Capitol Records Building - 1750 Vine St, Los Angeles, CA 90028, United States
Casa discografica statunitense fondata in California nel 1942 da un venditore di dischi, Glenn Wallichs, dal paroliere e interprete Johnny Mercer e dal produttore Buddy DeSylva. La Capitol ha un successo quasi immediato con il disco Straighten Up And Fly Right inciso da Nat King Cole e il suo trio, il 30 Novembre 1943. Stimata per la qualità delle sale di registrazione, per l’abilità dei suoi tecnici del suono, la casa discografica assume rapidamente importanza sul mercato statunitense, fenomeno assai raro per una società newyorkese. Nel 1953 Frank Sinatra firma un contratto con la casa discografica, e per la società è la tappa decisiva. Dopo la registrazione con il complesso di Miles Davis, costituito da nove strumenti, e i contratti esclusivi con Stan Kenton e King Cole, la compagnia registra Benny Goodman, Dizzy Gillespie, Woody Herman, Benny Carter, Art Tatum, Duke Ellington ecc. Con la serie Kenton presents… Capitol contribuisce negli anni ’50 alla popolarizzazione del jazz californiano, pubblicando inoltre album firmati da George Shearing, Shelly Manne, Bobby Hackett, Jack Teagarden e altri. Oggi è una controllata della multinazionale EMI.
[A.T.]
American record company founded in California in 1942 by a record seller, Glenn Wallichs, the lyricist and performer Johnny Mercer, and the producer Buddy DeSylva. The Capitol has almost immediate success with the Straighten Up And Fly Right disc recorded by Nat King Cole and his trio on November 30, 1943. Estimated for the quality of the recording rooms, for the skill of its sound technicians, the record company quickly assumes importance on the US market, a sporadic phenomenon for a New York company. In 1953 Frank Sinatra signed a contract with the record company, and it was the decisive stage for the company. After registering with the Miles Davis complex, consisting of nine instruments, and exclusive contracts with Stan Kenton and King Cole, the company registers Benny Goodman, Dizzy Gillespie, Woody Herman, Benny Carter, Art Tatum, Duke Ellington, etc. With the Kenton Presents... Capitol series contributed to the popularization of Californian jazz in the 1950s, also publishing albums signed by George Shearing, Shelly Manne, Bobby Hackett, Jack Teagarden, and others. Today it is a subsidiary of the multinational EMI.
[A.T.] 
Trombettista, flicornista e compositore statunitense (Filadelfia, Pennsylvania, 3.6.1935 - Montclair, New Jersey, 4.11.2012). Esordiente nel gruppo di Charlie Ventura, ha come maestro Jimmy Heath alla Granoff School. Negli anni ’50, spronato da Miles Davis, lavora a New York con Mal Waldron, Red Garland, Cecil Taylor e Philly Joe Jones. Sarà tuttavia con l’orchestra di Charles Mingus e a fianco di Eric Dolphy che inciderà i suoi primi dischi e che si farà notare ad Antibes, in Francia, nel 1960. Coleader di un piccolo gruppo con Bill Barron fino al 1965, suona saltuariamente con Archie Sheep, Max Roach o a capo di piccole ed effimere formazioni. Diverse le sue apparizioni in Europa, specie nei club o in occasione di festival. Nel 1973 è a Zurigo con la Schauspielhaus Theatre Orchestra, ove partecipa alla rappresentazione teatrale di Peter Weiss Marat-Sade. Sin dal fine degli anni ’70, intraprende la doppia carriera di musicista e promotore di jazz, organizzando stages nei campus o producendo trasmissioni radiofoniche.
Una sonorità calda e dolce al tempo stesso, un registro piuttosto limitato, frasi melodiose non prive di complessità, sono alcuni degli aspetti dello stile di Ted Curson, a metà strada fra l’avanguardia e il classicismo. Degna di nota la sua passione per gli strumenti simili al suo, come la tromba a quattro pistoni di cui fu uno dei rari utilizzatori. [F.R.S.]
American trumpeter, flugelhorn, and composer (Philadelphia, Pennsylvania, 3.6.1935 - Montclair, New Jersey, 4.11.2012). A debutant in Charlie Ventura's group, he has as teacher Jimmy Heath at the Granoff School. In the 1950s, spurred on by Miles Davis, he worked in New York with Mal Waldron, Red Garland, Cecil Taylor, and Philly Joe Jones. However, it will be with Charles Mingus' orchestra and alongside Eric Dolphy, who will record his first records and be noticed in Antibes, France, in 1960. Co-leader of a small group with Bill Barron until 1965, he occasionally plays with Archie Sheep, Max Roach, or at the head of minor and temporary formations. His appearances were different in Europe, especially in clubs or at festivals. In 1973 he was in Zurich with the Schauspielhaus Theater Orchestra, where he participated in the theatrical performance of Peter Weiss Marat-Sade. Since the late 1970s, he has embarked on a dual career as a musician and jazz promoter, organizing stages on campus or producing radio broadcasts.
