Strumento a fiato ad ancia semplice. Nella famiglia dei clarinetti quello sato più frequentemente è il clarinetto in si♭, registro soprano; il clarinetto basso viene suonato soprattutto a partire dagli anni ’60; il piccolo clarinetto in mi♭ era usato principalmente nelle fanfare di New Orleans. Tutti questi strumenti hanno un’estensione notevole per dei fiati: tre ottave e un quarto – anche di più per certi virtuosi – con una omogeneità di timbro e di intensità incomparabile in ogni registro. I primi clarinettisti jazz suonavano spesso con strumenti a sistema Albert, il cui suono è più largo di quelli del sistema Boehm-Klosé (che invece permette più virtuosismi).
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Simple reed wind instrument. In the clarinet family, the most frequent one is the clarinet in B♭, soprano register; the bass clarinet is played mainly from the 1960s; the small E♭ clarinet was used primarily in New Orleans fanfares. All these instruments have a remarkable extension for wind instruments: three octaves and a quarter - even more for individual virtuosos - with homogeneity of timbre and incomparable intensity in every register. Early jazz clarinetists often played with Albert system instruments, whose sound is more extensive than those of the Boehm-Klosé system (which instead allows more virtuosity).
Continue next Monday  3. Il blues è una struttura musicale di 12 misure composta da 3 frasi di misure che si organizzano intorno a 3 accordi (tonica, sottodominante e dominante) alternando la voce e lo strumento secondo uno schema AAB segnato dall’alterazione del terzo e settimo grado della scala diatonica (blue note) la cui origine è spesso riportata alle scale pentatoniche africane. Ma questo modo rigido, oltre al fatto che il suo rigore genera una grande tensione, ha eccezioni: blues di 8 o 16 misure, con musicisti che seguono la propria metrica o scelgono altrimenti la loro progressione di accordi, ma soprattutto trovano la loro maniera di interpretarla, imponendo il proprio ritmo, la propria inventiva, i propri sentimenti e il proprio affetto a una melodia che conta meno delle parole cui fa da sfondo. 4. Il blues è un testo impregnato della storia di un popolo, delle sue leggende (John HenryI, Istack-o-leeI) e della sua vita quotidiana, delle sue memorie e dei suoi oblii, dei suoi piaceri e delle sue malinconie e che contiene tutto di questo popolo, dallo spirituale al triviale, dall’osceno al sublime, insieme di uomini semplici e buoni, furfanti matricolati, pastori, cantanti, narratori, danzatori, musicisti che hanno formato una tradizione orale di cui hanno assicurato la trasmissione con un’improvvisazione costante. Continua Venerdì prossimo 3. The blues is a musical structure of 12 measures consisting of 3 sentences of measures that are organized around 3 chords (tonic, subdominant, and dominant). The voice and the instrument alternate according to an AAB scheme marked by the alteration of the third and seventh degrees of the diatonic scale (blue note). The origin is often reported on the African pentatonic scales. But this rigid way, besides the fact that its rigor generates high tension, has exceptions. The blues of 8 or 16 measures, with musicians who follow their metric or otherwise choose their chord progression. But above all, they find their way of interpreting it, imposing their rhythm, their inventiveness, their feelings, and their affection for a melody that counts less than the words in the background. 4. The blues is a text imbued with the history of a people. He talks about his legends (John HenryI, Istack-o-leel) and his daily life, his memories and obliques, his pleasures, and his melancholy. It contains all of these people, from the spiritual to the trivial, from the obscene to the sublime. A set of simple and good men, matriculated rascals, shepherds, singers, narrators, dancers, musicians who have formed an oral tradition whose transmission has been ensured with constant improvisation. Continue next Friday  Download What'd I Say, Parts 1 & 2 sheet music by Ray Charles courtesy of Hill And Range Songs Incorporated, USA 
Nonostante la California, inizialmente messicana, venisse annessa agli Stati Uniti solo nel 1848 e la sua popolazione nera fosse in origine una ridotta minoranza, curiosamente il jazz vi incontrò, sin dall’inizio, una notevole diffusione. All’inizio degli anni ’10 vi si esibiscono prima Freddie Keppart e poi Jelly Roll Morton. Stabilitovisi nel 1919, Kid Ory vi registra quello che è senza dubbio il primo disco inciso da un’orchestra di neri (Ory’s Creole Trombone, Society Blues, 1922). Paul Whiteman vi organizza la sua prima orchestra (1919). Con la trasformazione di Hollywood in capitale del cinema si manifestano due fenomeni: in un primo momemnto la moltiplicazione delle orchestre da ballo e di jazz (Ben Pollack, Gus Arnheim, Paul Howard’s Quality Serenaders), poi, con l’avvento del cinema parlato, l’arrivo di musicisti sempre più importanti, attratti dalle occasioni di lavoro in studi di registrazione. Gli stessi musicisti suoneranno anche nei club costituendo così una riserva quasi permanente nella quale possono pescare tutti i direttori d’orchestra desiderosi di mettere insieme una propria formazione, sicuri di poter trovare musicisti dotati di una tecnica eccellente. Ben presato il grande pubblico manifesta un grande entusiasmo per il jazz: Benny Goodman, che nel 1935 si accingeva a sciogliere la propria formazione, rivedrà la sua decisione proprio dopo l’accoglienza ricevuta alla Palomar Ballroom.
