Trombettista e cantante statunitense (Jacksonville, Florida, 30.11.1931 – Los Angeles, California, 27.12.2019).

Comincia a suonare la tromba a dodici anni e fa il suo debutto professionale nel 1944 nelle orchestre di Gene Brandt e di Tiny Moore. Va a Los Angeles nel 1947 e vi studia al City College. Servizio militare dal 1949 al 1952. È l’epoca del Lighthouse di Howard Rumsey a Hermosa Beach: collabora con buona parte dei migliori musicisti della West Coast – Jack Montrose, Jimmy Giuffre, Art Pepper, Wardell Gray, Dexter Gordon, Herb Geller. Incide il suo primo disco come leader per la Jazz West (1954). Dal 1956 lavora con Curtis Counce e Dave Pell al Crescendo.

Nel 1958 si unisce all’orchestra di Stan Kenton, di cui diviene uno dei solisti principali; l’anno dopo fa una tournée in Europa con Benny Goodman. Dagli anni ’60 la sua carriera di jazzman si fa più intermittente: si esibisce ancora con Goodman a Las Vegas nel 1966, firma alcuni album (1968 e 1969), fa il bagnino e si dedica sempre più alla carriera di attore comico.

Negli anni ’80 gode del ritorno di interesse per questa musica come molti altri westcoaster: suona con Art Pepper, incide di nuovo (per la Concord) e partecipa alla musica del film The Long Goodbyes. Ancora molto richiesto come musicista e showman, è il soggetto di <<Trying to Get Sheldon>>, un documentario realizzato nel 2008.

Il californianissimo Jack Sheldon non è il prototipo del trombettista West Coast: il suo vibrato e la sua tecnica di pistoni (spinti solo a metà) evocano sia Rex stewart che Bix Beiderbecke e il suo perfetto controllo della sonorità e della potenza ne fanno piuttosto un classico cresciuto con il bebop senza cercare mai di imitare Dizzy Gillespie (anche se la sua esecuzione aperta, in generale sul tempo rapido, non ha niente da invidiargli per brillantezza e forza). Particolarmente ispirato nelle ballad, ha raggiunto il tono e la maniera di Bobby Hackett.
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[F.Bi]

Batterista statunitense (New York, 29.11.1902 – 5.12.1958).

Musicista professionista sin dall’adolescenza, nel 1919 accompagnala cantante Sophie Tucker al Reisenwerber’s. Nel 1922, stabilitosi a Chicago, si esibisce con orchestre locali di jazz e anche di musica leggera. Nel 1930 dirige un suo complesso, per poi unirsi al pianista Art Hodes.

Tornato a New York nel 1936, lo troviamo a partire da 1940 con Wingy Manone e poi con george Brunies, in particolar modo al Nick’s, uno dei rari club newyorkesi dove si esibiscono, durante la Swing Craze, i musicisti di jazz tradizionale. Suona accanto a Brad Gowans, Mezz Mezzrow, Eddie Condon. Nel 1947, a Chicago, suona con il cornettista Doc Evans e nel trio del pianista George Zack (1948), prima di prendere la direzione dei Kings Of Dixieland.

Nel 1955 apre un suo club di jazz. Ha avuto occasione di partecipare a un gran numero di sedute di registrazione con musicisti tradizionali e ha accompagnato musicisti più moderni quali Buck Clayton e Teddy Wilson.

Segnando vigorosamente i quattro tempi sulla grancassa, secondo la tradizione di New Orleans, il suo modo di suonare rammenta spessissimo quello di Zutty Singleton, di cui possiede tutta la varietà.
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[A.C.]

Trombettista statunitense (Fort Wayne, Indiana, 27.11.1938 – Los Angeles, California, 31.12.1986).

Cresce a San Diego, dove il padre è direttore di conservatorio. Studia il piano per quattro anni, e quindi la tromba, sotto la guida del padre. A diciassette anni è a lezione da Buddy Childers, fa parte, per qualche tempo, dell’orchestra di Stan Kenton e quindi dell’orchestra sinfonica di San Diego, dell’orchestra del San Diego State College e della big band di Terry Gibbs.