A warm and sweet sound at the same time, a somewhat limited register, musical phrases not without complexity, are some of the aspects of Ted Curson's style, halfway between the avant-garde and classicism. Noteworthy is his passion for instruments similar to his, such as the four-piston trumpet of which he was one of the rare users. [F.R.S.] 
Trombettista e cantante statunitense (Chattanooga, Tennessee, 2.6.1904 – New York, 30.5.1956). La madre è insegnante di musica e le sorelle, Lavaida (Carter e Alvaida, fanno carriera come cantanti. Solo lei, tuttavia, suona uno strumento, poco apprezzato all’epoca dalle donne: la tromba. La sua carriera comincia nel 1920 ad Atlantic City, Filadelfia e New York (dove si esibisce in particolare al Barron Wilkins’ verso il 1922.) Partecipando a riviste itineranti, Valaida percorre in lungo e in largo gli Stati Uniti prima di imbarcarsi nel 1926 per Shanghai con l’orchestra del batterista Jack Carter (di cui fa parte anche Albert Nicholas). Dopo un soggiorno a Chicago (e una burrascosa relazione con Earl Hines) nel 1929, si esibisce per due anni in Europa dell’Est (URSS compresa), in Germania, in Francia, in Belgio. Partecipando nel 1933 alla Grand Terrace Revue, incide i suoi primi dischi come cantante con i Washboard Rhythm Kings poi, membro dell’edizione 1934 delle riviste Blackbirds, si ritrova in Inghilterra dove, nel 1935, incide con musicisti locali i primi dischi col proprio nome (o, piuttosto, col proprio nome di battesimo). Durante l’estate 1935 lavora a Los Angeles in un duetto insieme al suo primo marito, il ballerino Ananias Berry. Partecipa alle riprese di due film (Take It From Me e Irresistible You) prima di tornare in Europa. La troviamo quindi, dal 1936 al 1940, in Inghilterra (dove continua a incidere), in Belgio, in Francia (dove suona con Django Reinhardt e partecipa alle riprese del film L’imboscata, 1939), in Austria, in Svizzera, nei Paesi Bassi, in Danimarca, in Svezia (in questi ultimi due paesi incide anche alcuni dischi, 1939-40). Arrestata dalla polizia danese nel 1941, viene consegnata ai nazisti e deportata. Passa quasi due anni in un campo di concentramento dove subisce gravi sevizie. Scambiata finalmente con due prigionieri tedeschi, ritorna negli Stati Uniti (1943) e riprende a fatica la sua carriera. La troveremo, dal 1944 al 1956, a New York e in California: partecipa a spettacoli, a film, incide nuovi dischi, passa alla televisione. Mai rimessasi dalla prigionia, muore nel 1956, vittima di un’emorragia cerebrale, poco dopo aver assolto un ultimo ingaggio al Palace Theatre di New York.
Valaida Snow, nel ruolo di cantante, appartiene a quella famiglia di signore dalla voce chiara e fresca, vivace, che comprende Adelaide Hall, Maxine Sullivan, Midge Williams e la sorella Lavaida Carter. Come trombettista, fa pensare a Doc Cheatham e Benny Carter. [D.N.]
American trumpeter and singer (Chattanooga, Tennessee, 2.6.1904 - New York, 30.5.1956). Her mother is a music teacher, and her sisters, Lavaida (Carter and Alvaida, make a career as singers. However, only she plays an instrument, little appreciated by women at the time: the trumpet. Her career began in 1920 in Atlantic City, Philadelphia and New York (where he performed in particular at Barron Wilkins' around 1922.) By participating in itinerant shows, Valaida traveled the United States far and wide before embarking in 1926 for Shanghai with the orchestra of drummer Jack Carter (which also includes Albert Nicholas.) After a stay in Chicago (and a stormy relationship with Earl Hines) in 1929, he performed for two years in Eastern Europe (including the USSR), Germany, France, Belgium. Taking part in the Grand Terrace Revue in 1933, she recorded his first records as a singer with the Washboard Rhythm Kings. Then, as a member of the 1934 edition of the Blackbirds shows, she found herself in England where, in 1935, he recorded the first records with his name with local musicians (or, rather, with your first name). During the summer of 1935, she worked in Los Angeles in a duet with her first husband, the dancer Ananias Berry. Participate in the filming of two films (Take It From Me and Irresistible You) before returning to Europe. We find her then, from 1936 to 1940, in England (where it continues to record), in Belgium, in France (where he plays with Django Reinhardt and participates in the filming of the film L’Imboscata, 1939). Then in Austria, in Switzerland, in the Netherlands, Denmark, Sweden (in the latter two nations also records some records, 1939-40). Arrested by the Danish police in 1941, she was handed over to the Nazis and deported. He spends almost two years in a concentration camp where he suffers severe torture. Finally, exchanged with two German prisoners, she returned to the United States (1943) and barely resumed her career. From 1944 to 1956, she will find her in New York and California: she participates in shows and films, makes new records, and goes on television. Never recovering from captivity, he died in 1956, the victim of a cerebral hemorrhage, shortly after acquiring a final engagement at the Palace Theater in New York.