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Although California, initially Mexican, was annexed to the United States only in 1848 and its black population was initially a small minority, jazz curiously met there from the beginning, a considerable diffusion. In the early 10s, Freddie Keppart and then Jelly Roll Morton performed there. Established in 1919, Kid Ory records what is undoubtedly the first record recorded by an orchestra of blacks (Ory's Creole Trombone, Society Blues, 1922). Paul Whiteman organizes his first orchestra there (1919). With the transformation of Hollywood into the capital of cinema, two phenomena manifested: at first the multiplication of dance and jazz orchestras (Ben Pollack, Gus Arnheim, Paul Howard's Quality Serenaders), then, with the advent of spoken cinema, the arrival of increasingly talented musicians, attracted by job opportunities in recording studios. The same musicians will also play in the clubs, thus constituting an almost permanent reserve in which all conductors wishing to put together their training can fish, confident that they will be able to find musicians with excellent technique. Well attended the general public shows a superb enthusiasm for jazz: Benny Goodman, who in 1935 was about to dissolve his training, will review his decision just after the reception received at the Palomar Ballroom.
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In Europa, bisogna aspettare gli anni ’50 per avere dei pianisti di una certa classe (a eccezione del britannico George Shearing, emigrato negli Stati Uniti nel 1947). Il sorprendente Bernard Peiffer precede in Francia il pianista europeo più originale, Martial Solal. Raph Schecroun, diventato Erroll Parker, si allonta dal bebop e Parigi per fare numerose esperienze d’avanguardia a New York. André Persiani, Claude Bolling, Raymond Fol, René Urtreger, Maurice Sardaby, Alain Jean-Marie, apprezzati dai solisti statunitensi, hanno la loro da dire. Gli anni ’80 invece hanno reso famosi Michel Petrucciani, Antoine Hervé o Zool Fleischer. Il tedesco Joachim Kühnü gli inglesi Gordon Beck, John Taylor, lo spagnolo Tete Montoliu, gli italiani Franco D’Andrea ed Enrico Pieranunzi e molti altri dimostrano la vitalità del pianoforte europeo. In America Richie Beirach, Kenny Kirkland, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Michele Rosewoman, Geri Allen hanno il vento in poppa e i veterani Kirk Lightsey e Kenny Barron ritrovano una seconda giovinezza. A parte, nella generazione di Hoagy Carmichael, si è sviluppata un certo tipo di scuola di pianisti-cantanti, spesso anche compositori: Mose Allison, Bobby Troup, Dave Frishberg, Bob Dorough, Ben Sidran, senza dimenticare il grandissimo, impareggiabile, Nat King Cole; tra le donne: Julia Lee, Cleo Brown, Gladys Bentley, Rose Murphy, Nellie Lutcher, Blossom Dearie, Nina Simone, Carmen McRae, Shirley Horne, Jeri Southern, Meredith d’Ambrosio ecc. Molti jazzmen hanno suonato un genere commerciale definito society music, cocktail lounge, piano bar, spesso disprezzato dagli amanti della musica jazz: Lee Sims, Cy Walter (la cui scienza armonica, a metà strada tra Gershwin e Tatum, ha subito qualche influenza), Bobby Short, Hazel Scott, Dorothy Donegan, Aaron Bridgers. Per saperne di più sul jazz al pianoforte, è possibile leggere Jazz Piano, A Jazz History (W.C. Brown, Dubuque 1982) del pianista Billy Taylor, e il dizionario People In Jazz, Jazz Keyboard Improvisors Of The 19th & 20th Centuries (Columbia Picture Publications, Hialeah 1984).