Contemporaneamente dà vita a un gruppo assieme a Mike Wofford e John Guerin, pur continuando a studiare armonia e teoria con Daniel Lewis a San Diego e, successivamente, con Shorty Rogers a Los Angeles. Nel 1956 e nel 1957 il suo gruppo vince un concorso organizzato al Lighthouse di Hermosa Beach; fra il 1956 e il 1958 è eletto per tre volte di seguito miglior trombettista dalla rivista Down Beat. Suona quindi al Jazz City di Los Angeles come prima voce di Billie Holiday e dei Jazz Messengers.

Nel 1960 partecipa alla Lighthouse All Stars di Howard Rumsey e al quintetto Lenny McBrowne And The Four Soul (Daniel Jackson, Terry Trotter, Herbie Lewis, McBrowne), che incide due dischi con la World Pacific (1959) e la Riverside (1960). L’anno successivo si esibisce a New York e incide, di nuovo con la Riverside, il suo primo e ultimo disco da leader, <<All Members>>, con Jimmy Heath, Wynton Kelly, Ron Carter e Jimmy Cobb. Di ritorno in California, sostituisce Conte Candoli nel quintetto si Shelly Manne; completano la formazione, che si esibisce spesso alla Shelly’s Manne Hole, Joe Maini, Russ Freeman e Monty Budwig.

Alla fine degli anni ’60 Sleet accompagna Jimi Hendrix e lavora come strumentista per le incisioni della Capitol. Più volte in carcere per uso di stupefacenti, una decisione giudiziaria gli “interdice il jazz” nella misura in cui l’ambiente professionale sembra favorire le sue ricadute. Dopo qualche tempo passa in un centro di correzione, torna a San Diego dove si dedica all’insegnamento della musica. Muore per le conseguenze di un tumore.
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Don Sleet Avanza senza fretta, modellando un suono limpido, privo di sfarzi e forzature; isola le note, mai abbondanti, dalle zone di silenzio o le alterna, protraendole e dilatandole, a rapidi passaggi diatonici, trasmettendo una sensazione di leggerezza, di serena eleganza e, soprattutto, di perfetta leggibilità.
[P.C.]

Batterista e cantante statunitense (Cedarville, Ohio, 25.11.1909 – New York, 24.7.1944).

Frequenta la scuola a Springfield (Ohio) e comincia a suonare nella regione, poi a Buffalo con Al Sears (1930). Fa parte della Mills Blue Rhythm Band dal 1931 al 1937, si unisce al sestetto di John Kirby nel luglio 1937 e vi rimane fino a quando si ammala di tubercolosi nel 1941. Nel 1942 suona di nuovo con Kirby ma nel giugno 1943 è costretto a lasciare il palcoscenico dell’Apollo, stroncato dalla malattia.

O’Neill Spencer è un eccellente batterista di big band ma è soprattutto in seno al sestetto di John Kirby che la sua duttile esecuzione fa meraviglie, in particolare con le spazzole. È anche un piacevole cantante.
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[M.R.]

Pianista, arrangiatore e direttore d’orchestra statunitense (Austin, Texas, 24.11.1912 – New Britain, Connecticut, 1.8.1986).

Cresce a Tuskegee (Alabama) dove impara a suonare il pianoforte e il violino. Dopo aver studiato musica per un anno al Talladega College, viene ingaggiato per la prima volta a Detroit nel 1929. Alla fine dello stesso anno lavora con Speed Webb fino al 1931, in seguito sostituisce Art Tatum nell’orchestra di Milton Senior a Toledo (Ohio).

Si trasferisce successivamente a Chicago e lavora per qualche tempo insieme a Erskine Tate, Clarence Moore, Eddie Mallory. Dal gennaio al marzo del 1933 entra nell’orchestra di Benny Carter. John Hammond sottolinea l’importanza di sua moglie (Irene Wilson era un’eccellente pianista, autrice di Some Other Spring) nello sviluppo del suo stile; importanza analoga a quella di Lil Hardin per Louis Armstrong.