Valaida Snow, in the role of singer, belongs to that family of ladies with a bright and fresh, lively voice, including Adelaide Hall, Maxine Sullivan, Midge Williams, and her sister Lavaida Carter. As a trumpet player, it makes you think of Doc Cheatham and Benny Carter. [D.N.] 
Questo strumento esiste in due versioni: diatonico (blues harp) e cromatico (armonica). Il primo è soprattutto usato nel blues, dove i suoi effetti espressivi sono molto efficaci. È costruito sul principio della scala maggiore e non comprende quindi tutti gli intervalli dei semitoni. Gli armonicisti ottengono, però le note mancanti modificando l’intensità dei loro attacchi (soprattutto sulle note aspirate). Esistono armoniche per ciascuna tonalità. Numerosi bluesmen hanno sottolineato l’uso di questo strumento: i due Sonny Boy Williamson, Big Walter Horton, Little Walter, Sonny Terry, Sugar Blue… Sull’armonica cromatica possono essere ottenute tutte le note grazie a un sistema di registri. Essendo maggiori le possibilità melodiche e armoniche, è possibile improvvisare su griglie di accordi. La sonorità dell’armonica cromatica è talvolta meno espressiva, più vicina a quella della fisarmonica. Il principale utilizzatore di questo strumento è il chitarrista Toots Thielemans. Vanno segnalati ugualmente Larry Adler, che ha lavorato, come è noto, con Django Reinhardt, il sassofonista Eddie Shu (con Gene Krupa a metà degli anni ’50) e il batterista Wilbert (o Wilbur) Kirk con Wilbur DeParis.
[P.B., C.G.]
This instrument exists in two versions: diatonic (blues harp) and chromatic (harmonic). The former is mainly used in blues, where its emotional effects are beneficial. It is built on the major scale principle and, therefore, does not include all the semitone intervals. The harmonicists get the missing notes by changing the intensity of their attacks (especially on the aspirated notes). There are harmonics for each tonality. Numerous bluesmen have emphasized the use of this instrument: the two Sonny Boy Williamson, Big Walter Horton, Little Walter, Sonny Terry, Sugar Blue. All the notes can be obtained on the chromatic harmonic thanks to a system of registers. As the melodic and harmonic possibilities are higher, it is possible to improvise on chord grids. The chromatic harmonic sound is sometimes less expressive, closer to that of the accordion. The primary user of this instrument is the guitarist Toots Thielemans. Larry Adler, who worked, as is well known, with Django Reinhardt, saxophonist Eddie Shu (with Gene Krupa in the mid-1950s), and drummer Wilbert (or Wilbur) Kirk with Wilbur DeParis, should also be mentioned.
[P.B., C.G.] 
Sassofonista (alto e tenore), clarinettista, flautista e compositore statunitense (Medford, Massachusetts, 1.6.1924 – New York, 11.4.2012). A Newton (Massachusetts), dove passa la giovinezza, è compagno di Ralph Burns, studia il clarinetto e il sax, si esibisce in gruppi di musicisti dilettanti. Fa il suo debutto da professionista nell’orchestra del pianista Don Bestor, suona con Les Brown (1942), si unisce a Dean Hudson, Woody Herman (1943), poi Boyd Raeburn (1944-45). SI stabilisce allora in California, dove lavora con Johnny Otis, Alvino Ray, al Donahue, Buddy Rich, poi Claude Thornhill (1940-49), Terry Gibbs (1950-51). In seguito, farà parte dell’orchestra di Elliott Lawrence (1951-56), suonando a fianco di Don Elliott, Chico O’Farrill, Med Flory, Al Romero. Stabilitosi a New York dal 1954, registra regolarmente con Urbie Green e anche sotto suo nome, in particolare alla testa di un settetto comprendente quattro sassofoni (<<Cross Section-Saxes>> con Frank Socolow, Dick Hafer e Jay Cameron, 1958), poi diventa musicista regolare della Columbia. Nel 1958 si dedica alla radio e si allontana progressivamente dalla scena jazz. È anche insegnante e pubblica delle registrazioni didattiche a uso degli strumentisti. Assente dalla scena jazz dalla metà degli anni ’60, riappare all’inizio del 1987 nell’isola di Saint-Barthélemy, alle Antille, dove Alain Gerber lo incontra: pilota dei piccoli aerei che fanno servizio locale, si esibisce ogni sera in un ristorante, con un pianista, e suona ormai il sax tenore. McKusick ha registrato in particolare con: Boyd Raeburn, Ralph Burns, Buddy Rich, Claude Thornhill, Neal Hefti, Terry Gibbs, Elliot Lawrence, Charlie Parker, Med Flory, Al Cohn, Bobby Scott, Quincy Jones, George Russell, Nat Pierce, Gil Mellé, Urbie Green, Gerry Mulligan, Woody Herman, André Hodeir, Don Elliott, Teddy Charles, Lee Konitz-Jimmy Giuffre, Benny Golson, Charles Mingus.