[Ph.B.]
In Europe, you have to wait until the 1950s to have pianists of a specific class (except the British George Shearing, who emigrated to the United States in 1947). The striking Bernard Peiffer precedes in France the most original European pianist, Martial Solal. Raph Schecroun, who has become Erroll Parker, moves away from the bebop and Paris to have many cutting-edge experiences in New York. André Persiani, Claude Bolling, Raymond Fol, René Urtreger, Maurice Sardaby, Alain Jean-Marie, appreciated by American soloists, have their say. The 1980s instead made Michel Petrucciani, Antoine Hervé, or Zool Fleischer famous. The German Joachim Kühnü the English Gordon Beck, John Taylor, the Spanish Tete Montoliu, the Italians Franco D’Andrea, and Enrico Pieranunzi, and many others demonstrate the vitality of the European piano. In America, Richie Beirach, Kenny Kirkland, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Michele Rosewoman, Geri Allen have the wind in their sails and veterans Kirk Lightsey, and Kenny Barron, find a second youth. Aside from the generation of Hoagy Carmichael, a particular type of school of pianists-singers has developed, often also composers: Mose Allison, Bobby Troup, Dave Frishberg, Bob Dorough, Ben Sidran, without forgetting the great, unparalleled, Nat King Cole; among women: Julia Lee, Cleo Brown, Gladys Bentley, Rose Murphy, Nellie Lutcher, Blossom Dearie, Nina Simone, Carmen McRae, Shirley Horne, Jeri Southern, Meredith d'Ambrosio, etc. Many jazz artists have played a commercial genre called society music, cocktail lounge, piano bar, and often despised by lovers of jazz music. These include Lee Sims, Cy Walter (whose harmonic science, halfway between Gershwin and Tatum, has undergone some influence), Bobby Short, Hazel Scott, Dorothy Donegan, Aaron Bridgers. To learn more about jazz on the piano, you can read Jazz Piano, A Jazz History (WC Brown, Dubuque 1982) by pianist Billy Taylor, and the People In Jazz dictionary, Jazz Keyboard Improvisors Of The 19th & 20th Centuries (Columbia Picture Publications, Hialeah 1984).
[Ph.B.] 
L’origine della parola in sé è incerta (to be blue, “vedere tutto nero”, o blue devils, folletti venuti da una ballad irlandese) e lontana (inizio XIX secolo) mentre le sue accezioni sono varie e intrecciate: ne citiamo otto.
The origin of the word itself is uncertain (to be blue, "see all black," or blue devils, leprechauns from an Irish ballad) and distant (early nineteenth century). At the same time, its meanings are varied and intertwined: we mention eight.
È in questa città che le orchestre saranno profondamente segnate dal blues, che si evolve verso lo shout, l’unico sistema che permetta ai cantanti di non essere soffocati dalla massa orchestrale, mentre il boogie-woogie diviene un elemento determinante del nuovo linguaggio orchestrale, a base di temi semplici, di riff rivalutati e ravvivati destinati a favorire lo swing collettivo. Questo repertorio, illustrato dai Blues Devils di Walter Page, i Twelve Clouds Of Joy di Andy Kirk (con Mary Lou Williams), le formazioni di Bennie Moten e ben presto di Count Basie, diventa parte integrante dello stile delle big band verso la metà degli anni ’30, mentre, sotto la spinta di Walter Page e Jo Jones, si arriva alla definizione di una sezione ritmica in cui i quattro tempi, espressi allo stesso modo, determinano la scioltezza e l’equilibrio dello swing, una regola che resterà fino all’avvento del bebop, due pionieri del quale, Charlie Parker e Tadd Dameron, fanno il loro debutto professionale nelle orchestre di Kansas City: quelle di Harlan Leonard, di Buster Smith e di Jay McShann.