Dal settembre 1934 incide insieme a Red Norvo; gli renderà la pariglia in numerose occasioni (la complicità musicale tra i due uomini è evidente anche se raramente segnalata). Dal 1934 agli inizi del 1935 suona con Willie Bryant e poi con il gruppo gospel chiamato The Charioteers. Dal luglio 1935, su richiesta di John Hammond, organizza per la società Brunswick alcune piccole orchestre da studio, ingaggiando i musicisti migliori dell’epoca (scelti soprattutto tra le formazioni di Duke Ellington, Count Basie o Cab Calloway) e accompagnando spesso Billie Holiday.

Nel novembre 1933 suona con la cantante durante una seduta di registrazione diretta da Benny Goodman (che aveva conosciuto da Mildred Bailey in una jam session privata). Nell’aprile 1936 viene ingaggiato dal clarinettista per suonare nel suo trio. Nel 1939 lascia Goodman per tentare, in maggio, l’avventura della grande orchestra. Poco concludente dal punto di vista commerciale, malgrado il suo alto livello musicale, questo esperimento dura fino all’aprile 1940. Dal giugno 1940 al novembre 1944 forma un sestetto che riscuoterà molto successo, prima di raggiungere Goodman.

Verso la fine degli anni ’30 fonda la Teddy Wilson School for Pianists a Manhattan e incide per i suoi allievi alcuni dischi non commerciali accompagnati da un testo analitico e da descrizioni di brani (la società Meritt pubblicherà, nel 1984, la versione integrale di quelli più interessanti ma inediti). Nel 1946 viene ingaggiato dalla CBS e insegna anche alla Juilliard School di New York. Dal 1949 al 1952, incide per la WNEW. Nel 1952 tiene concerti in Scandinavia e nel 1953 suona in Gran Bretagna.

Continuerà a suonare e a registrare assiduamente insieme a Benny Goodman (tra gli altri, il film The Benny Goodman Story nel 1956 e una serie di concerti in URSS nel maggio 1962). Dagli anni ’50 si esibisce molto spesso in Giappone e in Europa, pochissimo in Francia, a eccezione di alcune sue interpretazioni alla Grande Parade du Jazz di Nizza alla fine degli anni ’70. Suo figlio Steve, batterista, vive e suona a Parigi.

Avendo acquisito quando era ancora molto giovane una tecnica brillante e un’ottima cultura musicale, Teddy Wilson, cos’ come Art Tatum, ha rivoluzionato il pianoforte jazz a partire dal 1935. Ma, contrariamente a Tatum che lo porta avanti, egli rompe con la concezione stride ancora di moda, malgrado Earl Hines abbia interrotto la sua simmetria a partire dal 1928. Ammorbidisce e arricchisce con le sue famose suite di “decime” il gioco della mano sinistra a cui aggiunge il contrappunto per ottenere dalla mano destra un modo di suonare fatto tutto di arpeggi e scale il cui aspetto lineare viene completamente superato dall’intelligenza del fraseggio, sempre accompagnato da un tocco luminoso.

Verso la fine degli anni ’30 si libera della grande influenza di Earl Hines e di quella, più debole, di Fats Waller, per avvicinarsi a uno stile più cool, caratterizzato da un tocco più legato derivante dai suoi studi classici fatti insieme a Walter Gieseking, il tutto completato da una raffinatezza armonica la cui fonte è sicuramente Tatum. Il suo stile è caratterizzato da eleganza, ordine, gusto, perfezione, chiarezza e raffinatezza. Malgrado il grande virtuosismo del suo fraseggio, gli elementi fondamentali della sua esecuzione sono, curiosamente, semplicità e rigore: due qualità che dominano il suo stile di accompagnatore ineguagliabile.