Improvvisatore delicato e rigoroso, Hal McKusick ha ricoperto nel jazz degli anni ’60 un ruolo molto più importante di quanto faccia supporre la sua precoce scomparsa dalla scena: partecipe attivo della corrente che si è sviluppata, nello spirito della Weast Coast, a New York, egli è sempre presente nel lavoro dell’RCA-Victor Jazz Workshop, come con George Russell e Jimmy Giuffre. È anche il precursore di uno stile che farà il successo dei Supersax. Si impone per una sonorità diafana, esente dal vibrato, con un timbro che ricorda a volte Paul Desmond, e un discorso sfumato e lirico insieme, che lo ricollega in vario modo allo stile di Lee Konitz e, fino a un certo punto, all’eredità musicale di Lennie Tristano. [X.P.]
American saxophonist (alto and tenor), clarinetist, flutist and composer (Medford, Massachusetts, 1.6.1924 - New York, 11.4.2012). In Newton (Massachusetts), where he spent his youth, he was Ralph Burns' companion, studied the clarinet and the sax, performed in groups of amateur musicians. He made his professional debut in the orchestra of pianist Don Bestor, played with Les Brown (1942), joined Dean Hudson, Woody Herman (1943), then Boyd Raeburn (1944-45). He then settled in California, where he worked with Johnny Otis, Alvino Ray, al Donahue, Buddy Rich, Claude Thornhill (1940-49), and Terry Gibbs (1950-51). He later joined the orchestra of Elliott Lawrence (1951-56), playing alongside Don Elliott, Chico O'Farrill, Med Flory, Al Romero. Established in New York since 1954, he regularly records with Urbie Green and also under his name. In particular, at the head of a septet comprising four saxophones (<< Cross Section-Saxes >> with Frank Socolow, Dick Hafer and Jay Cameron, 1958), then he became a regular Columbia musician. In 1958 he devoted himself to radio and gradually moved away from the jazz scene. He is also a teacher and publishes educational recordings for use by instrumentalists. Absent from the jazz scene since the mid-60s, he reappears at the beginning of 1987 on the island of Saint-Barthélemy, in the Antilles, where Alain Gerber meets him: pilot of the small planes that do local service, he performs every evening in a restaurant, with a pianist, and now plays the tenor sax. McKusick has recorded in particular with Boyd Raeburn, Ralph Burns, Buddy Rich, Claude Thornhill, Neal Hefti, Terry Gibbs, Elliot Lawrence, Charlie Parker, Med Flory, Al Cohn, Bobby Scott, Quincy Jones, George Russell, Nat Pierce, Gil Mellé, Urbie Green, Gerry Mulligan, Woody Herman, André Hodeir, Don Elliott, Teddy Charles, Lee Konitz-Jimmy Giuffre, Benny Golson, Charles Mingus.
A delicate and rigorous improviser, Hal McKusick played a much more important role in jazz in the 60s. Then his early disappearance from the scene suggests an active participant in the current that developed in the Weast Coast spirit in New York. He is always present in the work of the RCA-Victor Jazz Workshop, as with George Russell and Jimmy Giuffre. It is also the precursor of a style that will make the Supersax successful. It imposes itself for a diaphanous sonority, free from vibrato, with a timbre that sometimes reminds Paul Desmond, and a nuanced and lyrical speech together, which connects him in various ways to the style of Lee Konitz and, up to a certain point, to the musical legacy of Lennie Tristan. [X.P.] 
Fabiana Rosciglione proviene da una famiglia di artisti ed è cresciuta respirando musica fin da piccola. Il padre Giorgio Rosciglione, considerato una colonna portante del jazz italiano, con un carriera di oltre cinquant’anni di cui venti da primo contrabbasso dell'orchestra di Musica leggera della Rai, vanta prestigiose collaborazioni con i più grandi esponenti del jazz internazionale e ha preso parte alle più importanti colonne sonore composte da Ennio Morricone, Piero Piccioni, Nino Rota e molti altri. I fratelli Dario e Michel anche loro contrabbassisti, seguono le orme del padre vantando anche loro collaborazioni con artisti di fama mondiale.