The Last Of The Blues Devils, film di Bruce Ricker (1979), con, tra gli altri,Basie, Eddie Durham, Jimmy Forrest, Budd Johnson, Jo Jones, McShann, Paul Quinichette, Gene Ramey, Buster Smith e Big Joe Turner, testimonia abbastanza bene questo capitolo decisivo della storia del jazz. Da leggere, di Ross Russell: Jazz Style In Kansas City And The Southwest (1971). [P.C.]
It is in this city that the orchestras will be deeply marked by the blues, which evolves towards the shout, the only system that allows singers not to be suffocated by the orchestral mass. At the same time, the boogie-woogie becomes a determining element of the new musical language, based on simple themes, revalued and revived riffs intended to favor collective swing. This repertoire, illustrated by Walter Page's Blues Devils, Andy Kirk's Twelve Clouds Of Joy (with Mary Lou Williams), Bennie Moten's formations, and Count Basie soon, becomes an integral part of the style of big bands around the middle of the 1930s. While, under the pressure of Walter Page and Jo Jones, we arrive at the definition of a rhythmic section in which the four tempos. Expressed in the same way, determine the fluidity and balance of the swing, a rule that will remain until the advent of the bebop. Two pioneers of which, Charlie Parker and Tadd Dameron, make their professional debut in the orchestras of Kansas City: those of Harlan Leonard, Buster Smith, and Jay McShann.
The Last Of The Blues Devils, Bruce Ricker film (1979), with, among others, Basie, Eddie Durham, Jimmy Forrest, Budd Johnson, Jo Jones, McShann, Paul Quinichette, Gene Ramey, Buster Smith, and Big Joe Turner, testifies quite well to this final chapter in the history of jazz. To read, by Ross Russell: Jazz Style In Kansas City And The Southwest (1971). [P.C.]
Anche se Bill Evans aveva già preso parte a delle esperienze modali con George Russell e Miles Davis, la vera novità sarà rappresentata dal compagno di Coltrane, McCoy Tyner, altro pianista cardine dall’immensa capacità di folgorazione. Invece il free jazz è personificato dal pianista-faro Cecil Taylor, l’unico a essersi immerso totalmente in questa musica. Citiamo anche Sun Ra, Dave Burrell, Bobby Few, Muhal Richard Abrams, Don Pullen. Tra i numerosi pianisti scoperti da Miles Davis c’è Herbie Hancock che ha assimilato perfettamente le invenzioni dei suoi predecessori ed è riuscito – a suo perfetto agio in tutti i generi – a imporre un nuovo classicismo pianistico grazie alla capacità di conservare le qualità intrinseche del jazz: swing e senso del blues. Tra i pianisti che hanno sviluppato un’estetica singolare che resiste ai tentativi di classificazione, citiamo ancora Roger Kellaway, Randy Weston, Ran Blake, Jaki Byard, Marian McPartland, Joanne Brackeen, Stanley Cowell, Kenny Barron, Carla Bley e l’influente Paul Bley. Andrew Hill, Monty Alexander e Dollar Brand hanno arricchito il jazz con elementi folkloristici dei loro paesi. Chick Corea e Keith Jarrett sono pianisti catalizzatori ed eccellenti compositori. Il primo, spesso spagnoleggiante, ha saputo integrare Monk, Evans, Tyner, Hancock, il free e Bartók, completamente padrone delle musiche ternarie, binarie e latine, come la maggior parte dei pianisti da Hancock in poi. Il secondo, Jarrett, grande stilista dagli umori alterni e dagli eccessi da perfetto romantico, è originale per il modo in cui fonde dissonanze e accordi perfetti e integra gli elementi chitarristici dello stile country.