In effetti è impossibile dimenticare il numero impressionante di vibranti capolavori eseguiti insieme a Billie Holiday, oppure le sue ben curate e precise interpretazioni suonate con Mildred Bailey, Ella Fitzgerald, Lena Horne o Sarah Vaughan. È chiaro che il perfezionista Goodman non ha mai avuto un partner migliore al di fuori del perfetto Wilson, responsabile in gran parte del suono e della riuscita musicale dei suoi trii, quartetti e quintetti. D’altronde il clarinettista ingaggerà per il futuro alcuni pianisti che continueranno quasi sempre l’estetica di Wilson. Tra i suoi numerosi discepoli si possono citare: Mel Powell, Ken Kersey, Johnny Guarnieri, Joe Bushkin, Bernie Leighton, JimmyRowles, Hank Jones, Dave McKenna, Clyde Hart, Sonny White, Nat King Cole, Sir Charles Thompson, Ray Bryant – quasi tutti hanno suonato con Goodman.

Se, al contrario della maggior parte dei pianisti jazz, Teddy Wilson non si è interessato alla composizione, il suo vero talento di arrangiatore non è molto conosciuto. Alcuni suoi arrangiamenti sono stati suonati da Speed Webb e dalla big band di Earl Hines; altri si possono ascoltare in disco nei brani intitolati Steak And Potatoes e Liza, interpretati da Willie Bryant (1935); un’altra decina, fra cui Sweet Lorraine e Liza (1939) sono stati eseguiti dalla sua big band.
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[Ph.B.]

Trombonista, trombettista basso, arrangiatore e compositore statunitense (New York, 23.11.1925 - Ojai, California, 29.6.2020).

Dopo aver fatto studi musicali completi (Manhattan School of Music, Juilliard, con gli insegnanti Stefan Wolpe e Van Alexander) debutta come trombettista con Joe Venuti (1943) e con il trombettista- cantante Billie Rogers (1944). Durante la seconda metà degli anni ’40 suona con Henry Jerome, Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, Buddy Rich, Georgie Auld, Alvino Rey, Chubby Jackson e comincia a fare arrangiamenti per diverse orchestre e per la radio (<<Your Show Of Show>>). Nel 1949 compone per Artie Shaw.

Suona con il percussionista Pupi Campo, con Elliot Lawrence (1951-53), poi al trombone con Count Basie (giugno-novembre 1953). L’anno seguente va in California per raggiungere Zoot Sims, vi resta per un po’ di tempo e rapidamente diventa un compositore molto richiesto di musiche per film. Continua tuttavia negli anni ’60 a scrivere per la televisione e per vari cantanti.

Come Al Cohn, Neal Hefti ed Ernie Wilkins, Johnny Mandel appartiene alla scuola degli arrangiatori “neoclassici”, per i quali l’efficacia e lo swing non devono andare a scapito della finezza. Considerato come uno dei più promettenti, sparì presto dai circoli esclusivamente jazzistici per dedicarsi alla musica per film: aveva cominciato ad orchestrare, con Bill Holman, lo spartito di Leith Stevens per The James Dean Story (1956). Con <<I Want To Live>> (1958) firma il suo primo spartito completamente jazz per un lungometraggio. Figurano poi nel suo albo d’onore: <<The Americanization Of Emily>> (con il tema Emily registrato da Bill Evans nel 1967), <<Harper>>, <<The Sandpiper>> (con il tema The Shadow Of Your Smile).
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[A.T.]

Sassofonista e clarinettista statunitense (New Orleans, Louisiana, 22.11.1901 – 13.4.1981).

Fratello del clarinettista Emile Barnes, prende qualche lezione di pianoforte a sedici anni, poi nel 1919 acquista un sax contralto e forma la Original Diamond Jazz Band, divenuta poi la Young Tuxedo Orchestra (1922). Si unisce in seguito a Kid Ory e entra nella Maple Leaf Orchestra (1932), suonando a  volte con Chris Kelly. Con la Tuxedo arriva a New York, ma l’orchestra si scioglie sulla via del ritorno.

Barnes resta con Papa Celestin e compone My Josephine, brano che incide nel 1926. Nel 1927 King Oliver lo assume nel suo gruppo, col quale registra, compie tournée e si esibisce al Savoy. In seguito lo troviamo con Chick Webb, Elmer Snowden, Luis Russell, prima di entrare nei Red Hot Peppers di Jelly Roll Morton.