Cantante versatile, Fabiana ha cominciato molto giovane collaborando in diverse produzioni pop per poi intraprendere la carriera nel mondo del jazz. Si è esibita, sia in Italia che all’estero, insieme ai nomi più importanti del jazz italiano ed internazionale come Greg Hutchinson, Stefano Di Battista, Fabrizio Bosso, Flavio Boltro, Bobby Durham, Robben Ford, Dario Rosciglione, Giorgio Rosciglione, Michel Rosciglione, Domenico Sanna, Gegè Munari, Massimo Faraò, Nicola Angelucci, Massimo D’Avola, Paolo Recchia, Guido Pistocchi, Amedeo Ariano, Sandro Deidda, Pietro Lussu, Vincent Frade, Rosario Giuliani, Shawnn Monteiro, Max Ionata, Riccardo Biseo, David Sauzay, Baptiste Trotignon, Andrea Candela, Daniele Pozzovio, Vincent Bourgeyx, Tollak Ollestad, Paolo Alderighi, Nicola Stilo, e molti altri. Partecipa a diversi festivals jazz tra i quali Umbria Jazz, Elba Jazz, Lucca Jazz Donna e molti altri. Nel 2004 esce l’album Jazbeat distribuito dalla etichetta francese Nocturne distribuito in tutto il mondo. La band fondata da Dario Rosciglione fu tra le prime a dare vita al genere musicale electro-swing. Sempre nel 2004 esce l’album come solista The Dream Of Love dove interpreta brani be-bop, swing. Per due anni insieme alla band Jazzbit ha accompagnato l’artista Giorgio Panariello, nello show radiofonico in onda su RTL Ogni Maledetta Domenica ed in seguito nel tour teatrale italiano invernale ed estivo Panariello non esiste che ha fatto tappa nei più importanti teatri e palasport italiani. Nel 2013 esce l’album prodotto da Nicola Bulgari Jazz Collection vol.1. Sempre nel 2013 si trasferisce per un anno a Los Angeles dove avrà modo di collaborare con diversi musicisti del luogo. Ha collaborato come background vocal in diverse produzioni discografiche, fra le quali nell’ultimo album Eklektik, di Antoniò Faraò. Il 29 maggio 2020 è uscito il nuovo album Remembering per la prestigiosa etichetta Via Veneto Jazz. Remembering è un album che raccoglie alcune delle canzoni più belle della storia della musica di tutto il mondo. Brani celebri e indimenticabili, da Bacharach a Charlie Chaplin, da Jobim ai Beatles, melodie rivisitate con pathos e ricercatezza, grazie agli arrangiamenti originali di Enrico Solazzo. Fabiana ripercorre queste memorie musicali con la sua voce dal timbro caldo e delicato, con uno stile elegante e internazionale. Canzoni francesi, brasiliane, americane, sorrette da un'orchestra potente e raffinata. Remembering è uno scrigno di ricordi in forma musicale. Un album, già classico tra i classici, destinato a restare. Scopri di più su www.fabianarosciglione.com [M.G.M.]
Fabiana Rosciglione came from a family of artists and grew up breathing music from an early age. His father, Giorgio Rosciglione, considered a backbone of Italian jazz. With a career of over fifty years, including twenty as the first double bass of the Rai light music orchestra, boasts prestigious collaborations with the greatest exponents of international jazz and has taken part in the essential soundtracks composed by Ennio Morricone, Piero Piccioni, Nino Rota, and many others. The brothers Dario and Michel, also double bass players, follow in the footsteps of their father, boasting collaborations with world-renowned artists.
Versatile singer, Fabiana started very young collaborating in various pop productions and then embarked on a career in the world of jazz. She has performed, both in Italy and abroad, together with the most important names of Italian and international jazz such as Greg Hutchinson, Stefano Di Battista, Fabrizio Bosso, Flavio Boltro, Bobby Durham, Robben Ford, Dario Rosciglione, Giorgio Rosciglione, Michel Rosciglione , Domenico Sanna, Gegè Munari, Massimo Faraò, Nicola Angelucci, Massimo D'Avola, Paolo Recchia, Guido Pistocchi, Amedeo Ariano, Sandro Deidda, Pietro Lussu, Vincent Frade, Rosario Giuliani, Shawnn Monteiro, Max Ionata, Riccardo Biseo, David Sauzay , Baptiste Trotignon, Andrea Candela, Daniele Pozzovio, Vincent Bourgeyx, Tollak Ollestad, Paolo Alderighi, Nicola Stilo, and many others. Participates in various jazz festivals including Umbria Jazz, Elba Jazz, Lucca Jazz Donna and many others. In 2004 the Jazbeat album released by the French label Nocturne released worldwide. The band, founded by Dario Rosciglione, was among the first to give life to the electro-ewing musical genre. Also, in 2004 the album was released as a soloist The Dream Of Love, where he played be-bop, swing songs. For two years together with the band Jazzbit, he accompanied Giorgio Panariello, on the radio show broadcast on RTL Ogni Maledetta Domenica. And later on, in the Italian winter and summer theatrical tour, Panariello does not exist that he stopped in the most famous Italian theaters and sports halls. In 2013 the album produced by Nicola Bulgari Jazz Collection vol. 1 was released. Also, in 2013 he moved to Los Angeles for a year, where he could collaborate with several local musicians. He has worked as a background vocal in several record productions, including on the latest album Eklektik, by Antoniò Faraò. On May 29, 2020, the new album Remembering was released for the prestigious Via Veneto Jazz label. Remembering is an album that collects some of the most beautiful songs in the history of music from around the world. Famous and unforgettable songs, from Bacharach to Charlie Chaplin, from Jobim to the Beatles, melodies revisited with pathos and refinement, thanks to the original arrangements of Enrico Solazzo. Fabiana traces these musical memories with her warm and delicate timbre voice, with an elegant and international style. French, Brazilian, American songs, supported by a powerful and refined orchestra. Remembering is a treasure trove of musical memories. An album, already classic among the classics, destined to remain. See more on www.fabianarosciglione.com [M.G.M.] 
