Duke Ellington (Edward Kennedy) 1899

Pianista, compositore, arrangiatore e direttore d’orchestra statunitense (Washington, D.C., 29.4.1899 – New York, 24.5.1974).

Nato dalla “piccola borghesia di colore” (suo padre, funzionario, arrotondava lo stipendio come maître dalle famiglie benestanti di Washington), Duke studia arte decorativa (vinse il concorso della NAACP – National Association for the Advancement of Coloured People: associazione per il miglioramento della condizione della gente di colore) prima di scegliere la musica che egli conosce da Henry Grant e che esercita partecipando a delle riunioni a Washington (True Reformer’s Hall, Abbott House, Oriental Theatre ecc.).

Viene ingaggiato da Louis Thomas, Daniel Doyle, Doc Perry, Elmer Snowden, Russell Wooding prima di riunire un gruppo, The Duke’s Serenaders, che diventa The Washingtonians. Troviamo con lui: Elmer Snowden, Otto Hardwick e Arthur Whetsol. Duke suona al Barron’s e all’Hollywood Club.

Alla direzione della sua orchestra, nel 1924, firma il successo della rivista Chocolate Kiddies e incomincia  esibirsi regolarmente nel New England, particolarmente al Charleshurts Ballroom di Salem, al Flamingo di New York, al Ciro’s, con Harry Richman, al Café Plantation, al Kentucky Club, al Lafayette e allo Standard Theatre di Filadelfia. Tutto questo accade dal 1925 al 1927, anno in cui la sua orchestra, gestita da Irving Mills, viene scelta per suonare al Cotton Club, fino al 1931, ma ciò non gli impedisce di suonare anche al Palace, al Paramount, al Fulton (con Maurice Chevalier) e di recarsi in California dove lavora per il cinema (Check And Double Check, 1930).
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Diventerebbe noioso elencare in dettaglio gli spostamenti di Duke e la sua formazione dal 1933, anno dei suoi primi concerti a Londra e Parigi. Fino alla vigilia della sua morte, instancabile e spinto da un vero spirito missionario, Ellington gira tutto il mondo, suona sia nei dancing popolari sia nei club altolocati, sale da concerto, festival, per ogni tipo di pubblico, per ogni etnia, per tutti, dagli studenti ai capi di stato e agli amanti del jazz.
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1. 1924-39. Lo stile jungle. Dopo aver obbedito allo stile “saltellante”, di moda all’inizio degli anni ’20, Ellington esplora un nuovo universo sonoro in cui il tono rauco degli ottoni, aggressivo e vocalizzato dall’uso di sordine in gomma (sordine wa wa) si mescola alla dolcezza degli strumenti ad ancia su una base ritmica solidamente costruita. Il suo incontro con Bubber Miley determina questa scelta. Soprannominato stile jungle (la giungla del ghetto di Harlem, Air Conditioned Jungle, ma anche il ricordo delle origini africane), questo modo unico e originale permette a Ellington di valorizzare un repertorio in cui il blues, in ogni tempo, occupa un posto essenziale (The Mooche, 1928) accanto a melodie raffinate ed esotiche (Mood Indigo, 1930). Il Kentucky Club e il Cotton Club sono il teatro dei grandi exploit del jungle in cui la musica accompagna dei balletti e danze acrobatiche negli stomps frenetici (Cotton Club Stomp, 1929).In questo modo Duke sa integrare dei ritmi e delle coloriture latino-americane – Cuba e Portorico – per attirare più pubblico e ottenere dei successi commerciali (Caravan, 1937). È anche un precursore delle formule concertanti che permettono di valorizzare un solista (Echoes Of Harlem, 1936). Intorno a Duke, i suoi musicisti, tutti della sua generazione, sono in perfetto accordo con le sue ambizioni: i trombettisti Bubber Miley, Art Whetsol, Cootie Williams, Freddie Jenkins, Wallace Jones, Rex Stewart, i trombonisti Joe Tricky-Sam Nanton, Lawrence Brown, Juan Tizol, i sassofonisti Otto Hardwick, Johnny Hodges, Harry Carney, il clarinettista Barney Bigard, i contrabbassisti Wellman Braud, Billy Taylor, il batterista Sonny Greer, i vocalist Adelaide Hall, Ivie Anderson, Baby Cox. In questo periodo, per aggirare dei contratti in esclusiva, l’orchestra registra – oltre che con il nome D.E. And His Famous Orchestra – sotto gli appellativi di Washingtonians, Whoopee Makers, Harlem Footwarmers, Six Jolly Jester’s, Mill’s Ten Blackberries, Harlem Hot Chocolates, Jungle Band, Memphis Hot Shots, Sonny Greer And His Memphis Men. 
   