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Although Bill Evans had already taken part in modal experiences with George Russell and Miles Davis, the real news will be Coltrane's partner, McCoy Tyner, another pivotal pianist with immense electrocution ability. Instead, free jazz is personified by the pianist-lighthouse Cecil Taylor, the only one who has immersed himself in this music. We also mention Sun Ra, Dave Burrell, Bobby Few, Muhal Richard Abrams, Don Pullen. Herbie Hancock is among the many pianists discovered by Miles Davis. Who perfectly assimilated the inventions of his predecessors and managed - at ease in all genres - to impose a new piano classicism thanks to the ability to preserve the intrinsic qualities of jazz: swing and sense of blues. Among the pianists who have developed a singular aesthetic that resists classification attempts, we still mention Roger Kellaway, Randy Weston, Ran Blake, Jaki Byard, Marian McPartland, Joanne Brackeen, Stanley Cowell, Kenny Barron, Carla Bley, and the influential Paul Bley. Andrew Hill, Monty Alexander, and Dollar Brand have enriched jazz with folkloric elements from their countries. Chick Corea and Keith Jarrett are catalyst pianists and excellent composers. The former, often Spanish, has been able to integrate Monk, Evans, Tyner, Hancock, the free and Bartók, completely master of ternary, binary, and Latin music, like most pianists from Hancock onwards. The second, Jarrett, a great stylist with alternate moods and perfect romantic excesses, is original for the way he blends perfect dissonances and chords and integrates the guitar elements of the country style.
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Discendendo dall’arte del griot (poeta-musicista), del narratore africano, ed evocando la figura del trovatore provenzale del XII e XIII secolo, il blues è là non appena il nero parla a se stesso, ma non poteva trovare la sua identità e il suo spazio se non partendo dall’identità dei suoi inventori. Da schiavo, il nero è senza nome, non appartiene a se stesso; da uomo libero, anche se la sua condizione non è delle migliori, può cantare dicendo “io” che non obbliga il “noi” anche se lo invoca, cantante che esprime un gruppo di cui è al tempo stesso l’espressione. Così può raccontare la sua storia e la storia del suo popolo, creare miti e poemi, dire ciò che vive, pene e gioie, ed esaltare l’amore – per una donna come per la sua lingua – amore avido da cui dipende l’humor; perchè il blues, partorito dal dolore, non può esistere che nella libertà dell’individuo.
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The blues derives from the art of the griot (poet-musician), of the African narrator, and evoking the figure of the Provencal troubadour of the twelfth and thirteenth centuries, it is there as soon as black speaks to itself. Still, he could not find his identity and his space, if not starting from the character of his inventors. As a slave, black is nameless; it does not belong to itself; as a free man, even if his condition is not the best, he can sing saying "I" that does not oblige "us" also if he invokes him, a singer who expresses a group whose expression he is at the same time. So he can tell his story and the history of his people. Create myths and poems. To say what lives, pains and joys, and to exalt love, for a woman as for her language, greedy love on which humor depends; because the blues, born of pain, can only exist in the freedom of the individual.
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Riunione di due agglomerati, Kansas City (Kansas) e Kansas City (Missouri), separati da una frontiera parallela ai fiumi Kansas e Missouri. Questa città doppia è luogo, dalla fine del XIX secolo, di un esodo notevole di contadini neri – circa 40000 – venuti dalle rive del Mississippi per rispondere all’appello del profeta Benjamin Singleton. Che li esorta a migrare verso una nuova Terra promessa, il Kansas. Questa concentrazione permetterà lo sviluppo della musica nera, nello scenario culturale e sociale del blues ancora grezzo, e per un pubblico essenzialmente nero.