Sassofonista e polistrumentista statunitense (Carbondale, Illinois, 30.5.1901 – Kansas City, Missouri, 11.6.1956). La madre è pianista concertista. Cresciuto a St Louis, comincia giovanissimo a studiare vari strumenti: pianoforte, violino, flauto, trombone, prima di optare per il C melody sax (saasofono in do, strumento che non appartiene alla vera famiglia dei sassofoni, inventato dai commercianti di musica all’inizio del secolo per trascrivere le partiture scritte per piano e violino). In seguito suonerà anche la cornetta, il sax alto e il fagotto. A diciassette anni forma il suo primo gruppo, poi lavora con Max Goldman (1920). Nel 1921 è membro dell’orchestra locale del pianista Gene Rodemich, con cui incide i suoi primi dischi. Stabilitosi a Chicago a partire dal 1922, suona nella Benson Orchestra (1922-23), poi nella formazione del batterista Ray Miller (1923-24), dove comincia a mettere a punto un proprio stile. Nel 1925 diviene direttore musicale di un gruppo patrocinato da Jean Goldkette, che si esibisce all’Arcadia Ballroom di St Louis e in cui incontra Bix Beiderbecke. Scoperto in lui un partner ideale, lo inserisce nell’orchestra Goldkette, da lui diretta, con la quale incide e suona sia a Detroit che al Roseland di New York (1926-27). Nello stesso periodo Trumbauer comincia a firmare dischi registrati con piccole formazioni (in cui Bix è sempre presente), per la Okeh, ottenendo per il collega un contratto simile al suo. Dopo lo scioglimento dell’orchestra Goldkette, Bix e Tram, nell’autunno del 1927, suonano nella grande formazione di Adrian Rollini, poi si ritrovano con Paul Whiteman, il <<<re del jazz>>. Trumbauer resta in quella grande orchestra per una decina d’anni (a eccezione di una rapida fuga nel 1932-33) e vi effettua molte registrazioni (a volte con piccole formazioni insieme ai fratelli Teagarden), senza cessare, contemporaneamente, di firmare dischi in proprio (per la Brunswick e la RCA). Nel 1937 forma un’orchestra insieme al trombettista Manny Klein e l’anno successivo organizza una propria formazione. Nel marzo 1939 abbandona la musica e lavora nel settore dell’aeronautica, a Kansas City. Ma appena un anno dopo dirige una nuova orchestra. Durante la guerra (1942-45), è pilota collaudatore, poi torna di nuovo alla musica, suonando in formazioni di studio e in orchestre collegate alla catena radiofonica NBC. Effettua la sua ultima registrazione nel 1946, sulla West Coast. Trascorre gli ultimi dieci anni di vita a Kansas City, lavorando ancora per l’aviazione civile e suonando solo occasionalmente per diletto.
Grande innovatore, senza dubbio fin troppo modesto, del suo insolito strumento, Frankie Trumbauer si è inspirato originariamente ai virtuosi del sassofono (specie Rudy Wiedoeft), di cui ha sempre conservato in seguito il gusto per il rococò. Come quasi tutti i sassofonisti dell’inizio degli anni ’20 (Coleman Kawkins compreso), ha studiato a fondo il lavoro dei trombettisti, e il modello di Bix Beiderbecke ha certamente risposto a molti dei suoi interrogativi. A sua volta ha insegnato molto a Bix, specialmente sul modo di costruire un assolo e di affinare la sonorità e il fraseggio. Trumbauer possedeva un suono molto puro ed eleganti idee melodiche e armoniche. Il suo stile limpido, aereo, estremamente sciolto e sinuoso, delicato e rapido, contiene già qualche annuncio del “jazz freddo” degli anni ’50. Benny Carter ai suoi esordi, ne subirà l’influenza e Lester Young si è sempre compiaciuto di citarlo come sua unica fonte d’ispirazione. [D.N.]
American saxophonist and multi-instrumentalist (Carbondale, Illinois, 30.5.1901 - Kansas City, Missouri, 11.6.1956). The mother is a concert pianist. Raised in St Louis, he began to study various instruments at a very young age: piano, violin, flute, trombone. Before opting for the C melody sax (saxophone in C, an instrument that does not belong to the real saxophone family, invented by music dealers beginning of the century to transcribe the written scores for piano and violin). The cornet, alto sax, and bassoon will also play later. At seventeen, he formed his first group, then worked with Max Goldman (1920). In 1921 he was a member of the local orchestra of pianist Gene Rodemich, with whom he recorded his first records. Having settled in Chicago since 1922, he plays in the Benson Orchestra (1922-23), then in the formation of drummer Ray Miller (1923-24), where he begins to develop his style. In 1925 he became musical director of a group sponsored by Jean Goldkette, who performed at the Arcadia Ballroom in St Louis and met Bix Beiderbecke. Discovered in him an ideal partner, he inserted him in the Goldkette orchestra, directed by him, with which he recorded and played both in Detroit and at Roseland in New York (1926-27). In the same period, Trumbauer begins to sign records recorded with small formations (in which Bix is always present), for Okeh, obtaining a contract similar to his for his colleague. After the dissolution of the Goldkette Orchestra, Bix and Tram, in the fall of 1927, played in the significant formation of Adrian Rollini, then they met with Paul Whiteman, the <<< king of jazz >>. Trumbauer remained in that excellent orchestra for about ten years (except for a quick escape in 1932-33) and made many recordings there (sometimes with small formations together with the Teagarden brothers), without simultaneously ceasing to record in own (for Brunswick and RCA). In 1937 he formed an orchestra along with trumpeter Manny Klein and the following year, he organized his training. In March 1939, Frankie left music and worked in the aeronautics sector in Kansas City. But just a year later, he directs a new orchestra. During the war (1942-45), he was a test pilot, then he returned to music again, playing in studio formations and orchestras connected to the NBC radio chain. He made his last recording in 1946, on the West Coast. He spends the last ten years of his life in Kansas City, still working for civil aviation and playing only occasionally for pleasure.