2. 1939-45. Il periodo Strayhorn, Blanton, Webster. Diventato uomo di fiducia di Ellington, il pianista e arrangiatore Billy Strayhorn, venticinque anni nel 1940, contribuisce a ringiovanire la formula della grande orchestra Ellington, permettendole così di rivaleggiare con le formazioni dell’epoca dello swing (Goodman, Lunceford, Dorsey, Basie). Lo spirito dello stile jungle viene integrato in uno schema più flessibile. Le sezioni strumentali sono aumentate, si sviluppa l’uso del riff, la ritmica diventa più agile (In A Mellowtone, 1940). I solisti prendono di nuovo il sopravvento. Fra essi, il geniale contrabbassista Jimmy Blanton e l’appassionato tenore Ben Webster. Ma anche il trombettista e violinista Ray Nance, i trombettisti Taft Jordan e Cat Anderson, il clarinettista Jimmy Hamilton, il contrabbassista Alvin Raglin, i vocalist Joya Sherrill, Betty Roché, Al Hibbler e Herb Jeffries.
   
3. 1945- 54. Dall’esotismo all’impressionismo. Duke Ellington sviluppa il suo repertorio. Conserva alcuni dei suoi pezzi jungle e dei suoi successi degli anni ’40, ma aggiunge delle opere descrittive o impressioniste, spesso in tempi lenti in cui si sviluppa un esotismo a mezze tinte languide e sfumate. Compone delle suite concertanti di lunga durata in cui mescola tutti questi ingredienti per costruire qualcosa di coerente in cui egli possa esprimere un’idea globale del mondo delle emozioni. Si uniscono all’orchestra: i trombettisti Harold Baker, Nelson Williams, Francis Williams, Willie Cock e Clark Terry, I trombonisti Claude Jones, Wilbur DeParis, Tyree Glenn, Quentin Jackson, I sassofonisti Russell Procope, Willie Smith, Paul Gonsalves, i bassisti Oscar Pettiford, Wendell Marshall, i batteristi Dave Black, Louie Bellson, i vocalist Kay Davis, Yvonne Lanauze. Billy Strayhorn è sempre il braccio destro di Duke.
   
4. 1955-74. L’aggiornamento. Dal 1955 Ellington è alla ricerca, da una parte, di una sintesi dei suoi lavori, e dall’altra, di nuovi incontri. Dirige la sua orchestra, suona e risuona con essa, trionfa al festival di Newport (1956). Lo si ascolta sempre di più al piano, con la sua orchestra ma anche in altri contesti, particolarmente in trio. Dal 1965, in particolare, cerca di terminare una suite di musica sacra, In The Beginning God, che egli presenta nelle chiese e nei templi degli Stati Uniti e d’Europa, cercando una vita ecumenica che riprenda anche i principali movimenti della Black, Brown And Beige (storia dei neri). Dopo successi differenti, tornano accanto a Duke le vedette che lo avevano già affiancato: Cootie Williams, Johnny Hodges, Lawrence Brown. Essi sono i principali solisti con Cat Anderson, Ray Nance, Buster Cooper, Paul Gonsalves, Jimmy Hamilton, Norris Turney, Harold Ashby e il fedele Harry carney, dal 1927 con Duke. Nella sezione ritmica si succedono i contrabbassisti Jimmy Woode, Aaron Bell, Ernie Shepard, John Lamb, Jeff Castleman, Joe Benjamin, i batteristi Sam Woodyard, Louie Bellson, Rufus Jones e l’organista Wild Bill Davis che, dopo la morte di Billy Strayhorn (1967), prepara degli arrangiamenti per l’orchestra.

L’arte di Duke Ellington si impone come l’espressione originale, accessibile a ogni tipo di pubblico, di una negritudine contemporaneamente accettata e superata. Predica una possibilità di comunicazione universale, senza abusare troppo delle canzonette o degli effetti di virtuosismo. Mescolando lo spirito del blues all’inventiva orchestrale più raffinata, la musica di Duke Ellington, in costante riferimento alla cultura afroamericana, resta popolare evitando le trappole della moda.