Di nuovo con Oliver (nel 1931, poi nel 1934-35), si esibisce con kid Howard (1935-42) e si arruola in marina (1942-45). Congedato, torna con Papa Celesti (1946-51), per poi stabilirsi in California e ridurre la propria attività. Rientrato a New Orleans, conclude la carriera alla Preservation Hall, suonando anche in Europa nel 1973.

Dotato di buona tecnica al contralto e al soprano, Barnes ha sempre dato l’impressione di essere più un onesto professionista, desideroso di partecipare all’evoluzione della musica di New Orleans, che non un solista penetrante. Al clarinetto esibisce una delicatezza, quasi una fragilità, che sottolinea una solida immaginazione, un acuto senso armonico e una sonorità piena, soprattutto nel registro medio.
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[J.P.D.]

Sassofonista alto, clarinettista e direttore d’orchestra svedese (Stoccolma, 20.12.1924 – 2.9.2008).

Ben presto considerato come uno dei migliori professionisti del suo paese, lo rappresenta nel 1949 al festival internazionale del jazz a Parigi a capo di una All Stars. Nel 1951, dopo aver suonato con il contrabbassista Simon Brehm, Lars Gullin, RolfEricson, nell’orchestra di danza Thore Ehrling, forma un gruppo che egli non ha mai smesso di dirigere in concerto, nei club, alla radio o alla televisione, sotto forme diverse. Nel 1986, con Rune Gustafsonn, Bengt Hallberg e Georg Riedel, dedica un album a riletture ci celebri composizioni classiche di Edvard Grieg.

Classico al debutto, lo stile di Domnerus ha attinto in seguito da Charlie Parker e poi da Lee Konitz, senza rinnegare un classicismo alla Benny Carter.
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[A.C.]

Batterista statunitense (Tyler, Texas, 15.11.1913 – Denver, Colorado, 6.2.2000).

Durante la scuola studia il piano, il contrabbasso e la batteria e fa il suo debutto (a Houston) come musicista prodigio a nove anni. Durante gli anni ’30 si produce nelle orchestre locali della regione di Kansas City prima di partire per New York nel 1941 con Jay McShann. Lo lascia nel 1943 per entrare nell’esercito, lo ritrova brevemente al suo congedo, poi suona a Chicago con Jesse Miller (1945-47).

Si unisce quindi alle formazioni di Eddie Vinson, Tab Smith, Earl Hines, Cootie Williams e, nel 1948, sostituisce la sua guida Jo Jones presso Count Basie per un breve lasso di tempo. Viene ingaggiato una seconda volta quando Count si esibisce con una piccola formazione (1950), poi resta nella grande orchestra ricostituita, fino al dicembre 1954. Dopo una carriera di musicista di studio (1955-57), accompagna Ella Fitzgerald (1957-59).

Risuona occasionalmente con la cantante, in seguito con Oscar Peterson per una tournée in Germania, passa un anno con Woody Herman (1959) e fa parte del quintetto di Gerry Mulligan. Quando rimane senza lavoro, occupa la funzione di agente ausiliario nel 14th Precinct di New York.

Nel 1969, per sostituire Morey Feld, entra nella World’s Greatest Jazz Band. Invitato regolarmente ai Jazz Parties organizzati da Dick Gibson a Colorado Springs, si stabilisce a Denver alla fine del 1974 e continua a lavorare in studio e a prodursi con vari jazzmen locali come Peanuts Hucko.

Jay McShann, Count Basie, Gerry Mulligan, Ella Fitzgerald, Zoot Sims, Stan Getz, Woody Herman, Ralph Sutton furono alcuni dei suoi datori di lavoro. Questo elenco dice a quale livello di qualità operi Gus Johnson. Nello stimolare una grande orchestra o un piccolo gruppo, è sempre uguale a se stesso, cioè perfetto.
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[A.T.]

Pianista e compositore canadese (Montreal, 10.11.1932 - Stuart, Florida, 3.1.2016).