Grande centro del commercio di bestiame dove si ritrovano allevatori e commercianti, Kansas City (Missouri) offre fin dagli inizi del secolo dei divertimenti e una vita notturna che non hanno niente da invidiare a New Orleans. Pianisti di ragtime, orchestre e fanfare si moltiplicano. Punto di incontro di musicisti venuti da New Orleans, da St Louis, dal Texas, e di artisti locali e di territory bands che percorrono il Middle West, Kansas City diventa negli anni ’30, nei cabaret della 12a e 18a Strada (Sunset, Lonestar, Subway, Cherry Blossom, Hawaiian Garden ecc.) il teatro di un’intensa attività musicale. Tanto che, durante gli anni del Proibizionismo (1920-30), l’amministrazione corrotta di Tom Pendergast, che durerà fino al 1938, lascia delle libertà inconcepibili in altre città degli Stati Uniti. È a Kansas City, laboratorio e veterina della nascente musica nera, che vengono elaborate la maggior parte delle formule del middle jazz che si svilupperanno in seguito a New York e nel resto del paese. Le notti di Kansas City sono i momenti privilegiati di storiche jam session, spesso omeriche e simili a maratone, che riuniscono solisti notevoli quali Pete Johnson, Sammy Price, Joe Turner, Jimmy Rushing, Hot Lips Page, Dick Wilson, Herschel Evans, Ben Webster, Lester Young ecc. Continua Mercoledì prossimo
Meeting of two agglomerations, Kansas City (Kansas) and Kansas City (Missouri), separated by a border parallel to the Kansas and Missouri rivers. This twin city has been a site since the late nineteenth century of a remarkable exodus of black peasants - around 40,000 - who came from the banks of the Mississippi to respond to the appeal of the prophet Benjamin Singleton. That urges them to migrate to a new promised land, Kansas. This concentration is the development of black music, in the cultural and social scenario of the still raw blues, and for a mainly black audience. High center of cattle trade where breeders and traders meet, Kansas City (Missouri) has offered entertainment and nightlife since the beginning of the century that have nothing to envy in New Orleans. Ragtime pianists, orchestras, and fanfares are multiplying. Become a meeting point for musicians from New Orleans, St Louis, Texas, and local artists and territory bands that travel the Middle West, Kansas City becomes in the 30s, the theater of intense musical activity, in the cabarets of the 12th and 18th Street (Sunset, Lonestar, Subway, Cherry Blossom, Hawaiian Garden, etc.) So much so that, during the years of Prohibition (1920-30), the corrupt administration of Tom Pendergast, which lasted until 1938, left inconceivable freedoms in other cities of the United States. It is in Kansas City, laboratory and veterinarian of nascent black music, that most of the middle jazz formulas that will develop later in New York and the rest of the country are grown. Kansas City nights are the privileged moments of historic jam sessions, often Homeric and similar to marathons. They bring together notable soloists such as Pete Johnson, Sammy Price, Joe Turner, Jimmy Rushing, Hot Lips Page, Dick Wilson, Herschel Evans, Ben Webster, Lester Young, etc.
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La nascita dell’hard bop e dello stile funky con il ritorno alle origini, determinerà l’apparizione, a partire dall’inizio degli anni ’50, di molti pianisti capaci di padroneggiare il bebop, eccellenti bluesmen e perfetti accompagnatori: Horace Silver, Red Garland, Mal Waldron, Kenny Drew, Junior Mance, Horace Parlan, Sonny Clark, Wynton Kelly, Ray Bryant, Cedar Walton, Bobby Timmons. L’importanza di Ahmad Jamal, che coincide con gli inizi dell’hard bop, non sarà sempre ben compresa. A capo di uno dei trii più perfetti della storia del jazz, inventa uno stile di mano sinistra i cui rivolti sincopati faranno scuola, tenendo la mano destra molto alta sulla tastiera. Se le sue pause e i suoi silenzi non hanno avuto seguito, Jamal anche grazie a Miles Davis, che è il suo seguace più fedele, ha una forte influenza soprattutto su Red Garland, Horace Parlan, Gene Harris, Monty Alexander. Qualche tempo dopo appare il pianista più importante dell’epoca, inventore di un’estetica del trio dell’equilibrio così perfetto che la sua influenza è sempre valida: Bill Evans, il cui straordinario senso armonico produce delle generazioni di iperarmonisti, come Clare Fischer o Warren Bernhardt.
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The birth of hard bop and funky style with the return to origins will determine the appearance, from the beginning of the 1950s, of many pianists capable of mastering the bebop, excellent bluesmen and perfect companions: Horace Silver, Red Garland, Mal Waldron, Kenny Drew, Junior Mance, Horace Parlan, Sonny Clark, Wynton Kelly, Ray Bryant, Cedar Walton, Bobby Timmons. The importance of Ahmad Jamal, which coincides with the beginnings of hard bop, will not always be well understood. At the head of one of the perfect trios in the history of jazz, he invents a left-hand style whose syncopated revolts will make school, keeping the right hand very high on the keyboard. If his pauses and his silences have not followed, Jamal, also thanks to Miles Davis, who is his most faithful follower, has a strong influence, especially on Red Garland, Horace Parlan, Gene Harris, Monty Alexander. Sometime later, he appeared the most influential pianist of the time, inventor of an aesthetic of the trio of balance so perfect that his influence is always valid: Bill Evans. Whose extraordinary harmonious sense produces generations of hyperarmones, such as Clare Fischer or Warren Bernhardt.
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