Duke Ellington è, con Louis Armstrong, il più importante creatore di jazz. Al contrario di Armstrong, il cui genio si esprime nelle improvvisazioni, Ellington traduce il suo pensiero attraverso la grande orchestra. In collaborazione con i musicisti, compone, da un materiale abbastanza semplice – in cui la trama del blues occupa un posto di merito – dei temi seducenti che egli riveste di superbe orchestrazioni dall’atmosfera armonica raffinata, dalle mescolanze sonore delicate.
Nell’interpretazione di questi brani, egli mira all’emozione, al movimento e allo swing, facendo dare il meglio di loro stessi a dei solisti scelti con cura, esaltando le loro improvvisazioni con dei background originali e degli interventi al piano, strumento che Ellington utilizza in modo molto personale. La sua esecuzione proveniente dal ragtime e dallo stride di New York, si basa su un senso molto vivo dei contrasti e delle nuance e su una tensione ritmica sempre molto accentuata. C’è in lui un universo sonoro che sviluppa con la sua grande orchestra.

Fino alla morte, Duke Ellington resterà fedele alla grande tradizione musicale nera americana (blues e swing). È il vero e proprio creatore dell’estetica della grande orchestra e riesce a piacere a tutti i popoli del mondo raccontando la storia del suo popolo.
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[F.T.]

American pianist, composer, arranger and conductor (Washington, D.C., 29.4.1899 - New York, 24.5.1974).

Born from the "petty bourgeoisie of color" (his father, an official, supplemented the salary as a maître with wealthy families in Washington), Duke studied decorative art (he won the competition of the NAACP - National Association for the Advancement of Colored People). Before choosing the music he knows from Henry Grant and which he plays by attending meetings in Washington (True Reformer's Hall, Abbott House, Oriental Theater, etc.).
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He is hired by Louis Thomas, Daniel Doyle, Doc Perry, Elmer Snowden, Russell Wooding before reuniting a group, The Duke's Serenaders, which becomes The Washingtonians. We find with him: Elmer Snowden, Otto Hardwick, and Arthur Whetsol. Duke plays at Barron's and the Hollywood Club.

At the direction of his orchestra, in 1924, he signed the success of Chocolate Kiddies show. He began performing regularly in New England, particularly at the Charleshurts Ballroom in Salem, at the Flamingo in New York, at Ciro's, with Harry Richman, at the Café Plantation, in Kentucky Club, Lafayette, and the Standard Theater in Philadelphia. All this happens from 1925 to 1927. The year in which his orchestra, managed by Irving Mills, is chosen to play at the Cotton Club, until 1931. but this does not prevent him from also playing at the Palace, the Paramount, the Fulton (with Maurice Chevalier), and going to California, where he works for the cinema (Check And Double Check, 1930).
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It would become boring to list Duke's travels and training in detail since 1933, the year of his first concerts in London and Paris. Until the eve of his death, tireless and driven by a true missionary spirit, Ellington travels worldwide. He played both popular dances and high-rise clubs, concert halls, festivals, for all audiences, for all ethnic groups, from students to heads of state and jazz lovers.