A great innovator, undoubtedly all too modest, of his unusual instrument, Frankie Trumbauer was initially inspired by the virtuosos of the saxophone (especially Rudy Wiedoeft), whose taste for rococo has always been preserved afterward. Like almost all saxophonists of the early 1920s (including Coleman Hawkins), he thoroughly studied the work of the trumpeters, and Bix Beiderbecke's model certainly answered many of his questions. In turn, he taught Bix a lot, especially about building a solo and refining the sound and phrasing. Trumbauer possessed a very pure sound and elegant melodic and harmonic ideas. His bright, airy, extremely loose, and twisted, delicate, and rapid style already contains some announcements of the "cold jazz" of the 1950s. In his early days, Benny Carter will be influenced by it, and Lester Young has always been pleased to cite it as his only source of inspiration. [D.N.] 
Sta a B.B. King, nato nel 1925 sul Mississipi che forgia il suo stile incisivo, efficace ed elaborato a Memphis, prima di stabilirsi in California, di dominare largamente il mondo del blues (Sweet Little Angel, 1956, Live At The Regal, 1964). Il produttore e polistrumentista Ike Turner (Live In Paris, 1971) l’accompagna a Memphis dove incontra Junior Parker (Next Time You See Me, 1956), Bobby Blue Band (Call On Me, 1962), Little Milton (We’re Gonna Make It, 1965) ed Elmore James (The Sky Is Crying, 1959).
Traiettoria parallela per T-Bone Walker (Call It Stormy Monday, 1947), altro personaggio dominante, chitarrista meraviglioso venuto dal Texas in California, dove si mescolano jazz, blues, boogie-woogie e nascono chitarristi come Lowell Fulson (River Blues, 1948) o Pee Wee Crayton (Blues After Hours, 1948) e i pianisti Lloyd Glenn (Blue Ivories, 1956) e, soprattutto, Charles Brown (Drifting Blues, 1945), cantante di blues. Poi si impongono John Lee Hooker a Detroit (Dimple, 1956, It Serves You Right To Suffer, 1965) senza posterità, e Lightnin’ Hopkins a Houston (Texas Bluesman, 1967), opera vasta quanto la sua influenza, mentre a New Orleans da dove viene il suonatore di banjo Papa Charlie Jackson (Salt Lake City Blues, 1924) il blues sembra rappresentato dal solo e polivalente Lonnie Johnson (Bull Frog Moan, 1928). Sotto l’influenza dello straordinario Professor Longhair (Mardi Gras In New Orleans, 1949) la città contribuirà all’espansione del rhythm and blues, mentre dall’entroterra della Louisiana saliranno i suoni del blues del bayou – Slim Harpo (Rainin’ In My Heart, 1961), Lightinin’ Slim (Rooster Blues, 1959) – e quelli della musica cajun o zydeco il cui rappresentante più celebre è il fisarmonicista Clifton Chenier (Bon Ton Roulet, 1966). Continua Venerdì prossimo
It's up to B.B. King, born in 1925 on the Mississippi, that forged his incisive, compelling, and elaborate style in Memphis, to dominate the blues' world widely (Sweet Little Angel, 1956, Live At The Regal, 1964), before settling in California. Producer and multi-instrumentalist Ike Turner (Live In Paris, 1971) accompanies him to Memphis. There he meets Junior Parker (Next Time You See Me, 1956), Bobby Blue Band (Call On Me, 1962), Little Milton (We're Gonna Make It, 1965), and Elmore James (The Sky Is Crying, 1959).