Dopo gli studi di violino iniziati a cinque anni, a otto si interessa al pianoforte e ottiene a undici il suo diploma al McGill Conservatory. Dirige poi l’orchestra del suo liceo, forma un quartetto (1945), suona regolarmente a Montreal. Fervente ammiratore di Oscar Peterson, gli succede nei club dopo la sua partenza per gli Stati Uniti, sostituendolo con la sua ritmica (1949).

Nel 1950 va a New York, si iscrive alla Juilliard School (composizione e direzione d’orchestra). Il primo disco nel 1953 è sostenuto da Charles Mingus e Art Blakey. Nel 1955-58 sta principalmente in California, suona con Chet Baker, forma un trio (con Charlie Haden e Billy Higgins) che nel 1958 includerà anche Ornette Coleman e Don Cherry; anche Scott LaFaro sarà contattato.

A New York, nel 1959, Bley diventa membro dell’orchestra di Mingus e sotto la sua direzione nel 1960 registra per la Candid con Eric Dolphy; partecipa allo spettacolo Jazz In The Space Age di George Russell, dialogandovi con Bill Evans; raggiunge poi Steve Swallow e Jimmy Giuffre per un’esperienza decisiva in trio (1961-62). Incrocia Gary Peacock in un altro trio d’avanguardia, quello di Don Ellis (1962), poi lavora con Sonny Rollins (1963-64) che assiste nello storico faccia a faccia con Coleman Hawkins (Sonny Meets Hawk). Il 1964 vede la separazione da Carla Bley, sposata nel 1957 (per lungo tempo lei resterà la sua compositrice prediletta) ma anche la sua collaborazione alla fondazione del Jazz Composer’s Guild di Bill Dixon (è uno dei rari bianchi di questa cooperativa di giovani musicisti libertari, e si trova implicato, accanto a Cecil Taylor, Dixon, Archie Shepp ecc., nella “rivoluzione d’ottobre” del 1964, movimento del free jazz).

Nel 1968 Bley comincia ad interessarsi ai sintetizzatori, dedicandovisi essenzialmente dal 1969 al 1972 (epoca del Synthetiser Show concepito con la pianista cantante Annette Peacock) e trascurando per un po’ la formula del trio acustico piano-basso-batteria cui è stato sempre affezionato e che aveva portato ad alti livelli di originalità fin dal 1962 (con i bassisti Steve Swallow, Gary peacock, Mark Levinson, Kent Carter, Dave Holland, Jesper Lundgaard, i batteristi Pete LaRoca, Paul Motian, Barry Altschul, Billy Elgart, Billy Hart). La sua attività si organizzerà, dopo l’abbandono degli strumenti elettronici, principalmente intorno all’assolo di piano, di cui diventa uno dei primi specialisti.

Nel 1974 fonda la casa discografica IAI (Improvising Artists Incorporated). Nella seconda metà degli anni ’80 lavora anche in quartetto con john Surman, Bill Frisell e Paul Motian.

Nella musica di paul Bley non esistono tempeste: è il culmine dell’interiorità, allusiva e sempre dubbiosa, avida di rimesse in causa e di aperture al silenzio dove riprende a seguire la legge dell’implosione.. Ma la sua musica è anche canto, senza contraddizioni, con il suo riserbo, glissando da spiagge solitarie di un piano molto vocalizzato e calamitato dalla linea melodica, cellule ritmate dalla fisica del respiro, a degli scambi in cui contrabbasso e batteria sono invitati a tenere nei loro interventi lo stesso livello di intensità di parola, come in contatto con una circolazione lirica che si elettrizza col dissolvimento posto come principio, la collocazione delle diverse voci nella sospensione  e nella concentrazione, lo svuotamento di ciascuno.

Paul Bley può essere considerato, a pari merito di bill Evans, come l’inventore del trio del piano moderno: privilegiando, in questa struttura, il dialogo a tre e l’intreccio degli affetti, piuttosto che l’idea dell’accompagnamento. Ma la sua inclinazione a superare il quadro armonico autorizza i suoi gruppi a una scioltezza maggiore, a un’inafferrabilità vera delle linee e dei passaggi di cui i suoi assolo sono, letteralmente, la quintessenza.
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[C.T.]