1. 1924-39. The jungle style. Having obeyed the "hopping" style, fashionable in the early 1920s, Ellington explores a new universe of sound in which the raucous tone of brass, aggressive and vocalized by the use of rubber mute (mute wa wa), mixes to the sweetness of reed instruments on a solidly constructed rhythmic base. The meeting of him with Bubber Miley determines this choice. Nicknamed jungle style (the jungle of the Harlem ghetto, Air Conditioned Jungle, but also the memory of African origins), this unique and original way allows Ellington to enhance a repertoire in which the blues, at all times, occupies an important place (The Mooche, 1928) alongside refined and exotic melodies (Mood Indigo, 1930). The Kentucky Club and the Cotton Club are the scenes of the extraordinary exploits of the jungle in which music accompanies ballets and acrobatic dances in the frenetic stomps (Cotton Club Stomp, 1929). In this way, Duke knows how to integrate Latin American rhythms and colors - Cuba and Puerto Rico - to attract more audiences and achieve commercial success (Caravan, 1937). He is also a precursor of the concertante formulas that allow the enhancement of a soloist (Echoes Of Harlem, 1936). Around Duke, his musicians, all of his generation, are in perfect agreement with his ambitions: trumpeters Bubber Miley, Art Whetsol, Cootie Williams, Freddie Jenkins, Wallace Jones, Rex Stewart, trombonists Joe Tricky-Sam Nanton, Lawrence Brown, Juan Tizol, saxophonists Otto Hardwick, Johnny Hodges, Harry Carney, clarinetist Barney Bigard, double bass players Wellman Braud, Billy Taylor, drummer Sonny Greer, vocalists Adelaide Hall, Ivie Anderson, Baby Cox. In this period, to circumvent exclusive contracts, the orchestra records - as well as under the name D.E. And His Famous Orchestra - under the names of Washingtonians, Whoopee Makers, Harlem Footwarmers, Six Jolly Jester's, Mill's Ten Blackberries, Harlem Hot Chocolates, Jungle Band, Memphis Hot Shots, Sonny Greer And His Memphis Men.
2. 1939-45. The Strayhorn period, Blanton, Webster. Became Ellington's trusted man, pianist, and arranger Billy Strayhorn, twenty-five years old in 1940, contributes to rejuvenating the formula of the great Ellington Orchestra, thus allowing it to rival the bands of the swing era (Goodman, Lunceford, Dorsey, Basie ). The spirit of the jungle style is integrated into a more flexible scheme. The instrumental sections have increased, the use of the riff develops, the rhythm becomes more agile (In A Mellowtone, 1940). The soloists take over again. Among them, the brilliant double bass player Jimmy Blanton and the passionate tenor Ben Webster. But also the trumpeter and violinist Ray Nance, the trumpeters Taft Jordan and Cat Anderson, the clarinetist Jimmy Hamilton, the double bassist Alvin Raglin, the vocalists Joya Sherrill, Betty Roché, Al Hibbler, and Herb Jeffries.
3. 1945- 54. From exoticism to impressionism. Duke Ellington develops his repertoire. He retains some of the pieces of his jungle and his hits from the 1940s. But adds descriptive or impressionist works, often at a slow pace in which an exoticism in languid and nuanced halftones develops. He composes long-lasting concertante suites in which he mixes all these ingredients to build something coherent in which he can express a global idea of the world of emotions. Joining the orchestra: trumpeters Harold Baker, Nelson Williams, Francis Williams, Willie Cock and Clark Terry, trombonists Claude Jones, Wilbur DeParis, Tyree Glenn, Quentin Jackson, saxophonists Russell Procope, Willie Smith, Paul Gonsalves, bass players Oscar Pettiford, Wendell Marshall, drummers Dave Black, Louie Bellson, vocalists Kay Davis, Yvonne Lanauze. Billy Strayhorn is still Duke's right-hand man.
4. 1955-74. The update. Since 1955 Ellington has been looking, on the one hand, for a synthesis of his works, and on the other, for new encounters. He conducts his orchestra, plays and resonates with it, triumphs at the Newport Festival (1956). He is heard more and more on the piano, with his orchestra, and in other contexts, particularly in trio. Since 1965, in particular, he has tried to finish a suite of sacred music, In The Beginning God, which he presents in churches and temples in the United States and Europe, seeking an ecumenical life that also incorporates the main movements of Black, Brown, And Beige (history of blacks). After other successes, the lookouts who had already joined him return next to Duke: Cootie Williams, Johnny Hodges, Lawrence Brown. They are the prominent soloists with Cat Anderson, Ray Nance, Buster Cooper, Paul Gonsalves, Jimmy Hamilton, Norris Turney, Harold Ashby, and the faithful Harry Carney, from 1927 with Duke. In the rhythm section, there are double bass players Jimmy Woode, Aaron Bell, Ernie Shepard, John Lamb, Jeff Castleman, Joe Benjamin, drummers Sam Woodyard, Louie Bellson, Rufus Jones, and organist Wild Bill Davis who, after the death of Billy Strayhorn (1967), prepares some arrangements for the orchestra.

Duke Ellington's art stands out as the original expression, accessible to all audiences, of a negritude that is both accepted and overcome at the same time. It preaches a possibility of universal communication without abusing too much of the songs or the effects of virtuosity. Mixing the spirit of the blues with the finest orchestral inventiveness, Duke Ellington's music, in constant reference to African American culture, remains popular while avoiding fashion traps.

Duke Ellington is, with Louis Armstrong, the essential jazz creator. Unlike Armstrong, whose genius is expressed in improvisations, Ellington translates his thought through the excellent orchestra. In collaboration with the musicians, he composes, from a reasonably simple material - in which the plot of the blues occupies a place of merit - seductive themes that he covers with superb orchestrations with a refined harmonic atmosphere, with delicate sound mixes.

In the interpretation of these pieces, he aims at emotion, movement, and swing, making carefully chosen soloists give the best of themselves, enhancing their improvisations with original backgrounds and piano interventions, an instrument that Ellington uses in a very personal way. His performance, coming from the ragtime and the stride of New York, is based on a vibrant sense of contrasts and nuances and a rhythmic tension that is always accentuated. There is a sound universe in him that he develops with his superb orchestra.

Duke Ellington will remain faithful to the great black American musical tradition (blues and swing). He is the actual creator of the aesthetics of the large orchestra and manages to please all the world's peoples by telling the story of his people.
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[F.T.]