alla volontà di un musicista d’eccezione. Si noterà che, come i grandi cantanti di blues o di flamenco, Armstrong non tiene conto della struttura intima delle parole scelte in quanto tali. Accorciando o allungando le sillabe a suo piacimento, disprezzando gli imperativi dell’accentazione tonica, egli sfrutta solo le proprietà strettamente musicali delle parole. Come tutti i jazzisti della sua generazione, Louis Armstrong è, innanzitutto, uno specialista della perifrasi. Quando, come per Fats Waller e altri, gli viene imposta dai produttori discografici l’interpretazione delle peggiori canzoni di moda, Armstrong saprà trasfigurarle fin dalle prime battute. Con l’aiuto di sfalsamenti sottili e insoliti, di accentazioni improvvise, egli dà vita, in qualche modo, a temi che ne erano sprovvisti. Kiss Of Fire, Ramona, La Vie en Rose, C’est si bon o il celebre Hello Dolly, per esempio, diverranno, grazie al suo genio, delle autentiche opere jazz, con un eccezionale swing. È così che prima di arrivare all’improvvisazione propriamente detta – che sarà sempre molto vicina alla trama originale – Louis Armstrong imporrà il suo metodo. Si può quindi affermare che tutti i musicisti jazz hanno più o meno subito la sua influenza e che i suoi seguaci sono innumerevoli. Certamente è un peccato che a volte si sia circondato di partner degni di lui e che, istigato dal suo manager, si sia lasciato talvolta andare, soprattutto verso la fine della sua carriera, a un esibizionismo esagerato. Rimane il fatto, comunque, che Louis Armstrong ha inciso alcuni dei capolavori di tutti i tempi che hanno nobilitato il jazz. [M.L.]
American trumpeter, singer, composer, and conductor (New Orleans, Louisiana, 4.8.1901 - New York, 6.7.1971). Raised by his mother Mayann and grandmother Josephine, he forms a vocal quartet that sings in the streets of New Orleans at a very young age. For firing a gunshot during New Year's Eve in 1912, he is sent to an orphanage, Waif's Home, and enters the institute's orchestra (directed by Peter Davis).
He makes the drummer and plays other instruments before adopting the handset. He later began playing in Storyville cabarets and received the advice of Kid Ory (1914). Join the orchestra of Kid Ory (1918) then, on the riverboats, in that of Fate Marable (1918-21). He reaches Oliver (1922) at Lincoln Garden in Chicago, with whom he records the first records (1923). He was hired by Ollie Powers and then, in New York, by Fletcher Henderson (1924). During this period, he accompanies numerous blues singers: Ma Rainey, Trixie Smith, Clara Smith, Bessie Smith (1925). He records with Clarence Williams and Perry Bradford, returns to Chicago in the Lil Armstrong Group, the Dreamland Syncopators, and records his first records as the Hot Five (1925-26). He then worked with the Vendome Orchestra of Erskine Tate; on that occasion, he leaves the cornet for the trumpet. He then moved on to Carroll Dickerson's group, to Clarence Jones's, and organized a series of recordings with the Hot Seven (1927). He performs in Usonia, Warwick Hall, with Earl Hines and Zutty Singleton, and then again with Carroll Dickerson at the Savoy Ballroom. Returning to New York as a star, accompanied by Luis Russell's orchestra (1929), he took part in the Hudson Theater on Broadway in the Hot Chocolate show alongside Fats Waller, whom he signed the musical numbers. He performs solo at the Lafayette Theater with Carroll Dickerson's orchestra and then at the New Cotton Club in Los Angeles, where he is accompanied by Leon Elkins and Les Hite groups. He appears in the film Flame (1930). At the head of a large orchestra, he crosses the United States and performs on Broadway and Harlem. He makes two short films: Rhapsody in Black and Blue and I'll Be Glad When You're Dad, You Rascal You with Betty Boop. He embarks on the Majestic for Europe (1932) and will be the main attraction of the Palladium in London. Back in the United States, he played for a while in a new version of Hot Chocolate accompanied by the training of Chick Webb. He makes a new trip to Europe, during which he performs at the Salle Pleyel in Paris (1934). He returns to the United States where, having become a star, he makes some films: Pennies from Heaven with Bing Crosby (1936), Artists and Models (1937), Doctor Rhythm Every Day's A Holiday with Mae West (1938), Goin' Places (1939 ), Cabin In The Sky (1942), Jam Session - Atlantic City (1944), Pillow To Bost (1945). He