The parallel trajectory is for T-Bone Walker (Call It Stormy Monday, 1947), another dominant character, a fantastic guitarist who came from Texas to California. Where jazz, blues, boogie-woogie are mixed, and guitarists like Lowell Fulson (River Blues, 1948) are born o Pee Wee Crayton (Blues After Hours, 1948) and pianists Lloyd Glenn (Blue Ivories, 1956) and, above all, Charles Brown (Drifting Blues, 1945), a blues singer. Then John Lee Hooker is imposed in Detroit (Dimple, 1956, It Serves You Right To Suffer, 1965) without posterity, and Lightnin' Hopkins in Houston (Texas Bluesman, 1967), a work as vast as its influence. While in New Orleans by where the banjo player Papa Charlie Jackson (Salt Lake City Blues, 1924) comes, the blues seems to be represented by the only and multipurpose Lonnie Johnson (Bull Frog Moan, 1928). Under the influence of the extraordinary Professor Longhair (Mardi Gras In New Orleans, 1949), the city will contribute to the expansion of rhythm and blues. While from the Louisiana hinterland the sounds of the bayou blues will rise - Slim Harpo (Rainin' In My Heart, 1961), Lightnin' Slim (Rooster Blues, 1959) - and those of Cajun or Zydeco music whose most famous representative is the accordionist Clifton Chenier (Bon Ton Roulet, 1966). Continue next Friday 
Gene Wright performing in Newport, Rhode Island. Circa 1967 (image from gettyimages.co.jp)
Contrabbassista e compositore statunitense (Chicago, Illinois, 29.5.1923). Studia dapprima la cornetta a scuola, quindi il basso da autodidatta prima di prendere lezioni da Paul Gregory e di formare un’orchestra di sedici elementi, i Dukes Of Swing (1943-46), in cui militerà anche Sun Ra. Seguono vari ingaggi sotto la direzione di Gene Ammons (1946-48, 1949-51), Count Basie (1948-49), Arnett Cobb (1951-52), Buddy DeFranco (1952-55). Entra nel trio di Red Norvo (1955), lavora con Charlie Barnet e negli studi cinematografici prima di raggiungere il quartetto di Dave Brubeck (1958-67). Separatosi dal gruppo, dirige un suo complesso, suona poi con Tony Bennet, Erroll Garner (1969), prima di esibirsi per quattro anni in compagnia di Monty Alexander. Stabilitosi a Los Angeles, suona con Gene Harris e Jack Sheldon, compone e incide per la televisione, pur insegnando. Nel 1976 raggiunge Brubeck per una tournée in occasione del 25° anniversario del quartetto.
La coppia Joe Morello-Gene Wright rimane come un perfetto esempio nella storia delle piccole formazioni di jazz. Nessuna delle singolari metriche tanto care a Brubeck li coglie alla sprovvista. Vi si avventurano con una perfetta naturalezza e uno swing costante. Paul Desmond può rischiare i sui voli più audaci, la solidità dello stile di Gene Wright gli serve come ancoraggio. Anche all’archetto il bassista si esprimeva in maniera notevole. [A.T.]
American double bassist and composer (Chicago, Illinois, 29.5.1923). He studied the cornet at school first, then the self-taught bass before taking lessons from Paul Gregory and forming an orchestra of sixteen elements, the Dukes Of Swing (1943-46), in which Sun Ra will also play. Various engagements followed under the direction of Gene Ammons (1946-48, 1949-51), Count Basie (1948-49), Arnett Cobb (1951-52), Buddy DeFranco (1952-55). Join the Red Norvo trio (1955), work with Charlie Barnet and film studios before reaching Dave Brubeck's quartet (1958-67). Separated from the group, he directs a group, then plays with Tony Bennet, Erroll Garner (1969), before performing for four years in the company of Monty Alexander. Having settled in Los Angeles, he plays with Gene Harris and Jack Sheldon, composes and records for television, while teaching. In 1976 he joined Brubeck for a tour on the occasion of the quartet's 25th anniversary.
The Joe Morello-Gene Wright couple remains as a perfect example in the history of small jazz formations. None of the singular metrics so dear to Brubeck catch them off guard. They venture there with ideal naturalness and constant swing. Paul Desmond can risk his most daring flights, the solidity of Gene Wright's style serves him as an anchor. Even at the bow, the bassist remarkably expressed himself. [A.T.] 
La Blue Note si indirizza verso la fusion e la casa discografica, a partire dal 1975, sopravvive grazie a un programma di riedizioni curato da Charlie Lourie e Michael Cuscuna. Nel 1981 etichette giapponesi come King e Toshiba pubblicano di nuovo una buona parte del catalogo, mentre in Francia ci si adopera nella stessa direzione. Il 22 febbraio 1985 l’etichetta Blue Note è rilanciata in occasione di una grande serata alla Town Hall di New York, con la partecipazione di una trentina di grandi del jazz. Fra i nuovi autori della Blue Note ci sono James Newton, Bennie Washington, Stanley Turrentine. Oggi la Blue Note, nelle mani della multinazionale EMI, continua a ristampare in CD il suo ricchissimo catalogo, ed è rimasta tra le poche major a investire sui giovani e meno giovani talenti del jazz (Joe Lovano, Greg Osby, Jason Moran, Robert Glasper ecc.), grazie anche all’enorme successo commerciale di una cantante non jazz come Norah Jones.
[P.B., C.G.]
Blue Note is moving towards fusion, and the record company, since 1975, has survived thanks to a re-edition program edited by Charlie Lourie and Michael Cuscuna. In 1981 Japanese labels such as King and Toshiba again publish a good part of the catalog. While in France, efforts are being made in the same direction. On February 22, 1985, the Blue Note label was relaunched on the occasion of a great evening at New York's Town Hall, with about thirty jazz greats. Among the new Blue Note authors are James Newton, Bennie Washington, Stanley Turrentine. Today Blue Note, in the hands of the multinational EMI, continues to reissue its rich catalog on CD and has remained among the few majors to invest in young and old jazz talents (Joe Lovano, Greg Osby, Jason Moran, Robert Glasper, etc.), also thanks to the enormous commercial success of a non-jazz singer like Norah Jones.
[P.B., C.G.] |
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