appears on Broadway in a musical version of the Sogno di una note di mezza estate entitled Swinging The Dream (1940). He is the star of the famous Esquire concert at the Metropolitan Opera House with Roy Eldridge, Jack Teagarden, Coleman Hawkins, Barney Bigard, Lionel Hampton, Art Tatum, Al Casey, Oscar Pettiford, Sidney Catlett (1944). He made the film New Orleans (1946). He leaves his large orchestra and performs with a small training at the Metropolitan Opera, at the Town Hall. He formed his All Stars, which first showed up at Billy Berg's club in Los Angeles (1947). It is one of the stars of the Nice festival (1948). He was consecrated as "King of the Zulus" during a Shrove Tuesday in New Orleans (1949). Down Beat readers elect him the most important musical character of all time (1952). He triumphs at the Newport festival (1957-58 and 1960-61). He recorded his musical biography (1956-57). He acts in: A Song IS Born (1947), Courtin' Trouble (1948), The Strip, Here Comes The Groom, Botta e risposta (1951), Blind Alley, La Route du bonheur (1952), Glenn Miller Story (1954), High Society with Grace Kelly, Bing Crosby and Frank Sinatra (1956), Jazz at Newport (1958), The Five Pennies, The Beat Generation (1959), Paris Blues (1960), Louis Armstrong (1962), A Man Called Adam (1966). He travels to Europe every year, but he also performs in Japan (1953), Australia (1954), Canada, Jamaica, Latin America (1957), Africa, and the Soviet Union (1965). The US state department organizes some of these tours. Despite having been the victim of a severe malaise in Spoleto in 1959, he continues to perform until the last day. He has published two autobiographies: Swing That Music (1936) and Satchmo: My Life in New Orleans (1952). Louis Armstrong has undeniably played a vital role in the history of music. It is thanks to him that the musical form born in New Orleans at the end of the last century reaches a universal audience. Armstrong invented the jazz we know today. While the pioneers were concerned with perpetuating the collective improvisation handed down by folklore, Louis appears in the limelight, in the foreground, leaving his group the only task of providing him with adequate background. First and true jazz soloist, in this way, he will be able to show his genius as an improviser freely and to savor in his tonality an unmatched sound, crystalline, full, and warm at the same time. Moreover, while the band members from which the first jazz musicians emerged were required to place their notes with high rigor, Louis Armstrong shifts his notes both in advance and late in time. The articulation of his musical phrase, which ends in a rich vibrato, gains in lightness and fluency thanks to this apparent ease that generates the swing. As a singer, Louis Armstrong adopts the same approach. His hoarse and veiled voice bends perfectly to the will of an exceptional musician. You will notice that, like the great singers of blues or flamenco, Armstrong does not take into account the intimate structure of the words chosen as such. By shortening or lengthening the syllables to his liking, despising the imperatives of tonic accentuation, he exploits only the strictly musical properties of words. Like all jazz musicians of his generation, Louis Armstrong is, above all, a specialist in periphrasis. When, as for Fats Waller and others, he is required by record producers to interpret the worst fashion songs, Armstrong will know how to transfigure them from the beginning. With the help of subtle and unusual staggering and sudden accents, he somehow gives life to themes that lacked them. Kiss Of Fire, Ramona, La Vie en Rose, C'est si bon or the famous Hello Dolly, for example, will become, thanks to his genius, authentic jazz works, with an exceptional swing. This is how Louis Armstrong will impose his method before arriving at improvisation proper - which will always be very close to the original plot. It can, therefore, be said that all jazz musicians have suffered his influence more or less and that his followers are innumerable. It is indeed a pity that he surrounded himself with worthy partners and that, instigated by his manager, he sometimes let himself go, especially towards the end of his career, to exaggerated exhibitionism. However, the fact remains that Louis Armstrong has recorded some of the all-time masterpieces that ennobled jazz. [M.L.] |
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